Para que no me olvide

¡Qué lejos queda Missouri!

Lo que nosotros siempre hemos conocido como Forajidos de Leyenda tiene como título original el de "The Long Riders". Se trata de una película del oeste dirigida por Walter Hill en el año 1980. Fue producido por James Keach , Stacy Keach y Tim Zinnemann y contó con la muy estimable banda sonora original de Ry Cooder . Es más, Cooder ganó el premio a la Mejor Música de la Asociación de Críticos de Cine en 1980 de los Premios de Cine de Los Ángeles con esta banda sonora. La película fue presentada en el Festival de Cine de Cannes de ese año ya lejano año 1980. Se trata realmente de un relato novelado de la banda de los hermanos James y Younger.

Cuando vi la película por primera vez a mediados de esa década me llamó la atención que los hermanos del relato, los James, los Younger, los Miller y los Ford eran en realidad hermanosen la vida real. Los hermanos Keach interpretan a Jesse James ( James Keach ) y James Frank ( Stacy Keach) ; los Younger fueron interpretados por los hermanos Carradine ( Cole Younger – David Carradine- , Jim Younger – Keith Carradine-  y Bob Younger - Robert Carradine -);  el papel de los Miller fue asumido por los muy jóvenes por aquel entonces  hermanos Quaid, Ed Miller ( Dennis Quaid ) y Clell Miller ( Randy Quaid) ; mientras que los Ford están representados por los hermanos Guest, Charley Ford ( Christopher Guest ) y Robert Ford ( Nicolás Guest ). Para  el carácter familiar del filme cuenta la película con la aparición - sin acreditar- de Ever Carradine , la hija de Robert Carradine y sobrina de David y Keith Carradine. Además el hijo de James Keach, Kalen Keach, también está presente.  Intervienen igualmente otros actores como  Kevin Brophy como John Younger, Harry Carey, Jr. como George Arthur, Shelby Leverington como Annie Ralston , Felice Orlandi como el Sr. Reddick , Pamela Reed como Belle Starr, Lin Shaye como Kate y James Remar como el mestizo Sam Starr.

Gran parte de la película se rodó en Georgia, siendo especialmente recordada la imagen del asalto y su fracaso que se rodó en Northfield Parrot, Georgia .

La película es del director y productor  Walter Hill aunque realmente parece rendir un homenaje dirigido a Sam Peckinpah. La película nos muestra a lo largo de sus 100 minutos de metraje un western bien planteado y para ello contó con un buen guión firmado a la limón por Bill Bryden, Steven Philip Smith, Stacy Keach, James Keach, con la música de Ry Cooper y la fantástica fotografía de Ric Waite. La productora del filme fue la United Artists.

La película empieza presentando el contexto histórico de la banda, pues estamos en los años posteriores a la Guerra Civil americana, cuando esta ya ha terminado, pero muchos del sur se resisten a admitir la derrota. Algunos de los héroes que cabalgaron junto a Lee se han convertido ahora en unos atracadores de bancos. Entre ellos, y dominando las praderas de Missouri, se encuentran los hermanos James, ladrones de bancos y asaltadores de trenes que viven al margen de la ley.

La historia de Jesse James representa a la de muchos hombres del Sur que no pudieron adaptarse a la nueva realidad creada tras la derrota en contienda civil, y en la película ese mundo aparte queda patente durante la fiesta de bodas del propio Jesse, con esa bandera confederada que cuelga ya anacrónicamente de una viga, y sin que veamos a un solo negro bailando. Hasta donde he podido averiguar, los hechos que vemos se produjeron tal cual nos cuentan.

La película nos permite disfrutar de personajes bastante labrados, desde el frío James, pasando por el racional y dependiente Frank al indómito y despreocupado Cole Younger. Hay otros más desdibujados, pero los principales funcionan; también podemos conocer algo de ese Sur rural recién derrotado, aunque, insisto, es extraño que no aparezca ni un negro en toda la película; los planos amplios nos dejan recrearnos tanto en el paisaje como el uso de la cámara lenta (en momentos acertados, incomparable la secuencia en que atraviesan un escaparate) nos permite no perder detalle de ciertas escenas de acción. "Qué lejos queda Missouri", se lamenta Cole Younger en determinado momento.

Con ‘Forajidos de Leyenda’ Walter Hill como hará más tarde con Gerónimo – ya comentado- y con el primer capítulo de la primera temporada de Deadwood,  se atrevió con un western. Para los setenta y ochenta, el género que no estaba precisamente en su momento más álgido, sino más bien todo lo contrario. Como tema central de la película rescató la leyenda del bandido Jesse James y todos los que le rodearon y filmó un film preciso que narra las andanzas de un grupo de atracadores de trenes y bancos, formados por tres familias de hermanos, siendo todos ellos encabezados por Jesse James, el hombre más buscado por la justicia. Todos son protagonistas, sin que la película se decante por alguno en concreto, algo que la aleja totalmente de las anteriores versiones sobre el mítico bandido, dándole un nuevo enfoque y tratamiento a la historia. Tampoco se centra mucho en los motivos del asesinato de Jesse James como hará más tarde la película protagonizada por Brad Pitt sobre el cobarde Ford que lo mata a traición.

Para ello Hill contó con actores que eran hermanos en la vida real, como hemos indicado anteriormente  interpretando a su vez a hermanos en la ficción. James Keach y Stacy Keach, que además son productores del evento, dan vida a los hermanos James, compenetrándose de maravilla, y llevando en la parte final el peso de la función. Lo cierto es que muy probablemente estemos ante las dos mejores interpretaciones de los hermanos Keach, dos actores desaparecidos del mapa, pero que aquí están totalmente entregados a la causa. Dennis Quaid y Randy Quaid dan vida a los hermanos Miller, aunque con participación fugaz en la banda del primero dado su carácter sanguinario y codicioso visible en el primer asalto al banco de la película. David Carradine, Robert Carradine y Keith Carradine dan vida a los hermanos Younger, y como siempre, Keith sobresale por encima del resto, aunque en el caso de David hay que decir que sorprende, y un poco menos en el caso de Robert. Sea como fuere, se nota que todos se compenetraron especialmente los Keach, especialmente visible en el momento en que Frank James corta leña, mientras su enorme Jess se está declarando. Hill más tarde buscará en Keith Carradine apoyo en la interpretación de Bill Wild Hickock en Deadwood. De todas maneras pocas veces tanta familia interpretando a tantos personajes juntos en una misma película.

Por supuesto en el caso del cobarde Robert Ford y Charlie Ford, Hill también contó con dos hermanos en la vida real. Concretamente Nicholas Guest y Christopher Guest, que como todos sabéis tiene su vital importancia en la historia de Jesse James. El film sólo se centra en estos dos personajes sólo en ese punto vital que todos conocemos, sin entrar en demasiados detalles, y ni siquiera dando a entender que Robert Ford y Jesse James tuvieran algún tipo de relación. De hecho hay un rechazo permanente de los miembros de la banda sobre todo de los James y de los Younger a los Ford. Los ignoran en el baile y son ignorados igualmente en el entierro del hermano disminuido de los James, tras el asalto de la casa por parte de los hombres de Pinkerton. La película pretende reflejar el papel del grupo, de sus correrías en asaltos a bancos , a trenes y su cabalgada final, visto con cierto tono crepuscular sin cargar demasiado las tintas.

Walter Hill dirige con enorme eficacia, dureza una película en la que se intercalan escenas de la vida corriente de los protagonistas, con escenas de atracos, logrando casi en su totalidad el hablar de todos los personajes sin necesidad de darle a uno más importancia que a otro, salvo en sus momentos finales y por motivos muy evidentes. Este western moderno, creíble y que aporta novedades al género es una tarea que Hill hizo aunque no llegara al alcance de maestros como Clint Eastwood. Esta película intenta recuperar el espíritu crepuscular de las obras maestras de Peckinpah.

De esta forma, la película funciona perfectamente como film coral, por así llamarlo, uno de sus mayores aciertos, además de lo bien filmada que está, sobre todo en sus escenas de acción. Con respecto a esto último conviene resaltar todo el tramo final, donde ya el homenaje a Peckinpah es clarísimo. Homenaje igualmente en el papel de la música y de los bailes, especialmente bueno el de la boda de Jesse James con jóvenes, niños y ancianos de ambos sexos bailando alegremente,  centrales igualmente en las películas Hill y de Peckinpah, aunque éste apostara por la música de frontera con México. El tiroteo excelentemente coreografiado, donde Hill utiliza la cámara lenta parece remitirnos al ‘Grupo Salvaje’ (años más tarde volvería a hacer una operación similar en la maja ‘Traición sin Límite’) para, como hacia el viejo maestro, para enseñarnos la crudeza de la explícita violencia. Para ello Hill no escatima del sonido usando un sonoro ruido cuando uno de los protagonistas va a ser herido.

Resulta igualmente revelador el travelling de inicio en el que poco a poco se van viendo cabalgando a los protagonistas aunque indefinidos dada la lejanía de la cámara. Puede que falle el montaje que está entrecortado o fragmentado.

Los productores del filme no quedaron satisfechos con el montaje original y decidieron acortarlo hasta los cien minutos. Fue cortada para conseguir un metraje más comercial y eso se nota en la escasísima definición de los personajes (ya los conocemos, es cierto, pero cuéntanos algo), el atropellado final y la sensación de frialdad que deja al terminar. El tiroteo del final es muy vistoso, especialmente cuando la música acompaña los impactos que reciben los protagonistas al huir del banco del pueblo que han asaltado.

Una película que cumple con los clichés del western, uno de los westerns con mejor factura salidos de Hollywood en los últimos 30 años. ‘Forajidos de Leyenda’ además presenta una magnífica banda sonora de Ry Cooder.

Destacan eso sí pequeños errores históricos que convierten algunos momentos de la película en anacronismos que no afectan a su calidad visual, sino al pretendido carácter historicista de la misma. Por ejemplo, la banda de James se hace un retrato frontal con los personajes sentados antes de la redada de Northfield en 1876. El fotógrafo utiliza el flash en polvo, el problema que ese flash en polvo no fue inventado hasta finales de 1880.

Igualmente en otra imagen se ve una toma tras el regreso de la banda  a Missouri donde hay caballos tirando de un vagón, y es evidente que los senderos que están fueron hechas por los vehículos modernos, ya que si se tratara de caminos de carretas, los carriles de la rueda serían menores y el centro de la pista sería más amplio pues sólo se marcaría las ruedas y las pisadas de los caballos.

"I'm a good ole rebel" o “Soy un buen rebelde” , cantada en la escena del salón o burdel , no se escribió hasta 1918. Aunque es posible que se conociera en el período representado (a principios de 1870), es poco probable que fuera tan ampliamente conocido que el artista habría sido capaz de tocar de memoria. Señala la web imdb que se ven modernas líneas de alta tensión del día visibles en las escenas rodadas en Georgia. También esta web nos informa que el revólver con el que Frank James amenaza a Rixley es una Smith-Wesson Schofield. En realidad, Jesse llevaba un par de Schofields mientras que Frank prefería la más pesada Remington del nuevo Ejército (el tipo de pistola se muestra llevada por Cole Younger). Después de salir de la cárcel, Frank James hizo un testimonio de impresión para referirse a la Remington como "el arma mejor mano que he llevado". Igualmente se indica que durante la redada de Northfield, cuando la máquina de vapor llegó a la calle, las huellas de las ruedas planas y el peso pesado podría verse claramente en la suciedad de la calle, pero en la siguiente escena, como los jinetes se acercaban por la calle, no había huellas visibles.

Entre los diálogos de la película se dicen los siguientes:

- ¿Sabe qué clase de hombres sale de Missouri? los James, los Younger, los Clayton, los Earp y ahora Bob y Charlie Ford.

- Pues que hemos apostado fuerte y hemos perdido. Estuve cuatro años en el ejército y llevo once intentando olvidarlo.

- Me encuentro muy mal.
- No es de extrañar. Once balazos en el cuerpo es todo un record.

- ¡Qué lejos queda Missouri!

- ¿Y cómo es que yo no he sido invitada?.
- Porque tu eres una puta.
- Ya, pero desde luego no de las baratas.

- Ahora que tu y yo parece que nos entendemos bien podías pensar en hacer de mi una mujer honrada.
- Nunca serás una mujer respetable Bell. Eres una puta y siempre lo serás, y por eso me gustas.

- Soy la protesta personificada. Soy un rebelde de pies a cabeza.

Escrito por recursosghaverroes el 29/02/2012 07:51 | Comentarios (0)

Nicholson voló sobre el cine

De este VHS me quedaba únicamente por ver “Alguien voló sobre el nido del cuco”. Curiosamente ha sido hoy el día que el diario “El mundo” publicaba un artículo sobre el 80 aniversario de su director Milos Forman. Las otras películas que lo componían ya han sido comentadas.

One Flew Over the Cuckoo's Nest es una película estadounidense de 1975 basada en la novela homónima de Ken Kesey  que tuvo esta experiencia en un psiquiátrico mientras trabajaba en el Hospital de la Administración de Veteranos en Palo Alto, California.. Dirigida por el director checo Miloš Forman. El guión cinematográfico fue obra de Bo Goldman y Lawrence Hauben. Protagonizada por Jack Nicholson (Randle Patrick McMurphy) y Louise Fletcher (Enfermera Mildred Ratched) en los papeles principales, y secundados por otros actores de lujo como Danny DeVito (Martini) , Christopher Lloyd (Max Taber) , Brad Dourif (Billy Bibbit) y Will Sampson ("Jefe" Bromden) en los papeles principales, así como otros magníficos actores como William Redfield (Hardy), Vincent Schiavelli (Frederickson) o William Duell (Jim Sefelt)…

En la producción estuvieron presentes Michael Douglas y Saul Zaentz para la productora Fantasy Films, aunque la distribución recayó en United Artists. La música repetitiva al inicio y al final es obra de Jack Nitzsche basándose en la estructura de acordes de la canción "Please Release Me". La fotografía estuvo en manos de Haskell Wexler y Bill Butler, quien sustituirá al primero debido a diversas diferencias creativas con el productor Michael Douglas . El montaje fue obra de Sheldon Kahn y Lynzee Klingman.

Ganadora de numerosos premios internacionales. One Flew Over the Cuckoo's Nest fue la primera película en 41 años en ganar las máximas categorías (película, director, actor, actriz y guion).segunda película en obtener los cinco principales premios de la Academia: Óscar a la mejor película, Óscar al mejor director, Óscar al mejor actor, Óscar a la mejor actriz, y el Óscar al mejor guión adaptado, hazaña que ya había sido lograda por It Happened One Night en 1934 y que luego fue lograda en 1991 por The Silence of the Lambs. Obtuvo además otras 4 nominaciones : mejor actor de reparto (Brad Dourif), al mejor montaje (Lynzee Klingman, Richard Chew y Sheldon Kahn), a la fotografía y banda sonora con los maestros antes señalados. Además obtuvo la pel´ñicula otros premios como el Globo de Oro a la mejor película dramática, el BAFTA a la mejor película y Premios David di Donatello: Mejor director y actor extranjero (Jack Nicholson).

En los 133 minutos de este drama, Randle Patrick McMurphy (Jack Nicholson) ha cometido un delito por el que debería ir a prisión. Consigue en cambio que le envíen a un centro psiquiátrico. Allí se hace pasar por enfermo mental y logra que le ingresen en un departamento de cuidados especiales. Tratando de pasar el rato de la forma más agradable posible, organiza con sus compañeros, juegos y toda clase de diversiones, hasta el extremo de que infringe las normas de disciplina, situación que la enfermera jefe Mildred Ratched (Louise Fletcher) no está dispuesta a tolerar. Comienza entonces una lucha de voluntades entre McMurphy y Ratched.

La trama de la película se centra en un personaje que es acusado por cinco casos de estupro y, por consiguiente, debe entrar en prisión por ello, pero debido a su aparente desequilibrio mental es trasladado al hospital psiquiátrico del estado para ser examinado. Este personaje llamado R.P. McMurphy, en realidad, no presenta ningún tipo de problema psiquiátrico sólo intenta eludir el ingreso en prisión. De ahí partirá la historia que prosigue con el internado obligatorio de McMurphy por ser considerado peligroso para la sociedad.

En el transcurso de su estancia en el hospital psiquiátrico será protagonista de numerosos episodios de descontrol entre los enfermos e incluso de huidas, suya y del resto de los pacientes, interrumpiendo la sosegada y cuadriculada vida de los enfermos.

La enfermera principal del centro psiquiátrico, la señorita Ratched, es un ser totalmente estricto, ordenado, serio y autoritario. Ello se hace evidente en sus apariciones, siempre soberbias y pulcras, sin expresividad en su rostro, no se altera ante ningún hecho, es fuertemente represiva y poco compasiva. Siempre que no viste su uniforme lo hace de riguroso negro.

En la película, se administra a todos los pacientes una cantidad considerable de medicación, además, si alguno se niega, se hace por la fuerza. Por lo que los pacientes consideran a la medicación como sagrada, adoctrinan lo que deben de tomar como si ello les fuese a salvar el alma. Si alguno de ellos se sale del orden establecido, se les castiga con descargas eléctricas (electro-shock), o incluso se les practica una lobotomía (como a McMurphy tras atacar a la enfermera Ratched).

El ambiente del psiquiátrico es totalmente estricto, monótono y cuadriculado. Siempre hacen lo mismo, y en la única medida que pueden alumbrar algo de terapia psicológica, es cuando se sientan en círculo con la enfermera Ratched para dialogar sobre lo que sienten o lo que piensan. Aunque este hecho queda empañado por la enorme rigidez y represión que presenta esta particular enfermera. Por todo ello, es causa de desagrado de McMurphy, pues él desea hacer lo que le plazca y no se deja controlar, pero aun así, incluso McMurphy, se dirige hacia ella de forma respetuosa y educada (como se puede observar en la escena en la que McMurphy desea ver los campeonatos de béisbol).

Otra escena que refleja la fuerte represión que produce la enfermera Ratched, es el momento en el que ésta dice que para ver los partidos de liga de béisbol, se ha de contar con el voto de todos los compañeros. En este momento McMurphy, piensa que contará con sus votos, pero éstos se muestran sumisos a los deseos de la enfermera Ratched.

Destaca también la forma inquisitoria que adopta la enfermera Ratched al formular sus preguntas. Llega hasta tal punto de represión, que Billy es capaz de suicidarse por temor a las represalias de su madre cuando es encontrado en la cama con una chica. El caso de Billy es un claro ejemplo de la extrema represión, no sólo en el hospital psiquiátrico sino también, en su propia familia, lo cual puede ser el origen de su tartamudez. Hecho que queda implícito en la escena en la que Billy deja de tartamudear cuando está con la chica o cuando se enfrenta a la enfermera Ratched.

Otra escena represora significativa, es el momento en el que la enfermera Ratched le dedica una sonrisa a McMurphy, por lo que se denota cierta atracción hacia él, pero claro, sería totalmente imposible, por lo que se muestra una imagen de la gran represora como la gran reprimida. Incluso tras el suicidio de Billy, ella trata de volver al orden, como si no hubiese ocurrido nada, volviendo a las actividades diarias.

Se puede mencionar además que el orden del hospital psiquiátrico aparece como un negador de la chispa de la vida, de la libertad, coartando toda espontaneidad. A pesar de ello, y aquí viene lo más sorprendente, la mayoría de los pacientes se encuentran allí por su propia voluntad, pues son personas que temen a la realidad social, que no se encuentran integradas en ella, autoexcluidas, apartadas y sin el valor suficiente para enfrentar la terrible sociedad en la que vivimos.

Por ello, no escapan cuando McMurphy se lo ofrece. Billy le responde que no es capaz de hacerlo. O el caso de Chief Bromden o Gran Jefe (como lo llama McMurphy), no es realmente sordomudo, sino que finge serlo para evadirse así de la realidad. Él mismo hace una alusión a la marginación que sufría su propio padre, lo que llevó a éste a la bebida, y ésta a la muerte: “no es él quien bebe de la botella, sino la botella quien se lo bebía a él".

Además debemos de resaltar la obra de amor que realiza Gran Jefe cuando decide escaparse con McMurphy, pero decide quitarle la vida a su compañero con el fin de que no padeciera tras haber sufrido una lobotomía. Finalmente este personaje se arma de valor, se llena de vida y escapa como si volara por la ventana hacia la libertad.

El título de la novela viene de una rima popular los niños americanos. que recuerda el Jefe Bromden en su estancia en el manicomio. Su abuela decía: "Uno voló hacia el este, uno voló hacia el oeste, y uno voló sobre el nido del cuco".

Sin duda estamos ante una de las mejores películas de la historia del cine, pero sobre todo de la historia de la interpretación. El personaje principal McMurphy (Jack Nicholson), hace una interpretación realmente magistral de la vida en el centro psiquiátrico, y a lo largo de la película se lleva todo el peso emocional e interpretativo con su habitual gesticulación, que le da incluso más que de normal, un punto de genialidad a su actuación, y es ahí donde reside la grandeza de esta película, en que llegas a creer realmente que lo que sucede en el centro psiquiátrico escenario dela película puede ocurrir en la realidad.

Y esta grandeza y realismo no viene sólo por Nicholson, sino por Louise Fletcher, cuya interpretación dictatorial e impositiva hace que la odies por su poca humanidad. Además, los secundarios, en este caso, los locos del manicomio, hacen un gran trabajo, cada uno con su diferente característica de locura, pero juntándolos a todos junto con los dos protagonistas, nos embarcan en una historia magnífica, que reside tanto en la gran actuación de los actores, como en una historia que resulta totalmente creíble.

En ella se nos cuenta la estancia en un manicomio de Randle Patrick Mc Murphy (Jack Nicholson), un vividor acostumbrado a constantes temporadas en prisión y que tras su último encuentro con la justicia decide hacerse pasar por perturbado y ser ingresado para evitar los trabajos forzados de la prisión, pues “un agradable hospital psiquiátrico es preferible a una temporada en la cárcel”.

Sin embargo descubre una realidad muy diferente al comprobar que los internos, aún estando bien cuidados, se encuentran sometidos a la férrea disciplina de la enfermera jefe. La señorita Ratched (Louise Fletcher), bajo una máscara de dulzura y comprensión dirige el lugar con mano de hierro, controlando a trabajadores y especialmente a internos, a quienes somete cruelmente dentro de unas normas que no son sino la extensión del rechazo de ese mundo exterior que los olvida por su incapacidad para adaptarse.
Pronto Mc. Murphy se convertirá en la voz de los encerrados, atacando con su rebeldía un orden tan rígido que había logrado que ni siquiera se escuchase una risa auténtica en el lugar. Pero enfrentarse al poder establecido cuando tu libertad y tu vida están en sus manos, pueden acarrear graves consecuencias. De todas maneras hay un estudio filosófico sobre la película que aparece en este enlace.

La película tuvo un presupuesto de 4,4 millones de dólares, pero recaudó 112 millones sólo en los EE.UU. Jack Nicholson solicitó un porcentaje de las ganancias en lugar de un pequeño salario para una película de bajo presupuesto. La medida dio sus frutos cuando la película llegó a recaudar de más de $ 120 millones de dólares.

Kirk Douglas poseía los derechos de la película durante mucho tiempo, antes de que su hijo Michael Douglas finalmente comenzara el proyecto. Kirk Douglas protagonizó en 1963 la producción de Broadway después de comprar los derechos de la película antes de su publicación, que más tarde pasó a los derechos cinematográficos de su hijo Michael Douglas , pero mantuvo un porcentaje de las ganancias. Todos los grandes estudios se había negado a hacer la película durante el período ya que el quería interpretar el papel principal.  Tras asumir Kirk que era demasiado mayor para el papel principal, se reunió con Milos Forman en Praga durante una gira del Departamento de Estado y le prometió que le enviara el libro después de decidir que iba a ser un buen director para la película, el libro nunca llegó, probablemente, confiscado por los censores del gobierno checo, que era comunista en el tiempo. Ken Kesey escribió un guión para la producción, pero Forman la rechazó porque Kesey insistió en mantener en primera persona la narración del Jefe Bromden .

Milos Forman pensó inicialmente para el papel protagonista a James Caan, a Marlon Brando y a Gene Hackman , pero se decantó por Nicholson. Muchos extras eran auténticos enfermos mentales. El elenco y el equipo tuvo que acostumbrarse a trabajar con los extras y el apoyo a los sanitarios que se encontraban recluidos en el Hospital Mental del Estado de Oregon, cada miembro del elenco y el equipo profesional, inevitablemente, trabajó en estrecha colaboración con al menos dos o tres enfermos mentales.

La escena de Jack Nicholson con el Doctor Brooks, el director del Psiquiátrico se basó en gran medida en la improvisación – incluyendo las preguntas acerca de la foto de pesca, el peso del salmón o el de la cadena y hablando de su condena por violación, las reacciones de Brooks eran auténticas ante la declaración del actor.

El papel del capitán será interpretada por Mel Lambert , que era realmente un hombre de negocios local en lugar de un actor profesional, que tenía una fuerte relación con los nativos americanos en toda la zona, y fue él quien sugirió Will Sampson para el papel de Jefe Bromden. El director Milos Forman intentó sacar para la película las reacciones de los personajes en diversas escenas. En algunas escenas de terapia de grupo, hubo hasta diez minutos de reascciones grabadas sobre Jack Nicholson aunque este tuviera muy poco diálogo. La imagen de Louise Fletcher buscando fríamente a Nicholson después de regresar de una terapia de choque era en realidad su reacción irritada de la grabación de Forman.

El guión decía que McMurphy debía besar aun guardia nada más llegar al hospital. Durante el rodaje, el director Milos Forman decidió que la reacción de la guardia ante el beso no era bastante fuerte y le dijo a Nicholson que besará a otro de los vigilantes. Esto sorprendió al actor que interpreta el segundo guardia en gran medida, y en algunas versiones se le puede ver la atención que le presta Nicholson.

La película fue el debut de Brad Dourif (que recibió una nominación al Oscar como "Mejor Actor de Reparto"), de Christopher Lloyd y de Will Sampson , así como Tom McCall (ex gobernador de Oregon) y el Dr. Dean R. Brooks , director del Hospital Estatal de Oregon en Salem, la ubicación de la película.

Louise Fletcher sólo se dio cuenta de que el papel de la enfermera Ratched fue un papel muy reñida entre las actrices más importantes del momento (Colleen Dewhurst , Shelley Duvall, Geraldine Page , Anne Bancroft , Ellen Burstyn , Lily Tomlin, Jane Fonda y Angela Lansbury), cuando un reportero al visitarla se lo mencionó casualmente. Louise Fletcher estaba tan disgustada con el hecho de que los otros actores podrían reír y ser feliz mientras ella tenía que ser tan fría y sin corazón que cerca del final de la producción se quitó el vestido y se quedó sólo en sus bragas para demostrar a los actores que no era "un monstruo sin corazón".

Durante el rodaje, un miembro de la tripulación la instalación de cables dejó una ventana del segundo piso abierto en el Hospital Mental del Estado de Oregon y un paciente real subió a través de los barrotes y cayó al suelo, hiriéndose a sí mismo.

Will Sampson , quien interpreta a Jefe Bromden, era un guarda parque en Oregon en un parque cerca de donde la película fue filmada. Fue seleccionado para el papel porque él era el único nativo americano del Departamento de Casting podría encontrar que coincidía con un tamaño increíble del personaje.

El co-productor Michael Douglas estuvo explorando diversos lugares de la costa oeste, y eligió el Hospital Estatal de Oregon, porque el superintendente Dean Brooks acordó dar el acceso ilimitado cineastas. Una parte de la emisión de radio original de la NBC del Juego 2 de la Serie Mundial de 1963 se utilizó para la escena en la que los enfermeros están escuchando el partido por la radio.

Cuando la filmación de la secuencia del viaje de pesca fue filmada en Depoe Bay, Oregon - el más pequeño puerto en el mundo -, todo el elenco de actores, excepto Jack Nicholson se mareó. La escena final fue rodada en una sola toma, mientras que la escena de la fiesta tuvo cuatro noches.

En 1993, la película fue considerada "cultural, histórica o estéticamente significativa" por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry. La película fue exhibida en los cines de Suecia entre 1975 y 1987, lo que fue y sigue siendo un récord.

Saul Zaentz productor de la película aparece como un hombre en el bus de salida de los internos. Anjelica Huston hace un pequeño cameo integrando parte de la multitud que espera el regreso de la barca con sus enfermos mentales.

Escrito por recursosghaverroes el 19/02/2012 02:45 | Comentarios (0)

Nebraska

Este martes pasado vi el capítulo 8 de la segunda temporada de The Walking Dead, serie que comencé a ver entre los meses de octubre y noviembre de 2011. Este octavo episodio se titulaba Nebraska. El punto de partida es la masacre provocada por el grupo a los zombies que se encontraban en el granero. Después de la masacre de los caminantes en el granero, incluyendo a la ilocalizable durante la mayor parte de la segunda temporada, Sophie, Hershel quiere al grupo de Rick fuera de su propiedad. Él pide a Rick y su grupo se vayan de inmediato de su rancho. El grupo decide enterrar a algunos de los caminantes incluyendo a Sophie y la madrastra de Maggie y quemar los otros cuerpos. Carol, mientras tanto, queda apesadumbrada tras la muerte de Sophia. Shane acusa a Rick de estar tan loco como Hershel, creyendo que Hershel sabía la presencia de Sophia en el granero durante todo el tiempo y escondiéndola junto al resto de zombies del granero. Hershel, sale de la granja con destino al bar del pueblo con el fin de beber alcohol, actividad que había abandonado hace años. Dale le dice a Andrea que tenga cuidado con Shane, al considerarle peligroso para todos los miembros del grupo. Dale luego tiene una conversación privada con Lori, revelando lo que piensa sobre Shane y compartiendo sus sospechas sobre que la muerte de Otis estuvo en las manos de Shane, pues para salvarse él lo sacrificó disparándole. Le advierte a Lori que Shane quizás termine matando a alguien. La hija más joven de Hershel queda en estado de “shock” dado lo que ha visto en ese día, quedando inconsciente, llevando a Lori a convencer a Daryl que vaya a la ciudad para traer a Rick y a Hershel. Daryl se niega con furia a lo que Lori lo acusa de egoísta - una acusación que él niega fuertemente por haber pasado lo que pasó durante la búsqueda de Sophia. Lori luego se va del grupo para encontrarse con Rick en la ciudad, pero en el camino, choca contra un caminante y se produce un accidente. Su destino actualmente es desconocido. Rick y Glenn encuentran a Hershel en el bar de la ciudad, volviendo a sus hábitos alcohólicos y lamentando sus esperanzas de una cura para su familia. Después de que Rick convence a Hershel que regrese con su familia, entran dos hombres con aspecto siniestro. De los dos hombres, Rick escucha que Fort Benning, su destino principal de que quizás esté lleno de caminantes. Los dos hombres comienzan a convencer a Rick en un intento desesperado para buscar refugio en la granja de Hershel. Rick, sin embargo, se niega. Uno de los hombres saca su arma, pero Rick es más rápido y los asesina a ambos de varios balazos. 

Así comienza la segunda parte de esta segunda temporada de The Walking Dead esta  serie de televisión desarrollada por Frank Darabont y basada en la serie de cómics homónima creada por Robert Kirkman y Tony Moore y que actualmente se publica por la editorial Image Comics.

La serie comenzó con un episodio piloto, de sesenta minutos de duración, y que fue estrenado por la cadena AMC el 31 de octubre de 2010. La segunda temporada se estrenó el 16 de octubre de 2011 en los Estados Unidos, y días más en Latinoamérica y España.

Recordad que The Walking Dead cuenta la historia de un pequeño grupo de supervivientes que viajan a través de Estados Unidos tras un apocalipsis zombi y que van a la búsqueda de un nuevo hogar lejos de los voraces zombis. Después de despertar de un coma en un hospital abandonado, el oficial de policía Rick Grimes se da cuenta de que el mundo que conocía no existe, devastado por una epidemia zombi de proporciones apocalípticas. En los alrededores, en las afueras de Atlanta, un pequeño campamento lucha por sobrevivir mientras que los zombies los acechan a cada momento. El grupo es guiado por Rick Grimes, quien era un oficial de policía en el viejo mundo. Mientras su situación se vuelve más y más sombría, la desesperación del grupo por sobrevivir los obliga a hacer casi cualquier cosa para mantenerse con vida.

La serie cuenta la participación de un elenco de personajes principales y otro variado de secundarios que van cambiando por episodios o temporadas. Siete actores son los que han sido confirmados como los protagonistas principales de la historia. Los cuales son la familia Grimes: conformada por Rick, Lori y Carl. Shane Walsh el líder de la comunidad sobreviviente, Glenn un ex repartidor de pizza, Andrea hermana mayor de Amy y Dale un anciano dueño de la camper en la que viajan los sobrevivientes.

Entre los actores principales están Andrew Lincoln en el papel de Rick Grimes , John Bernthal en el de Shane Walsh, Sarah Wayne Callies  como Lori Grimes , Chandler Riggs (Carl Grimes) , Steven Yeun como Glenn o Norman Reedus como Daryl Dixon.

Igualmente aparecen  varios actores que el desarrollador de la serie, Frank Darabont ha trabajado anteriormente, incluyendo a Laurie Holden (Andrea), Jeffrey DeMunn (Dale Horvath) y Melissa McBride.

La segunda temporada se estrenó en los EE.UU el 16 de octubre de 2011 y tiene 13 episodios. La filmación comenzó en junio de 2011 en el área metropolitana de Atlanta.

AMC renovó The Walking Dead para una tercera temporada el 25 de octubre de 2011 después que el estreno de la segunda temporada rompió récords de calificaciones, según lo anunciado por el presidente de AMC; Charlie Collier, "Estamos agradecidos por la contribución de todos enfrente y detrás de las cámaras mientras continuamos haciendo The Walking Dead una experiencia única en la televisión. Y, estamos tan orgullosos mientras continúa estableciendo récords alrededor del mundo." El 14 de enero de 2012, AMC anunció que la tercera temporada tendrá 16 episodios

El 31 de agosto de 2010, Darabont informó que The Walking Dead tendría una segunda temporada de trece episodios, con la producción que comenzaría en febrero de 2011. Además del rumor de la segunda temporada, de acuerdo con la productora Gale Anne Hurd, todas las temporadas futuras tendrán trece episodios. Darabont, quién escribió y dirigió el comienzo, habló de sus planes en introducir a Michonne tempranamente en la segunda temporada. También le gustaría incluir parte de "los elementos del ambiente" que toman lugar en el Volumen 2 del libro de Kirkman. Esta segunda temporada se grabó en Georgia y en ella se introducen entre otros, el granjero Hershel, su hija Maggie y el capataz Otis, que tendrá un protagonismo fugaz.

Tras haber emitido varios capítulos en primicia de la segunda temporada de la serie en AMC, esta ya ha confirmado la renovación de una tercera temporada. Todo era de esperar tras el gran número de audiencia que ha tenido en la FOX (USA) y, al parecer, en la Sexta (España).

The Walking Dead se estrenó durante la misma semana en 120 países. Como parte de una campaña amplia para el estreno, los canales internacionales AMC y Fox se coordinaron en hacer un evento de "invasión zombie" en todo el mundo el 26 de octubre de 2010.

La maniobra estuvo en 28 ciudades principales, comenzando en Taipéi y terminando en Los Ángeles para el estreno en Estados Unidos, en un período de 24 horas. Además en varios países se hizo una campaña llamada Invasión zombie mundial para promocionar la serie, en la cual personas disfrazadas de zombies, hacían un recorrido por su país.

Escrito por recursosghaverroes el 18/02/2012 13:24 | Comentarios (0)

Abstenerse los que busquen historia

Anastasia es una película que no he visto hasta el día de hoy. Tuvo bastante éxito en su estreno a finales de los 90, pero yo en esa época pasaba muy mucho de la animación. Anastasia es una animación estadounidense de 1997, dirigida por Don Bluth y Gary Goldman. En su producción estuvo detrás la Fox, siendo la primera incursión de esta compañía en el cine de animación. Para ello no dudó en poner en la dirección de la misma a dos de los grandes : Don Bluth y Gary Goldman, que contaban ya con grandes éxitos como Titán, Aventura en el Valle encantado, la Princesa Cisne, etc…

No tengo claro que se esta película se inspire en la producción de 1956 del mismo nombre, de Anatole Litvak y que tiene a Ingrid Bergman como protagonista, pues de ella guardo un borroso recuerdo.

La película de animación fue nominada a dos premios Óscar de 1998 (mejor música para musical o comedia y mejor canción ("Journey to the Past"), y un premio Globo de Oro a la mejor canción ("Journey to the Past" y "Once Upon a December"), además de ganar ocho premios más y tres nominaciones.  Además ganó otros muchos premios como los ASCAP Film and Television Music (1999) donde obtuvo el premio a la mejor interpretación vocal por la canción "At the Beggining" para Lynn Ahrens, David Newman,y Stephen Flaherty. Igualmente obtuvo un Annie  en 1998 a la mejor interpretación vocal masculina para animación (Hank Azaria) y nominaciones a película, dirección, efectos de animación, música, producción, interpretación musical (Angela Lansbury y Meg Ryan por "Anastasia") y guion, todas ellas para una cinta de animación. También obtuvo el blockbuster Entertainment  de 1998 en la que fue ganadora a película animada familiar favorita. Obtuvo el Premio a mejor film familiar en la Broadcast Film Critics Association (1998), el premio a la mejor voz en film de animación (Brian Chavanne) de la Casting Society of America de 1998. Tuvo otras nominaciones a los Satélites de Oro a la mejor película de animación, la mejor banda sonora y canción ("Once Upon"). Igualmente a la mejor edición de sonido y de música y nominación a mejor montaje sonoro para film de animación en la Motion Picture Sound Editors (1998). Por último el Premio Young Artist a la mejor película familiar de animación.

Como en muchas de las películas de la 20th Century Fox, Anastasia tuvo el nombre provisional del "El Tren", posiblemente haciendo referencia a la escena del accidente ferroviario que tienen los protagonistas a su salida de la URSS con destino a París o a la caída de Anastasia del mismo generando su amnesia.

El guión fue obra de Susan Gauthier, Bruce Graham, Bob Tzudiker, Noni White y la producción y distribución recayó sobre la propia 20th Century Fox.

La historia comienza en 1916 en la antigua Rusia Imperial, en la ciudad de San Petersburgo, donde se celebra el tricentenario del reinado de los Romanov. La abuela emperatriz Marie le regala a una pequeña Anastasia de 8 años de edad, una caja de música de la cual sale una pequeña melodía muy especial para ambas. La llave de esta caja tiene un grabado, "Juntas en París".

Rasputín, un monje con peso en la corte rusa y la representación de la maldad, interrumpe la celebración y maldice a la familia Romanov. Al año siguiente, el ejército bolchevique toma el palacio. Un pequeño Dimitri salva a Anastasia y a su abuela, pero antes de escapar del ataque, Rasputín se lo impide. Al salir ambas ilesas, la emperatriz sube al tren rumbo a Francia pero la niña no logra alcanzarlo y se golpea la cabeza con las vías.

Diez años más tarde, Rusia está bajo el gobierno bolchevique. La emperatriz Marie ahora reside en París, y ha ofrecido una recompensa de diez millones de rublos a cualquier persona que encuentre a su nieta. Dos rusos, Dimitri y Vladimir (miembro de la corte) deciden buscar una joven muchacha que se parezca a Anastasia y se haga pasar por ella para conseguir el dinero. Mientras tanto una joven llamada Annya está saliendo de un orfanato. Annya (que es realmente Anastasia) decide buscar fortuna en San Petersburgo acompañado de su perro Pucca  y allí se encuentra en una especie de casting dirigido por Dimitri, pero ella no recuerda nada de lo que pasó antes de sus 8 años de edad. Dimitri al ver su gran parecido la convence de que es Anastasia y se van a París.

Rasputín al enterarse de que Anastasia seguía viva intenta asesinarla una vez en un tren en llamas del que salieron ilesos. Después de eso suben a un barco que los llevará a Paris. La segunda vez apoderándose de ella en sus sueños y haciéndola saltar del barco pero Dimitri que es despertado por Pucca (el perro de Annya), lo impide. El amor entre los jóvenes protagonistas ya había salido a la luz.

Annya y sus compañeros llegan a París. Annya ha estado estudiando mucho sobre su anterior vida e intenta recordar lo máximo posible. Sophie, la prima de la emperatriz Marie, le hace muchas preguntas para ver si ella realmente es Anastasia y al final le pregunta como logro escapar del palacio aquella noche y ella vagamente recuerda a un joven sirviente (Dimitri) que había abierto una puerta de entre las paredes para que ella y su abuela salieran. Dimitri se sorprende ya que nunca habían mencionado nada de eso y se da cuenta de que ella es la verdadera Anastasia

Una noche Dimitri y Annya van a la opera a la han sido invitadas por Sophie. Dimitri intenta hablar con la emperatriz Marie pero ella harta de tantas decepciones decide ya no ver a ninguna "Anastasia" y le dice a Dimitri que el solo quiere su recompensa y para obtenerla quiere engañarla. Anastasia oye esto y se aleja furiosa de Dimitri. Este después se hace pasar por el chofer de la emperatriz y la lleva a donde Anastasia está empacando sus cosas y la convence de verla dándole la caja de música. Ella la ve y está dispuesta a irse cuando Anastasia percibe el olor a hierba buena que emana su abuela y empieza a recordar momentos de su niñez, Marie saca la caja de música que abren con el colgante de Annya y las dos cantan su melodía y la emperatriz Marie se da cuenta de que ella es realmente su querida nieta Anastasia. Esa noche empiezan a recordar momentos de su niñez y viendo fotos de su familia. La abuela le entrega la corona que alguna vez fue de Alejandra, su madre.

La emperatriz quiere recompensar a Dimitri y reconoce que él realmente fue el sirviente que abrió la puerta y le ofrece la recompensa pero este no la acepta y se aleja.

En la noche de la fiesta de la Gran Duquesa perdida, Anastasia es inducida por Rasputín al famoso puente de Alejandro III, donde libra junto con Dimitri que regresa a ayudarla una espectacular batalla contra el monje Rasputín. Al vencerlo, Anastasia se da cuenta de sus verdaderos sentimientos hacia Dimitri, y decide dejar a un lado su regreso como la legitima emperatriz de Rusia, despidiéndose de su abuela en una carta y entregándole de vuelta la corona que alguna vez fue de su madre. Anastasia se fuga con Dimitri y comparten un beso al igual que Bartok lo hace con una nueva compañera.

La banda sonora y canciones son esenciales en una película de animación, de modo que se ha recurrido a los especialistas David Newman, Lyhn Ahrens y Stephen Flaherty la carga sonora de Anastasia. Don Bluth se muestra satisfecho de haber abordado temas como "la búsqueda de tu propia identidad y del hogar y el suspenso de cómo va a ser tu futuro" y de haber creado un fuerte personaje femenino.

La película ha sido criticada por su falta de rigor histórico buscando para algunos una fuerte propaganda anticomunista. Indudablemente presenta muchos anacronismos combinadas con algunas verdades históricas, pero, vamos, es una película de animación no un documental de la BBC. Por ejemplo, es cierto que la Gran Duquesa Anastasia fue una de las hijas del zar Nicolás II de Rusia, que se cree pudo sobrevivir a la masacre de  Ekaterimburgo. Los rumores fueron lanzados por Anna Anderson (Anya). El puente donde Dimitri, Anya y Rasputin se enfrentan es el puente parisino Alexander III, nombrado así después de que el verdadero abuelo de Anastasia Romanov visitara Francia en 1870. El dibujo que sostienen al final de la película Anastasia y su abuela mientras recuerdan (que aparece también al principio cuando se lo da) es un verdadero dibujo que Anastasia realizó para su padre en 1914. El conjuro que Rasputín suelta en la primera fiesta de la película es real. Rasputín, que no vivió durante la revolución rusa,  anunció que la familia Romanov moriría dentro de los 2 próximos años. La muerte de Rasputín durante el prólogo de la película está basado en la verdadera forma en la que murió el monje, tras haber sido envenenado y baleado, lanzan su cuerpo al Río Neva, después de su autopsia, de demuestra que él había muerto ahogado. Como en la película, la abuela de Anastasia ofreció millones como recompensa a quien encontrará a su nieta. También es real que los campesinos vendieron muchas de las pertenecías de los Romanov después de su muerte tal como sale al principio de la película.

Como se especifica en el apartado anterior, Rasputín no participó en la Revolución Rusa, si no fue un monje oscurantista protegido por la familia del Zar, siendo asesinado antes de la Revolución Noviembre de 1917 (segun el calendario occidental) por miembros de la corte, al ser considerado una amenaza, debido a su gran influencia en los monarcas. En la película se ve claramente, como unas fuerzas conjuradas por Rasputín, con forma de monstruos verdes parecidos a murciélagos, son los que ayudan a asaltar el Palacio de Invierno con los bolcheviques, dando a entender que es la maldición de Rasputín lo que motiva a los bolcheviques. Estos mismos monstruos aparecerán en la escena del tren, intentando evitar que Anastasia llegue a ver a su abuela. Son los mismos que aparecen en la lucha en el Puente parisino conocido como el de Alejandro III.

Sobre la historia de Anastasia indicar que la vinculada con la personalidad de Anna Anderson, es la más famosa. Anna se presentaba como la pretendiente a ser la Gran Duquesa, afirmaba que se había hecho pasar por muerta entre los cuerpos de su familia y los criados, y que pudo escapar gracias a la ayuda de un guardia compasivo que la rescató al ver que aún estaba viva. Anderson fue una de las al menos diez mujeres que afirmaban ser Anastasia. Algunas menos conocidas fueron Nadezhda Ivánovna Vasílieva y Eugenia Smith. Dos jóvenes que afirmaban ser Anastasia y su hermana María fueron encontradas por un sacerdote de los Montes Urales, donde vivieron como monjas hasta su muerte en 1964. Fueron enterradas bajo los nombres de Anastasia y María Nikoláyevna.

La posible supervivencia de Anastasia es una de las grandes leyendas del siglo XX. En 1922 los rumores sobre que una de las Grandes Duquesas o, incluso, toda la familia habían sobrevivido propició la aparición en Alemania de una mujer que se hacía llamar Anna Anderson. Fue encontrada a punto de suicidarse en el puente del río Spree en Berlín (Alemania), dos años después de la masacre. Fue internada sin identificar en una institución para enfermos mentales, donde dos años después aseguró ser la Gran Duquesa Anastasia, que había sido declarada muerta en Ekaterimburgo. Siempre hubo confusión en cuanto a la verdadera identidad de Anna Anderson debido a los supuestos conocimientos que tenía sobre Anastasia que, según se decía, solo la verdadera Gran Duquesa podía conocer. Algunos familiares de los Romanov declararon que probablemente Anna era la Gran Duquesa, pero otros nunca estuvieron convencidos. Pero Anna Anderson fue la que creó el mito y convirtió la leyenda de Anastasia en famosa. La batalla por conocer su verdadera identidad se convirtió en el juicio más largo de la historia de Alemania, ya que se inició en 1938 y fue oficialmente cerrado en 1970. El veredicto final estableció que Anna Anderson no pudo aportar suficientes pruebas para demostrar que era la Gran Duquesa. Pero también se estableció que la muerte de Anastasia no se podía confirmar como hecho probado

Estos rumores de supervivencia fueron avivados por varios informes contemporáneos que hablaban de registros en trenes y casas, por parte de soldados y la policía secreta bolchevique, en busca de "Anastasia Románova".

Durante su breve encarcelamiento en Perm en 1918, la princesa Helena Petrovna, mujer de un primo lejano de Anastasia, el Príncipe Ioán Konstantínovich de Rusia explicó que un guardia trajo a su celda a una muchacha llamada Anastasia Románova y le preguntó si aquella muchacha era la hija del zar. Ante la negativa de Yelena Petrovna, el guardia se la volvió a llevar. Hubo más testigos que afirmaron haber visto en Perm a Anastasia, a su madre y a sus hermanas después del asesinato, aunque actualmente se considera que no es más que un rumor sin ninguna evidencia palpable. Un informe que reviste más credibilidad por parte de algunos historiadores, asegura que ocho testigos vieron cómo guardias armados capturaban a una joven que intentaba huir del andén 37 de una estación de ferrocarril al noroeste de Perm, en septiembre de 1918. Los citados testigos fueron Maxim Grigóriev, Tatiana Sítnikova y su hijo Fiódor Sítnikov, Iván Kuklín y Matriona Kukliná, Vasili Riábov, Ustinia Baránkina, y el doctor Pável Utkin, un médico que trató a la muchacha después del incidente. Algunos de estos testigos identificaron a la muchacha como Anastasia cuando les fueron mostradas fotos de la Gran Duquesa por detectives del Ejército Blanco. El doctor Utkin también explicó a los detectives del Ejército Blanco que la muchacha herida, a la que trató en la oficina de la Cheka en Perm, le dijo: "Soy la hija del soberano, Anastasia". Utkin consiguió una receta de una farmacia para un paciente llamado "N", custodiado por la policía secreta. Más tarde, detectives del Ejército Blanco encontrarían registros de esa receta. Durante ese mismo periodo, mediados de 1918, numerosos jóvenes fingieron ser miembros de la familia Románov que habrían escapado a las matanzas. Borís Solósiev, marido de una de las hijas de Rasputín, María, estafó a importantes familias rusas al pedirles dinero para que un falso Románov pudiera huir a China. Solósiev también encontró a numerosas jóvenes dispuestas a hacerse pasar por alguna de las Grandes Duquesas para beneficiarse de las familias que había estafado. Sin embargo, algunas teorías apuntan a que hubo posibilidad de que uno o más guardias pudieran ayudar a algún superviviente. Yákov Yurovski había ordenado a los guardias que se presentaran en su oficina para devolver los objetos robados tras la ejecución. Se apunta a que durante un largo espacio de tiempo los cuerpos permanecieron sin vigilancia en el camión que los transportaría, en el sótano o en los pasillos de la casa. También se apunta a que varios soldados, que no habían participado en la matanza y que habían mostrado cierta empatía hacia las grandes duquesas, pudieron estar en el sótano con los cuerpos.^[

Durante una sesión del juicio celebrado en Alemania, entre 1964 y 1967, para probar la verdadera identidad de Anna Anderson, el sastre vienés Heinrich Kleibenzetl, que vivía y trabajaba frente a la casa Ipátiev, declaró que pudo ver a una malherida Anastasia inmediatamente después de la masacre de Ekaterimburgo, el 17 de julio de 1918. La joven estaba siendo atendida por su casera, Anna Boudin, en una casa situada justo frente a la Casa Ipátiev. Según recogió Peter Kurth, en su libro Anastasia: El misterio de Anna (Anderson), Kleibenzetl declaró haber oído disparos que provenían de la Casa Ipátiev y una de las chicas que gritaba "Mamá", y huyó corriendo de allí. Estuvo una hora y media caminando por el pueblo y al regresar vio cómo su casera llenaba un cubo con agua: "No entres en tu habitación" le dijo, para después decirle "Dios mío, en ti puedo confiar. Es Anastasia, la Gran Duquesa, está en tu habitación. Está herida. Estoy intentando que beba un poco de té". Kleibenzetl le dijo que le ayudaría y subió las escaleras hasta su habitación: "La parte inferior de su cuerpo estaba cubierta de sangre, tenía los ojos cerrados y estaba pálida como una hoja", declaró."Le lavamos la barbilla, Frau Ánushka y yo, y la muchacha gimió. Debía tener los huesos rotos. Y entonces abrió los ojos durante un minuto". La muchacha permaneció en la casa durante tres días, hasta que el mismo Guardia Rojo que la había traído se la volvió a llevar. Kleibenzetl nunca más volvió a saber de ella.

Kleibenzetl solía llevar ropa a la casa Ipátiev y había visto a las grandes duquesas allí, aunque nunca habló con ellas. En su declaración recalcó que la muchacha herida era "una de las mujeres" que había visto paseando por el patio de la casa Ipátiev, pero que no reconoció si era Anastasia u otra persona. Los restos de ADN han desvelado que no existía parentesco entre la real y la posible.

También llegaron noticias desde Bulgaria de la posible supervivencia de Anastasia y de su hermano pequeño Alexis. En 1953 Peter Zamiatkin, presunto miembro de la guardia de la familia imperial rusa, le explicó a un chico de 16 años, que convalecía en el hospital con él, que llevó a Anastasia y a su hermano Alexis a su pueblo natal, cerca de Odesa, siguiendo las órdenes del zar. Después del asesinato del resto de su familia, Zamiatkin habría llevado a los niños en barco desde Odesa hasta Alejandría. Los supuestos "Anastasia" y "Alexis" habrían vivido bajo nombres falsos en la ciudad búlgara de Gabarevo, cerca de Kazanlak. La Anastasia búlgara se hacía llamar Eleonora Albértovna Kruger y murió en 1954.

La película está llena de colorido, de buen gusto, completa en sus detalles tanto para los personajes como para los escenarios reales o imaginarios, Anastasia no decepcionará en lo que se refiere a sus apartados visual y sonoro.

La pel encar ícula contará en su versión original con las voces de grandes actores como son Angela Lansbury, quién parece ser que le cogió gusto a esto de doblar personajes animados ya que antes había doblado a la encantadora tetera en la inolvidable "La bella y la bestia” en el papel de gran Duquesa María, la abuela de Anastasia, la actriz Meg Ryan  que dará voz a Annya/Anastasia así como sus movimientos a la que tuvieron que convencer para doblar finalmente al personaje, a Dimitri le pone voz John Cusack, mientras que al villano Rasputín lo hará Christopher Lloyd. Kirsten Dunst le pone su voz a la versión pequeña de Anastasia.

El filme gira en torno a tres ejes fundamentales como son la búsqueda de la identidad perdida de una jovencita que desea fervientemente reencontrarse con sus raíces, la historia de amor entre Dimitri y Annya y el odio de Rasputín que tratará de impedir la felicidad.

Escrito por recursosghaverroes el 12/02/2012 22:14 | Comentarios (0)

Lágrimas de rana y escorpión

Tirar de los recuerdos puede producir decepciones. A veces, mitificas algo que viste hace mucho tiempo y, en ese momento, pensaste puede que condicionado  por las críticas favorables de la época o por los premios recibidos, que en este caso fueron muchos, que lo visto era una excelencia. El tiempo pone las cosas en su sitio y lo que viste estaba bien, porque te entretuvo y por la manera de plantear en este caso el tema del IRA, pero por poco más. En este caso la película - para mí- es buena, aunque alejada de la excelencia.

Juego de lágrimas es una película irlandesa de 1992 escrita y dirigida por Neil Jordan tras un periplo por los EE.UU. Explora temas de raza, nacionalidad, género y sexualidad, teniendo como trasfondo el conflicto irlandés. Está protagonizada por Stephen Rea, Jaye Davidson y Forest Whitaker. Participan igualmente Miranda Richardson, Adrian Dunbar, Jim Broadbent, Tony Slattery, Birdie Sweeney.

El largometraje se estrenó el 2 de septiembre de 1992 en el Festival de Cine de Venecia. Recibió 6 nominaciones (mejor película - Stephen Wolley-, director, guión original, actor principal- Stephen Rea- , actor de reparto -Jaye Davidson- y montaje- Kant Pan-) en la 65ª entrega de los Premios Óscar, consiguiendo la estatuilla al mejor guion original

La acción tiene lugar en las proximidades de Newry (Irlanda del N.) y en Londres, en 1990/91. El argumento parte del momento en que Fergus (Stephen Rea), un miembro del IRA, toma parte en el secuestro de un soldado británico, Jody (Forest Whitaker). Durante su custodia, entrabla amistad con el prisionero y termina prometiéndole que, en caso de que muera, irá a buscar a su novia y se asegurará de que esté bien. Tras recibir la orden del jefe del comando, Fergus opta por ser el que lo ejecute. Sin embargo, se siente incapaz de matar a alguien con el que ha trabado amistad. Jody huye, pero es atropellado por un comando del ejército británico que acude a la zona para liberarlo. Fergus y dos compañeros del IRA lográn escapar del cerco, optando Fergus por huir a Londres y alejarse del IRA. Igualmente está dispuesto a cumplir su promesa acude a la peluquería donde trabaja Dil, la novia del soldado que además es una cantante ocasional en un pub de transexuales, The Metro.

Allí Fergus, que empieza a llamarse desde ese momento Jimmie o Jimmy, entabla amistad con la misteriosa y sensual Dil, de la que se termina enamorando. Cuando ya está avanzada la relación, Fergus descubre en la intimidad que Dil es en realidad una mujer transexual muy refinada. Entonces Fergus entra en conflicto sobre si dar rienda suelta a sus potentes sentimientos y pasiones humanas; o responder a su naturaleza viril y varonil.

En paralelo van sumándose a la historia sus excompañeros del IRA que se sienten traicionados por Fergus. Este accede a reintegrarse en la organización ante la amenaza de que Dil sea represaliada por el grupo terrorista. Mientras preparan un atentado contra un juez, Fergus, que a pesar de sus dudas y sentimientos contrapuestos hacia Dil, diseña un plan para que éste quede al margen de todo. El plan fracasa al huir del hotel Dil. El atentado se produce y  la terrorista va en busca de Fergus y Dil para asesinarlos.

Dil toma el arma de Fergus y mata a la irlandesa. La imagen final de la película nos muestra a Fergus en prisión ya que ha asumido el asesinato de la irlandesa y Dil de visita en la misma agradeciendo el  que Fergus haya asumido la responsabilidad y la pena de prisión. Acaba la película contándole Fergus a Dil la fábula de la rana y el escorpión.

Se trata de una película independiente, escrita y dirigida por Neil Jordan y distribuida por Miramax. Se rodó en localizaciones de Londres e Irlanda del Norte y en Lee International Film Studios (Shepperton, Inglaterra). Dispuso de un presupuesto de 2 millones de dólares. Obtuvo 17 premios y 16 nominaciones. Ganó el Oscar al mejor guión, el BFFA a la mejor película extranjera, el BAFTA al mejor film británico el llamado Premio Alexander Korda (Stephen Woolley & Neil Jordan), además de otras siete nominaciones , el Golden Laurel a la mejor película, el National Board of Review para el mejor actor novel (Jaye Davidson) o los 2 premios del Círculo de Críticos de Nueva York: Guión, actriz de reparto (Richardson). Estuvo nominada al Globo de Oro a la mejor película dramática y otroas nominaciones como a los Goya. Se estrenó el 25-XI-1992. El productor fue Stephen Woolley.

La película se divide en dos partes. En la primera desarrolla un thriller psicológico, protagonizado por un soldado británico, Jody (Forest Whitaker), secuestrado por el IRA y el encargado de su custodia, Fergus. Las largas horas de espera hacen que nazca entre ambos una singular amistad, propiciada por la compasión de Fergus y la desbordante humanidad de Jody, jugador de cricket, hablador, vitalista, enrolado como voluntario en el Ejército para huir del paro. La confianza que se establece entre ellos se enmarca en una acción terrorista despiadada.

En la segunda parte, Fergus se instala en Londres, adopta el nombre de Jimmy y anda a la busca de la novia de Jody, una bella y delicada muchacha, Dil, que frecuenta un concurrido pub al finalizar su jornada laboral. La relación romántica entre Dil y Jimmy se enfrenta a problemas imprevistos de identidad y orientación sexual, que no impiden el nacimiento de un amor tan humano como sincero, que se afirma sin concesiones y sin límites. Los dos necesitan sentirse aceptados como son (por encima de sus secretos), ser deseados, queridos y amados. La obra explora, con sobriedad e inteligencia, la realidad de un amor humano, honesto y sincero, capaz de superar ideas preconcebidas, barreras mentales y tribulaciones internas.

Es curioso la relación corta e intensa que se establece en el secuestro del militar por el Ejército Republicano Irlandés (IRA), entre ambos a través de diálogos ingeniosos sobre las convicciones, tradiciones y culturas, aunque son un poco superficiales, son agradables y muestran la personalidad de cada uno, la compasión y la condición humana en general.

El Hombre lobo de los 80

Un hombre lobo americano en Londres (1981) -An american werewolf in London en versión original- es una película de la que nunca he conseguido olvidarme. La vi en los primeros años de los ochenta. Me gustó y me encantó el hecho de mezclar el terror (recuerdo que me asustaba el ver al personaje de David postrado en una cama en un bosque y que abra esos ojos y dientes amarillos)  con elementos cómicos. La película está dirigida por John Landis y protagonizada por David Naughton, Griffin Dunne y Jenny Agutter. Esta co-producción británico-estadounidense ganó un Oscar en 1982 al mejor maquillaje llevándoselo Rick Baker.

La productora que financió el filme fue la American Werewolf Inc., mientras que la distribuidora fue la Universal Studios PolyGram Filmed Entertainment. A lo largo del tiempo esta película se ha convertido para muchos un film de culto en el que Landis magistralmente combinó el terror licántropo, la comedia adolescente, la música de Creedence y efectos especiales de Rick Baker.

En el papel técnico destaca la presencia de David Tringham y George Folsey Jr. como ayudante de dirección y  producción respectivamente. El montaje estuvo a cargo de Malcolm Campbell, mientras que la fotografía es de Bob Paynter.

La historia presenta a dos estudiantes universitarios de Nueva York, David Kessler (David Naughton) y Jack Preston (Griffin Dunne), que deciden hacer un recorrido con sus mochilas a cuestas, por Europa recorriendo el viejo continente. En vez de empezar por Italia como hubiese deseado desea Jack , David se ha empecinado por empezar por el norte de Inglaterra. La primera escena en la que aparecen ellos se ve como un transportista los lleva en su camión hasta un pueblo cercano para que busquen un lugar donde pasar la noche, aunque les pide que no se salgan del camino y que no se introduzcan en el páramo. Así llegan al bar El cordero degollado. Una vez adentro notan con curiosidad una estrella de cinco puntas en la pared, pero al preguntar qué función cumple, todos los clientes cesan su conversación y piden a los protagonistas que se vayan.

Cuando se marchan, son advertidos de que han de seguir camino por la carretera, sin adentrarse en los páramos, y además deben cuidarse de la luna llena pero aun así y a su pesar, terminan perdiendo el rumbo. "no os apartéis del camino y no os acerquéis a los páramos", les dicen al igual que insisten con un "cuidado con la luna". Despreocupados marchan por la carretera aunque en un momento se desvían y penetran por el bosque. De pronto escuchan algo como un aullidos y al rato son atacados por una gran sombra con forma animal; Jack muere durante el ataque pero a David logra ser rescatado a tiempo con algunas heridas. Cuando la gente de El cordero degollado logra matar al atacante se muestra lo que parece ser un hombre.

David despierta en un hospital en Londres, donde le informan sobre la muerte de su amigo. Allí está al cuidado de dos enfermeras, una de ellas Alex, y un médico , el doctor Hirsch , a los que le transmite su inquietud ya que empieza a tener extrañas pesadillas sobre sensaciones propias de un animal. Además sueña con el asesinato de su familia por parte de unos seres y por su aparición ante la enfermera como un ser monstruoso durante otro de sus sueños.

Entretanto su compañero fallecido, Jack se aparece ante David como un fantasma con el aspecto de cadáver.

Este le explica que hace tres semanas fueron atacados por un hombre lobo, y que por haber sobrevivido David lo es también ahora. Jack, que ahora es un muerto viviente le pide a David que se suicide para acabar con la maldición del hombre lobo y para evitar que más inocentes se conviertan en eventuales víctimas y que los muertos atacados por el hombre lobo puedan morir en paz.

Luego de abandonar el hospital, David se muda con la enfermera Alex Prince (Jenny Agutter), por quien se siente atraído. David se encuentra allí cuando vuelve a reaparecer un Jack – con peor aspecto-, anunciándole que con la luna llena del día próximo se convertirá, como advirtió Jack, en un hombre lobo.

El protagonista, una vez que sabe lo que le puede suceder, está en casa y se mira al espejo haciendo gestos simulando ser un lobo, divertido, no se cree lo que le han revelado, pero de repente...

Con una transformación dolorosa y espectacular, mientras Alex está en el hospital, se convierte en un brutal hombre lobo. En su nueva forma recorre las calles de Londres y termina asesinando a seis personas (una pareja, un señor en el metro y tres mendigos). Cuando se despierta en la mañana, aparece desnudo en la jaula de los lobos del jardín zoológico, totalmente ignorante de lo qué ocurrió la noche anterior.

Alex, mientras tanto es llamada por el doctor Hirsch que previamente se ha desplazado al pueblo en donde surgió el incidente y ya es conocedor de que David fue atacado por un hombre lobo. En su desplazamiento al hospital el taxista le refiere el brutal asesinato acontecido el día previo en la ciudad, por lo que David se da cuenta de que Jack tenía razón sobre los hombres lobo y de que él es responsable por los asesinatos de la noche pasada.

Tras huir del taxi e intentar ser detenido por la policía con frases como “ La Reina Isabel es un marimacho”, y el “Príncipe Carlos un maricón” o “Shakespeare era francés”, Jack vuelve a aparecer como un fantasma en un cine porno de Picadilly Circus, pero esta vez acompañado por aquellos que fueron víctimas de David, pidiéndole nuevamente que se suicide antes de que vuelva a convertirse en un hombre lobo. David no cumple el pedido y vuelve a transformarse y comienza otra seguidilla de asesinatos.

Esta vez la policía lo persigue y logra arrinconarlo. También llega Alex que trata de calmarlo diciéndole que lo ama. Aunque por un momento se muestra manso, la policía le dispara cuando éste trata de escapar. Mientras muere, recupera su aspecto humano.

John Landis tuvo la idea para la historia mientras trabajaba en Yugoslavia como asistente de producción para la película Los violentos de Kelly. Un miembro yugoslavo de la producción y él se encontraban viajando cuando se cruzaron con un grupo de gitanos. Estos parecían estar realizando un ritual durante el entierro de una persona para evitar que ésta "se levantara de su tumba". Esto hizo que Landis se diera cuenta de que nunca sería capaz de confrontar a un zombi y le dio la idea para una película en la que un hombre de su misma edad pasa por una situación similar.

Landis escribió un primer borrador de An American Werewolf in London en 1969. Dos años más tarde escribió, dirigió y protagonizó su primer película, Schlock, que derivaría en película de culto. Landis adquirió prestigio gracias al éxito de sus películas cómicas The Kentucky Fried Movie, National Lampoon's Animal House y sobre todo The Blues Brothers lo que le permitió conseguir una inversión de 10 millones de dólares para esta película. Los inversores consideraron que el guión cinematográfico que presentó Landis era demasiado terrorífico para ser una comedia y demasiado cómico para ser una película de terror.

Una de las cosas más sorprendentes de la película es la transformación de David en hombre lobo. Aún recuerdo como en un programa de cine del año 82 lo mostraron, cosa que me impresionó. Las diferentes prótesis y partes robóticas usadas durante las escenas de trasformación en hombre lobo y las apariciones del personaje Jack como un cadáver recriminándole a través de unos descacharrantes diálogos el estropicio que ha hecho con ellos (entre aparición y aparición, el desmejoramiento físico de la putrefacción, es cada vez más evidente) impresionaron tanto a la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood que decidió crear el premio Óscar al mejor maquillaje específicamente para la película. Desde la entrega de premios de 1981 ésta se convirtió en una categoría presente todos los años.

En cuanto a los escenarios comentar que las escenas iniciales de los páramos fueron rodadas cerca de Hay Bluff, una montaña que se extiende a lo largo de Welsh Marches en el Parque Nacional de Brecon Beacons. Las escenas fueron hechas en el lado de Welsh de Hay Bluff, aproximadamente cuatro millas al sur del pueblo de Hay-on-Wye, en Powys. La escena donde David y Jack bajan del camión es cerca del círculo de piedra, el mismo lugar donde el Dr Hirsch observa la señal indicando el camino a East Proctor. El mismo camino se usa en la escena donde los protagonistas conversan sobre Debbie Klein. Señalar que East Proctor es un pequeño pueblo diez millas al oeste de Hay Bluff llamado Crickadarn. Se lo puede ver en la escena en que los protagonistas bajan la colina para dirigirse allí. El exterior de La oveja degollada era una casa privada en Crickadarn diseñada para parecer un bar. La estatua del Angel de la muerte que se encuentra en el pueblo fue creada especialmente para la película. La iglesia que se encuentra al lado todavía es frecuentada, aunque los pisos superiores no se han conversado. El interior de La oveja degollada fue rodado en un pub llamado The Black Swan —El cisne negro, en idioma inglés en Effingham, cerca de Leatherhead, Surrey. Se agregó una pared falsa para que el lugar pareciera más pequeño. El apartamento de Alex se encuentra en Coleherne Road, a la salida de Redcliffe Square cerca de Earls Court. El ataque en la estación de metro fue filmada en la estación Tottenham Court Road del metro de Londres. La escena en la jaula de los lobos fue filmada en el Zoológico de Londres y la escena final en el callejón fue filmada en Clink Street, Londres. Hoy el lugar resulta irreconocible debido a las remodelaciones que ha habido en el área.

Todas las canciones en la película hacen alguna forma de referencia a la luna. Una versión lenta de Blue Moon interpretada por Bobby Vinton se puede escuchar durante la presentación y los títulos de crédito. Moondance de Van Morrison se usa cuando Alex y David tienen relaciones sexuales por primera vez. Cuando David está por convertirse en hombre lobo se escucha Bad Moon Rising de Creedence Clearwater Revival. Durante la agonía de la transformación se puede escuchar una versión más cercana a una balada de Blue Moon, interpretada por Sam Cooke y una versión doo wop de la misma interpretada por The Marcels en los créditos del final. Landis no pudo conseguir el permiso para utilizar Moonshadow de Cat Stevens ni de Moonshiner de Bob Dylan; ambos artistas consideraron la película inapropiada para ser asociada a sus canciones. En los comentarios incluidos en la versión en DVD David Naughton y Griffin Dunne comentan que desconocen las razones por las que Landis no pudo obtener permiso para utilizar Werewolves of London de Warren Zevon, una canción que hubiera resultado muy apropiada para la película. La dirección musical del filme es de Elmer Berstein.

En 1997 se estrenó Un hombre lobo americano en París que incluía un reparto de personajes totalmente diferente a su antecesor.

Una adaptación para radio fue transmitida por BBC Radio 1 en 1997, escrita y dirigida por Dirk Maggs. Jenny Agutter, Brian Glover y John Woodvine repetieron sus papeles de la enferma Alex Price, el jugador de ajedrez y ahora también agente de policía de East Proctor George Hackett y el doctor Hirsch respectivamente. Los papeles de David y Jack fueron interpretados por Eric Meyers y William Dufris. El guion de Dirk Maggs incluyó en la historia que algunos de los habitantes de East Proctor son inmigrantes de Europa del este y que trajeron con ellos la licantropía. También se revela que el hombre lobo que ataca a los protagonistas es Hackett, que había escapado de un asilo donde estaba internado bajo el nombre Larry Talbot (que es el mismo nombre del protagonista de The Wolf Man).

He leído, aunque no puedo comprobarlo pues he visto una película en VHS que grabé hace muchos años que si esperan a que finalicen los créditos, que una vez terminada la película, podrán leer que "Lycanthrope Films Limited felicita a Diana Spencer y a Su Alteza Real El príncipe Carlos de Inglaterra por su reciente matrimonio". En definitiva una buena historia de terror digna del director del “Thriller” de Michael Jackson que tanto nos encandiló en los ochenta.

Escrito por recursosghaverroes el 11/02/2012 15:50 | Comentarios (0)

Estigmas

Esta película fue dirigida por Rupert Wainwright en 1999 y producida por Frank Mancuso Jr. y Tom Lazarus. Este último junto con Rick Ramage participó en el guión de la misma. La música está compuesta por Billy Corgan y Elia Cmiral. La buena fotografía está compuesta por Jeffrey Kimball que utiliza muy bien el juego de luces.

Los protagonistas son Patricia Arquette (Frankie Paige) y Gabriel Byrne (Padre Andrew Kiernan), con la compañía de Jonathan Pryce (Cardenal Daniel Houseman ), Thomas Kopache (Padre Durning), Nia Long (Donna Chadway), Rade Serbedzija y Portia de Rossi.

Una joven norteamericana extrovertida y vitalista peluquera, Frankie Paige (Patricia Arquette), comienza a mostrar misteriosos estigmas nada más recibir de Brasil un paquete de su madre con un crucifijo. La presencia de una tórtola en su casa en el inicio de una serie de  ataques paranormales que le hacen sangrar por la cabeza, los pies y las manos que inicialmente sufre en la bañera y más tarde en otros espacios (metro, en un café cerca de un mercado de flores o en la discoteca). En uno de sus momentos de crisis más fuertes, se encuentra por casualidad con un cura y el episodio queda grabado en una cinta. Las preocupantes implicaciones del incidente hacen que el propio Vaticano tome cartas en el asunto y envíe al investigador Andrew Kiernan (Gabriel Byrne), un sacerdote encargado de descifrar milagros y que anteriormente había estado de un pequeño pueblo del Brasil donde brotan lágrimas de sangre de la estatua de una iglesia, un hombre de ciencia más que un hombre de fe, ya que su misión consiste en desmontar falsos milagros y verificar fenómenos a los que no se

encuentra explicación.

Ante la evidencia de que una fuerza poderosa se ha apoderado de Frankie, Kiernan comprende el peligro que corre la muchacha: debe buscar dentro de su alma la forma de salvar su vida, aunque ello implique ir en contra de todas sus creencias.

Parece ser que en su momento hubo cierta polémica con la película ya que sólo es filme que se basa en los misterios de la Iglesia y en las dudas espirituales para confeccionar una historia que mezcle fantasía y realidad. La película llegó precedida por un abucheo generalizado por parte de la crítica y por una gran acogida por parte del público. Una vez más, opiniones divididas ante un género como el de terror, el infravalorado por antonomasia. Vulgar operación comercial para unos, blasfemia para otros, película que atrae a todos aquellos a los que el tema espiritual vinculado con el catolicismo, sus dudas y sus exorcismos que puede resultarles entretenida.

La historia de Wainwright tiene una estética y una trama muy bella en sus inicios pues afortunados son los títulos de crédito que hacen referencias a las escrituras; el peso de la película recae principalmente sobre una convincente Patricia Arquette que consigue transmitir eso sí con muchos aspavientos  y estertores el calvario sufrido en su cuerpo o la voz penetrante de chico – realmente un señor, el sacerdote Alameida que la ha poseído-. Patricia Arquette es capaz de hablar y escribir en arameo antiguo o sufrir las posesiones de un cura fallecido e investigador de las escrituras no reconocidas como el supuesto “Evangelio según San Tomás”, que según el final aparecieron en el Mar Muerto hacia el año 1950 y que no son reconocidos por la Iglesia. Junto a ella un Gabriel Byrne, con acento de Robert de Niro, que ayuda bastante a que Stigmata sea una entretenida aunque intranscendente película. Estos dos son los encargados de llevar el peso sobre sus espaldas de lo que resulta ser un thriller terrorífico, o un terror de intriga. Patricia Arquette y Gabriel Byrne, lucen muy efectivos en unos roles llenos de fuerza dramática y de destape moral denunciando a la institución eclesiástica.

La historia se centra inicialmente en los estigmas: marcas o señales que aparecen repentinamente en el cuerpo de algunas personas - devotas o no -, y que se asemejan a las heridas sufridas por Jesús durante su crucifixión. Esta vez, es una joven peluquera, escéptica y non sancta de Pittsburgh, la que recibe las señales por un hecho aparentemente casual. Y comienza aquí una ardua investigación que llevará, a un sacerdote de mentalidad abierta, a descubrir algunas cosas de verdadero significado y que, por feroces intereses, el sector más reaccionario de la iglesia representado en la película por Houseman se empeña en mantener a oscuras.

Wainwright, recrea imágenes que impactan y algunas secuencias poseen una interesante  brillantez narrativa. La eficiente edición, los efectos sonoros y la electrizante música que acompasa cada secuencia, contribuyen a que se logre un ritmo constante y en crescendo. La historia se sigue así con profundo interés, pues uno siente que, además, se va soltando el largo hilo de una maraña que, durante siglos, se nos ha ocultado herméticamente. Al final apuesta por la estética del videoclip cuando todo estalla en una habitación en llamas y el sacerdote salva en sus brazos a la chica.

Al final, “Stigmata” o “Estigmas” como fue difundida en Latinoamérica, es una película que sacude nuestros pensamientos durante un buen rato. Sin lugar a dudas, Rupert Wainright ha salido al paso con una película valiente aunque inconsistente.

El film plantea una serie de cuestiones que levantan curiosidad: ¿Por qué una chica atea es sufridora de estigmas? cuando el sacerdote comenta que sólo las personas muy devotas son las que están más expuestas a recibir los estigmas. ¿Por qué uno de los curas no reconoce la Iglesia que existe en Belo Horizonte, en la cual una virgen de piedra lloraba lágrimas de sangre humana? ¿Os parece razonable que Houseman, un alto miembro de la Iglesia quiera matar con sus propias manos a una chica inocente alegando que "está poseída por fuerzas malignas"?. ¿Por qué un evangelio es descuartizado, y de cada pedazo se hacen cargo distintos estudiosos? Estas son algunas de las cuestiones que se plantea el film.

En esta ocasión, la historia se centra en el “don” cristiano de sentir en tu propia carne los padecimientos de Jesucristo en su crucifixión, denominado comúnmente como estigmas. Será una joven americana la que protagonice dichos síntomas, que tratará de resolver un joven científico del Vaticano especializado en desmitificar milagros y otros sucesos surrealistas. No es del todo mediocre el argumento, ni siquiera su forma de llevarlo a cabo. Resulta efectista y cuenta con pequeñas muestras que saben conducir al camino de la reflexión. En esta película se habla de una persona apartada y aparentemente nada ligada al mundo cristiano  como víctima inocente, de un cura neonato en estas lides y de otro más profesionalizado que será de vital importancia para resolver el suceso. Un título correcto, en definitiva, que se muestra escaso y demasiado repetitivo aunque a la vez solvente y ligeramente por encima de la media.

Curiosa película, que critica el sistema eclesiástico de manera subyacente y que entretendrá a amantes del género y ocasionalmente al resto de seguidores de las películas de intriga. Con sus defectos y virtudes, consigue ser un buen entretenimiento, que distará del gusto de haberlo visionado, dependiendo de qué posición cultural-religiosa seas. Lo que es seguro es que no te dejará indiferente y si te deja indiferente, mala señal.

Escrito por recursosghaverroes el 06/02/2012 23:19 | Comentarios (0)

El fantasma y la oscuridad

Hace unos años en un puente de noviembre de 2009 marché a Chiclana y estando en la playa leí junto a mi hijo más pequeño una crónica que venía en el diario “El País” que se llamaba “La dieta humana de los leones de Tsavo”.

En ese artículo de Malen Ruiz de Elvira publicado el  02/11/2009 y que reproduzco casi en su integridad se hablaba de los  dos leones comehombres de Tsavo, que mataron a decenas de personas en 1898 en Kenia, y  terminaron sus días disecados en el  Museo Field de Chicago . Más de un siglo después, durante el que fueron protagonistas de libros, películas y exposiciones, y aunque pueda parecer increíble, el análisis de sus dientes y de su pelo ha permitido verificar lo que comieron en las semanas, meses e incluso años anteriores a ser abatidos por el militar británico John H. Patterson. El resultado incluye sorpresas.

El coronel Patterson

¿Por qué estos leones de Tsavo, convirtieron a los hombres en  lo que los ecólogos llaman especialización individual de la dieta algo muy poco común?

Se sabe que los dos leones eran machos y sembraron el terror durante nueve meses entre los trabajadores del ferrocarril que se construía en la zona de Tsavo y los lugareños de la etnia Taita. Actuaban siempre en pareja, en esa zona de altos matorrales con pinchos que impedían a sus víctimas verlos venir. La compañía Ferrocarril de Uganda documentó 28 muertes de sus trabajadores debidas a los leones, y el coronel Patterson elevó la cifra total, incluyendo los agricultores y pastores taita, a 135.

Este militar e ingeniero británico se empeñó en acabar con ellos y al final lo logró. Tendió una trampa en forma de vagón de ferrocarril, que no funcionó, y se apostó en un árbol durante días. El 9 de diciembre de 1898 mató al primer león, un animal enorme, y el 29 de diciembre al segundo.

Patterson posa en Tsavo (Kenia) junto al primero de los dos leones

Como cesaron los ataques inmediatamente, resultó claro que había acertado con las piezas, que terminaron disecadas en Chicago. Algunas de las víctimas, de la etnia taita (los trabajadores del ferrocarril eran en gran parte indios), terminaron también lejos de su hogar. Sus cráneos fueron recogidos en 1929 por el famoso paleoantropólogo Louis Leakey y ahora están en el laboratorio británico Duckworth, especializado en restos de primates.

Éste era el panorama sobre el que han trabajado científicos de varias especialidades de Estados Unidos y el Reino Unido. Han analizado material de los dientes y del pelo de los dos leones y han comparado su composición isotópica en carbono y nitrógeno con material equivalente de leones actuales de la zona y de animales herbívoros que pueden ser presa de los leones, así como con hueso de los antepasados de los taitas.

Han llegado a la conclusión de que los dos leones tuvieron durante gran parte de sus siete u ocho años de existencia una dieta normal, basada sobre todo en animales herbívoros como la cebra y el órix. Mientras que ambos añadieron progresivamente a su dieta animales como la jirafa y el antílope, sólo uno de ellos se especializó en comer humanos, que en las semanas finales de su vida constituían el 30% de su dieta. Así que sólo uno de la pareja era de verdad un león devorador de hombres, aunque posiblemente el otro también ingiriera ocasionalmente restos humanos. Además, los investigadores consiguen una aproximación al número real de víctimas, que es 34.

Existen pruebas de que Tsavo en 1898 sufría diversos tipos de estrés, naturales o causados por el hombre, que habrían hecho escasear las presas naturales del león. Sólo uno de los leones obtuvo ventaja nutritiva de los humanos, seguramente porque somos demasiado pequeños para ser alimento de dos leones, y ése fue el león que era más habilidoso y más valiente, porque somos una presa peligrosa para el cazador.

Yeakel y Nathaniel J. Dominy de la Universidad de California y sus colegas publicaron el resultado de su estudio en la revista PNAS. Subrayan que los dos animales presentaban graves deformaciones craneodentales, lo que pudo influir en que incluyeran en su dieta presas no convencionales, supuestamente más accesibles.

Así que las conclusiones cambian algo el panorama anterior. Los dos leones formaban una pareja no muy usual, ya que lo normal es que un macho forme grupo con cuatro o cinco hembras, que son las que cazan. Seguramente debido a sus defectos físicos no tuvieron acceso a las hembras y no les quedó más remedio que formar pareja para defender un territorio que entonces tenía mucha más vegetación que actualmente. Colaboraban en los ataques, a humanos y a otras presas, pero no comían lo mismo. Atacar humanos era más peligroso, pero no tenían otro remedio, creen los investigadores, ya que no eran buenos depredadores. Si os interesa saber más de la historia real aquí tenéis el enlace a la página Centinela del sendero de Jorge Donato en la que hablan de la historia de Patterson y los leones de Tsavo.

Hasta aquí la realidad. El mito fue creado por el cine. Una película de título original en castellano El fantasma y la oscuridad o en su versión inglesa “The Ghost and the Darkness” , aunque distribuido en España como Los demonios de la noche, o en Argentina como “Garras” es una película que relata una historia verídica acontecida y antes narrada en la región del Tsavo, Kenia, en 1898.

Los demonios de la noche dirigida por Stephen Hopkins y protagonizada por Val Kilmer, Michael Douglas, Tom Wilkinson, Om Puri, Bernard Hill, John Kani y Emily Mortimer. El largometraje (110 min)  relata el ataque de dos leones a los obreros británicos durante la construcción del ferrocarril en el continente africano.

El guión fue obra de William Goldman y la fotografía de Vilmos Zsigmond. La música fue obra de Jerry Goldsmith. La productora fue Paramount Pictures / Constellation Films. Curiosamente obtuvo un oscar por Mejores efectos de sonido, pero también una nominación a los Razzie (Peor actor secundario para Val Kilmer).

Rodada en escenarios africanos como en la Reserva de Songimvelo Game, Mpumalanga, Sudáfrica y en el Parque Nacional de Tsavo en Kenia.

La película se inicia en Londres y transcurre inicialmente en el año 1898. El Teniente Coronel John Henry Patterson (Val Kilmer), ingeniero de puentes, recibe el encargo de parte del magnate del ferrocarril Robert Beaumont (Tom Wilkinson) de construir un puente para el ferrocarril sobre el río Tsavo, en Kenia, por entonces colonia británica, en un plazo de 5 meses. Patterson fue elegido para ésta misión debido a su experiencia adquirida en la India.

Al llegar allí es alertado por el Doctor Hawthorne (Bernard Hill) de que un león, un devorador de hombres, anda rondando por la zona y ha atacado a un obrero, que no recibió heridas graves. Esa misma noche, Patterson, en compañía de su ayudante Angus Starling (Brian McCardie) mata al león de un sólo disparo. Durante unas semanas, las obras transcurren sin incidentes, incluso se van adelantando al plazo de ejecución. Pero desconocen lo que les está acechando en la sabana.

El terror empieza cuando durante varias noches consecutivas algunos obreros aparecen muertos, presuntamente devorados por un león. Tras esto, deciden construir unos cercados de espinos con hogueras para alejar a los leones y establecer un toque de queda por la noche, ya que es cuando los leones atacan. Durante un tiempo, no hay más ataques. Pero un león vuelve a atacar, esta vez a plena luz del día. Cuando Patterson está a punto de matarle, aparece otro león que lo hiere y mata a su ayudante Starling. Tras esto, y aprovechando que su jefe Beaumont va a visitar la obra, Patterson pide el envío de tropas para así proteger a los obreros de los leones. Para entonces, han muerto alrededor de 30 obreros. Sin embargo, al llegar Beaumont, éste niega a Patterson el envío de soldados, ya que eso haría daño a su reputación, y propone enviar a un mítico cazador Charles Remington (Michael Douglas), y amenaza a Patterson con hundir su carrera si no construye el puente a tiempo.

Mientras espera la llegada de Remington, Patterson hace intentos fallidos de cazar a los leones. Los ánimos se caldean. Los obreros empiezan a rebelarse, cuando aparece Remington y se calman los ánimos. Éste, junto con Patterson, realiza diversos intentos de cazar a los leones y todos fallan. El clímax llega cuando los leones atacan el hospital, matando a todos los enfermos y también al médico. Tras esto, los obreros huyen, quedándose solo unos cuantos, Patterson, Remington, y el nativo Samuel.

Patterson y Remington deciden ir en busca de los leones en vez de esperarles. Al llegar a su guarida, ven que no es una guarida de leones normal, ya que está infestada de esqueletos humanos y la mayoría no muestran signos de haber sido devorados, sino asesinados por los leones. Patterson inventa un artilugio que usó en la India para la caza del tigre, que consiste en poner un especie de andamio en un claro. A la noche, uno de los leones salta sobre Patterson para matarlo, Remington le dispara, muriendo el león en el acto.

Patterson, Remington y Samuel lo celebran. Al amanecer, Patterson descubre que el otro león ha matado a Remington. Tras esto, hace arder la sabana para así obligar al león a salir. Cuando el león está apunto de matarle, Patterson le dispara con el rifle de Samuel, acabando así con la pesadilla. La película acaba con el regreso de los obreros, la construcción del puente y el momento en el que John Patterson se encuentra con su esposa Helen (Emily Mortimer) y su primer hijo.

Basada en la historia real ocurrida en Tsavo, Kenia en 1898, a 400 km de Nairobi donde dos leones actuando en conjunto asesinaron y devoraron a más de una treintena de personas; a pesar de que se dice que fueron 135 obreros (el total de atacados y heridos). Los leones asesinos reales come-hombres, eran machos de la variedad sin melena comunes en esa región; pero raros en su especie en el reino animal. Los leones fueron muertos por Patterson, sus cuerpos fueron embalsamados y hoy están expuestos en el museo Museo Field de historia natural de Chicago, Illinois.

Cabe destacar que la película recibió una mala crítica. Se consideró una de los peores trabajos de Michael Douglas, que incluso consideró rechazar el papel en un principio.  Si bien los leones del Tsavo siempre han sido más agresivos que sus demás congéneres, los ataques realizados por ambos leones superan incluso a los acontecidos por otros leones del Tsavo.

No se ha podido dar ninguna explicación sobre el motivo que les impulsó a actuar de esa manera, aunque circula la hipótesis de que al ser machos solitarios simplemente defendían su territorio, aunque aún no se pudo explicar la unión entre dos leones solitarios. Otra hipótesis más científica (y por ende mas aceptable) fue que en la época en la que se construyó el ferrocarril hubo una enfermedad que mató a bastantes cebras y gacelas, alimento natural de los leones, por lo que los leones debían buscar otras formas de alimentarse, incluyendo alimentarse de humanos. También podría haber influido el hecho de que a los obreros que morían de forma natural no se les daba sepultura, o una sepultura fácilmente accesible para los leones, por lo que se animaron a cazar humanos vivos. No obstante, la teoría difundida en el diario “El País” parece verosímil.

El film contiene muchos personajes de ficción tales como el cazador Charles Remington. En este film se usaron leones reales antropizados criados para el cine con crines y no pelados como lo fue en lo real. Los guerreros Massai que aparecen también son genuinos de la zona y brindaron un espectáculo que se aprovechó para una escena del filme.

El film tuvo mala recepción por parte de los críticos, tanto es así que Val Kilmer obtuvo una nominación a los Razzies como el peor actor de reparto. A pesar de todo, la cinta devolvió la suma invertida y tuvo ganancias por US $25.000.000 de utilidad.

Entre los desajustes entre realidad y película señalar que realmente Patterson tardó nueve meses en matar a los dos leones, y lo hizo solo; y en rigor histórica indicar que en aquel momento el Imperio Británico no competía contra franceses y alemanes por el ferrocarril, ya que era exclusivamente territorio británico, reconocido por las demás naciones.

Se trata de un inusual film de aventuras de Hollywood, que se torna más sorprendente y exótico según avanza. Aunque comienza de una forma estática poco prometedora, pronto adquiere velocidad y color. Además cumple con su objetivo y entretiene pues posee todos los ingredientes necesarios para hacer de ella una estupenda película de aventuras: buena banda sonora de Jerry Goldsmith, su atractivo argumento (basado en hechos reales), una esmerada y estupenda fotografía, y unas interpretaciones decentes. Los diálogos son brillantes. No hay tramas secundarias de interés, los personajes están descritos sin grandes matices y se pasa de largo por situaciones, como el conflicto con los trabajadores, que podían haber dado un mayor juego dramático. Con todo esto la película podría haber sido un fiasco considerable. Pero donde Stephen Hopkins acierta es en su lado más puramente salvaje. La presencia de los leones está mostrada de forma inquietante y misteriosa, como si fueran dos fantasmas en la oscuridad. Cada uno de sus ataques resulta verdaderamente brutal, con alguna secuencia tan brillante como la del ataque al hospital. Correctísimo trabajo en la edición del sonido, sobre todo en los momentos en que los leones entran en pantalla. Es fantástico cómo se recrea en lo sonoro los ataques de los felinos.

Probablemente la mejor de película de su director, Stephen Hopkins. Señalar que esta historia ya había sido filmada en 1952, con el título de “Bwana, el diablo de la selva” (Arch Oboler) con desiguales resultados.

Escrito por recursosghaverroes el 05/02/2012 23:14 | Comentarios (0)

Vor

Con el título original en cirílico de Bop (Vor), “El ladrón”, haré el primer comentario aquí de la primera película rusa analizada en este blog. No conozco ni mucho ni bien el cine ruso. Salvo la clásica obra de Serguei Eisenstein, y algunas de las de Nikita Mikhalkov (Ojos Negros, Urga o Quemado por el sol, entre otras) no conozco gran cosa, salvo películas aisladas. Entre ellas guardo en mi recuerdo básicamente el nombre de una, Siberiada, una película que creo que distribuyó en España Sancho Gracia. También para los entendidos, he visto alguna de Tarkosky, o sea de aquello que llaman Arte y Ensayo, de la que no recuerdo nada. Otra de la que guardo recuerdo es una película de un creador para mi desconocido y que llegó a emocionarme, por cuestiones muy personales, con una película que llevaba por título “La madre”. Era de la época soviética al igual que las anteriores, salvo alguna de Mikhalkov.

El ladrón (Vor) la película de la hablo hoy está dirigida por Pavel Chukhrai y protagonizada por Vladímir Mashkov, Misha Filipchuk y Yekaterina Rednikova. El guión también es obra del director Chukhrai. Fue una coproducción ruso-francesa (NTV-Profit, Productions Le Pont, Roissy Films, Comité de Cinematografía de Rusia, Centre National de la Cinématographie, Canal Plus, Igor Tolstunov) del año 1997. Tuvo cierta repercusión en su año al ser nominada además del Oscar a la mejor película extranjera, a los Globos de oro. Obtuvo dos galardones en premios internacionales: el Goya a la mejor película europea y en Venecia consiguió el Premio Internacional del Jurado de la juventud, - aunque aquí obtuvo 4 nominaciones- . Esta galardonada película rusa compitió por el Oscar con la española ‘Secretos del corazón’ y la belga ‘Carácter’.

La música es obra de Vladímir Dashkevich – destacando particularmente las canciones populares que cantan en alguna ocasión Toljan y Sanya, así como el chico-, mientras que la fotografía que tiende hacia colores nebulosos, corresponde a Vladímir Klímov. La edición de la película correspondió a Marina Dobryanskaya Y Natalia Kucherenko. Fue rodada en Yaroslavl, Rusia, y aunque no esté en los créditos ya diría que algunas escenas en el balneario y cercanas al Mar Negro se ruedan en Sebastopol.

La película se inicia en con el parto de Katja en una desolada y fría llanura helada que muestra la soledad absoluta de la chica. Sin embargo, la narración del trío se inicia en otoño de 1952. Sanya, de seis años de edad, y su joven madre Katja, se dirigen en tren a través de la fría y hambrienta Rusia que todavía lucha para recobrarse de la Segunda Guerra Mundial. Como muchos otros en la Europa de postguerra, esta joven viuda y su niño huérfano de padre – Sanya nunca llegó a conocer a su padre, pues muere seis meses después de su nacimiento- se esfuerzan para tener por lo menos una vida aceptable, que para ellos significa buscar abrigo y pan para comer. Un apuesto y joven oficial uniformado llamado Toljan se sube al tren en una de las estaciones, e inmediatamente se siente atraído por Katja (Katya). Tras iniciarse la relación entre Toljan y Katja se bajan en una pequeña localidad donde alquilan, sin presentar él su documentación de soldado, un cuarto en un piso comunal lleno de vecinos. Viven como una familia, Toljan , aparentemente, ama a Katja y le ordena a Sonya que lo llame "papá". El niño no lo puede hacer ya que todo el tiempo permanece pensando en su verdadero padre, al que ve en sus ensoñaciones en repetidas ocasiones a lo largo de la película. A pesar de cierto distanciamiento inicial con el niño, Toljan lo atrae finalmente al contarle a Sanja un “secreto”: le muestra dos tatuajes: uno de un felino, a la espalda, y otro de Stalin. Le dice que el primero es para ganarse el respeto de los demás, pero que el segundo lo tiene por ser hijo secreto del Jefe del Estado Soviético, pero que nadie lo sabe. El niño lo cree todo, más aún cuando le ha enseñado previamente a luchar en la calle contra otros chicos con suma brutalidad.

Cimentada la unión de los tres, Toljan invita a la cena a todos los vecinos y luego los invita al circo. Katja lo sigue de regreso por celos, ya que supone que Toljan anda con una bella vecina. La verdad es más devastadora: Toljan es un vulgar ladrón, cuyo modo de operación es ganarse la confianza de la gente para asaltarla mejor. Katja no tiene nada en el mundo y, a pesar de sus dudas, sigue unida al ladrón.

Se puede objetar que la cinta presenta a una figura femenina que termina dependiendo de un hombre, pero Katja hace lo que hicieron muchas, era preferible vivir con un ladrón que vivir sola, como cuando dio a luz, para ella Toljan en su tabla de salvación, como medida de sobrevivencia ante la situación social de postguerra inmediata.

En la película, el modo de operación de Toljan se repite de nuevo en otra ciudad y con otros inquilinos, pero el ladrón no tiene principios e involucra a Sanja en sus robos y le enseña lo que tiene que hacer para ayudarlo. Esto complica las cosas, porque Sanja se resiste y Katja teme por el porvenir de su hijo. El último robo es fallido y Toljan es arrestado por otra causa por carecer de documentación y oponerse a los militares. En ese momento, Katja y Sanja descubren que Toljan ocupa realmente el rol de padre y esposo e intentan liberarlo incluso comprando la voluntad de los funcionarios soviéticos. Pero nada frena a la administración soviética que condena a 7 años a Toljan a una prisión. El traslado de la prisión a otra es un momento determinante de la película pues además de presentar a Katja desgarrada por su futura soledad, Sanja siente que Toljan es su padre, y corre por la llanura helada tras el convoy de la prisión llamando voz  en grito a su padre. Sanja de nuevo pierde a la figura paterna.

Katja, tras esto busca tiene que abortar pero este desafortunado hecho unido a unas fiebres condenan a la más absoluta soledad a Sanja. Éste huérfano es acogido por un orfanato guardando como única esperanza reencontrarse con su padre, del que guarda su pistola de militar. Casualmente paseando por la misma vía de tren en la que Toljan fue detenido ve a un tipo que le recuerda su figura. Al acercarse lo reconoce, pero un Toljan envejecido ni le recuerda ni a él ni a su madre. La venganza de Sanja no se hace esperar y con la misma pistola que guardó en su recuerdo lo mata. Sanja ya está definitivamente solo en el mundo.

A lo largo de todo el film, Toljan ha mentido a madre e hijo, se ha servido de la necesidad que madre e hijo tienen de compañero y padre para, en el fondo, abusar de ellos en su propio beneficio. Son varios los ejemplos que muestra el guión de la historia donde Toljan impone su voluntad a ambos y los hace cómplices de sus robos. Para colmo, al no tener opción, Katja y Sanja intentan salvarlo. Por lo tanto, el final del film donde se enfrentan Sanja y Toljan y el resultado de la confrontación explica porque esa generación de postguerra se sintió huérfana y defraudada.

Destaca la magnifica narración en sus 96 minutos, un cuidado guión obra del director, como ya hemos señalado, y una fotografía y diseño de decorados impresionantes, así como las actuaciones de Sanja –Sanya- (Misha Filipchuk) que con pocos años de edad hace una actuación memorable, la de Toljan – Tolyan- (Vladímir Mashkov un Clark Gable ruso) o la bella Katja – Katya- (Yekaterina Rednikova).

Paralelamente a la historia de la infancia de Sanya, vamos viendo la Rusia soviética de los años 50, ese “paraíso terrenal" de pobraza y miseria y de falta de libertad. Una escena muy significativa sobre la alienación del pueblo es cuando en una celebración brindan por Stalin.

El cine ruso, es tan parco en películas como repleto de sobriedad, sencillez, talento y seriedad. "El ladrón" es una historia que oscila de la ternura y compasión a lo desconsolado y despiadado de su parte final. Ese ladrón además de un dañino impostor de pocos vuelos para la gente, es particularmente para el chico un ladrón auténtico pues es quien le ha robado a su madre, sus sueños, su infancia, al mismo tiempo que es quien le ha transformado en un ser escéptico – al final ya no sueña con ver a su padre- y de fuerte personalidad. Esto está muy bien explicado (la peculiar relación amor/odio, amistad/compasión del chico hacia el ladrón) pues el guión es muy sólido y la película sobria y lírica, hecha con sentido y sentida, definitivamente agridulce.

La historia relata a la perfección la pérdida de la inocencia de un niño, del niño que hemos sido todos. Una pérdida de inocencia triste pero necesaria para acceder a la edad adulta. Es, además, la película de una generación perdida.

Pavel Chukrai analiza a la generación de postguerra de la Unión Soviética y el retrato no es muy halagador para el régimen stalinista. Es evidente que una película sobre descomposición social no sería aprobada por la burocracia soviética tradicional. Chukrai muestra el tejido social del final del stalinismo en base a una historia familiar: el encuentro con la vida de un niño.
Ante este argumento, realizado en forma realista, con una excelente reconstrucción de época y ambientes, se puede hacer una lectura alegórica del film. Se puede considerar que Katja y Sanja son dos generaciones de rusos que creyeron e incluso estimaron la figura paterna de Stalin. De hecho, esa imagen paternal fue impulsada hasta la nausea por el culto a la personalidad del líder soviético, que él mismo promovió.

En esta línea de interpretación, bajo una apariencia de bondad, el régimen estalinista destruyó la infancia, los valores y la dignidad humana de una generación, como Toljan lo hace con Sanja y con Katja.

En ese sentido alegórico, la cinta podría argumentar que Stalin fue un ladrón con el mismo modo de operación de Toljan: apariencia, bondad, favores y sonrisas a cambio de la complicidad, el robo y la mentira.
Otra vía de interpretación de la película “Ladrón” es ver el retrato psicológico de sus personajes, presentados y manejados en forma melodramática. Este análisis psicológico que hace Chukrai va mostrando los matices de las relaciones entre los tres personajes, y es notorio que madre e hijo son sensibles, por lo que es fácil que Toljan explote su dependencia emotiva para sus propios fines egoístas. Es más, la película analiza las raíces que gestaron sus vidas en crisis, y señala a los culpables: los que fingieron bondad para robar y que lesionaron la dignidad humana de todo un pueblo.

Esta vía psicológica esta reforzada, dentro de la realización del film por las tres excelentes actuaciones que encarnan a los personajes principales. Desde la frágil y ardiente Katja a la que da cuerpo Ekaterina Rednikova, al cinismo y manipulación de Toljan que muestra Vladimir Mashkov, y la presencia de Sanja / Misha Philipchuk que permea toda la cinta y le da una dimensión humana muy especial.

Escrito por recursosghaverroes el 05/02/2012 10:45 | Comentarios (0)

Criaturita

Este verano he leído mucho. Entre mis apuestas literarias han estado muchas novelas históricas, algunas también de mi estimado Mario Puzo. Con todo, una de ellas, no de las mejores según mis gustos ha sido la del escritor irlandés, Robert Nye, titulada “las memorias de Lord Byron”. El libro poco tiene que ver con otra lectura que realicé en mi juventud sobre la vida del autor británico escrito en este caso por el francés Mauriac. Esto viene a colación a los retazos de una de las historias de Byron en Suiza junto con los Shelley. En el libro descubrí que Byron sentía adoración/veneración por Percy Shelley. De la historia en Suiza, intercalada con el periodo veneciano de Byron, destaca    la fantástica historia del lago Ginebra en relación a un personaje más conocido por el cine que por la literatura: Frankenstein.

Se nos narraba intercaladamente como en mayo de 1816 Mary Godwin, Percy Shelley , su hijo y Claire Clairmont, conjuntamente con Lord Byron se encontraban en la ciudad suiza de Ginebra, en donde Mary comenzó a llamarse a sí misma «Sra. Shelley». Byron se instaló en las cercanías del Lago, en concreto en Villa Diodati, al igual que Percy Shelley que alquiló otra villa cercana. Allí  pasaron el tiempo escribiendo, navegando por el lago y conversando hasta altas horas de la noche. De esas conversaciones entre profundas y superficiales surgían algunas en las que se hablaba de Erasmus de que se decía que había animado materia muerta, y de la posibilidad de devolverle la vida a un cadáver o a distintas partes del cuerpo. Sentados alrededor de una fogata en la villa de Byron, el grupo también se entretenía leyendo historias de fantasmas alemanas. Esto llevó a Byron un día a sugerir que cada uno escribiese su propia historia sobrenatural. Poco después, durante un sueño, Mary Godwin concibió la idea de Frankenstein:

 “Vi, con los ojos cerrados pero con una nítida imagen mental, al pálido estudiante de artes impías, de rodillas junto al objeto que había armado. Vi al horrible fantasma de un hombre extendido y que luego, tras la obra de algún motor poderoso, éste cobraba vida, y se ponía de pie con un movimiento tenso y poco natural. Debía ser terrible; dado que sería inmensamente espantoso el efecto de cualquier esfuerzo humano para simular el extraordinario mecanismo del Creador del mundo”.

Comenzó a escribir lo que asumió que sería una historia corta. Con la ayuda de Shelley, amplió el cuento hasta convertirlo en su primera novela, Frankenstein o el Moderno Prometeo, publicada en 1818. De una conversación a un libro, y de allí al cine.

Frankenstein de Mary Shelley (Mary Shelley's Frankenstein, en su título original en inglés) es una película de 1994 dirigida por Kenneth Branagh, y más de dos horas de duración (123 minutos),  protagonizada por Robert De Niro, Tom Hulce, Helena Bonham Carter, y Kenneth Branagh. Es una adaptación de la novela de Mary Shelley Frankenstein o el moderno Prometeo. De ello se desprende la novela más cercana que otras adaptaciones de películas pero que no obstante, difiere de la definición amplia de Mary Shelley de la trama original.

La música recayó en Patrick Doyle no jugando sino un papel acompañante a lo largo de la misma, y en todo caso para encuadrar la dramática historia. Es especialmente relevante durante los ensayos médicos para conseguir a la criatura o cuando el dramatismo se cebe en la familia. La fotografía afortunada con dominio de colores claros fue obra de Roger Pratt. Indicar sospecho que por decisión de Brannag los encuadres son hiperbólicos con imágenes cenitales, rápidos travellings y gusto por primero planos para mostrar la monstruosidad, especialmente impactante la imagen de Elizabeth entre llamas corriendo por el pasillo. Por su parte, el montaje correspondió a Andrew Marcus. A Tim Harvey se le encomendó el diseño de producción, mientras que fue todo un acierto el vestuario, salvo el harapiento abrigo de la “criatura” en manos de James Acheson.

La película es posiblemente una de las más fieles adaptaciones del libro, y uno de los pocos que realmente sigue la trama de la novela y sus caracterizaciones. El guión fue obra de Steph Lady y del creador de “The Walking Dead” Frank Darabont. Entre las desviaciones del libro original esta la creación de la novia monstruo. En el libro, la «criatura» pide a Victor Frankenstein que cree un monstruo mujer para él. Él acepta a regañadientes, pero destruye a la criatura antes de que él le otorgue la vida.

Sin embargo, en la película solo lleva a cabo su plan tras de los asesinatos de Elizabeth y de la niñera a manos del monstruo en su noche de bodas: metiendo su mano en su pecho y arrancando su corazón. Entonces Víctor toma el cuerpo de Justine de vuelta a su laboratorio, donde le otorga la cabeza de Elizabeth. A continuación galvaniza este «nuevo» cuerpo y trae de vuelta a Elizabeth como su novia. Cuando la criatura se da cuenta que la novia no es para él, un enfrentamiento se produce antes de que la novia se destruya a sí misma por la inmolación.

Como sinopsis señalar que la prematura muerte de su madre durante un parto, arranca violentamente a Víctor Frankenstein (Kenneth Branagh) de su idílica vida en Ginebra junto a su familia padre (Ian Holm) y hermana Elizabeth (Helena Bonham Carter) . Desde ese día, la idea de vencer a la muerte será su obsesión y, por ello, decide estudiar medicina en Ingolstadt. Allí conoce al siniestro profesor Waldman(John Cleese), de quien se rumorea que pasó su juventud estudiando la posibilidad de crear un ser humano. Víctor no sólo se interesa por sus experimentos, sino que está dispuesto a llegar hasta el fondo de la cuestión cueste lo que cueste.

He leído que la recaudación de la película fue decepcionante en las salas del cine estadounidenses, con un presupuesto de 45 millones de dólares y 22 millones de dólares en cifras brutas. Sin embargo, la película obtuvo buenos resultados en los mercados extranjeros, ingresando alrededor de 90 millones de dólares. Yo, al menos, reconozco que fui a verla y yo diría que fue en la noche de reyes del año 1995.

Según la página web cinematográfica Rotten Tomatoes, que compila comentarios de una amplia gama de críticos, la película recibió comentarios muy variados. En el momento de su lanzamiento en DVD, los comentaristas parecen perdonar algunas de sus deficiencias o los abundantes movimientos de cámara (travellings, planos secuencia a mansalva, planos cenitales, etc) visibles en secuencias como el prólogo en el Ártico, la conversación entre Frankenstein y la criatura en la caverna de hielo, o la secuencia entera de la criatura en el bosque son verdaderamente notables, y hacen descansar la vista después de tanto movimiento circular de cámara.,.

La producción estuvo en manos de Francis Ford Coppola, de James V. Hart, John Veitch y David Barron teniendo de por medio a la TriStar Pictures. Fue rodada entre los Shepperton Studios en Gran Bretaña, así como en Suiza para rodar los exteriores en los Alpes suizos. La película fue nominada a los Oscar al mejor maquillaje y a los Bafta al mejor montaje. 

Existe una dualidad permanente en el protagonismo de la historia de Frankenstein. Por un lado esta el papel asignado a Víctor, y, por otro, el otorgado a la criatura. Para el cine e monstruo ha sido siempre el verdadero sujeto de la historia de Frankenstein. Sin embargo en la película de  Kenneth Branagh el protagonismo es a la par. Puede que por divismo del director, puede que por el papel encarnado por Robert de Niro.

El "Frankenstein de Mary Shelley", cuenta con todos los accesorios habituales de las películas de Frankenstein: las noches oscuras y tormentosas, la fuerza incontrolable de la criatura, los relámpagos, la brutalidad de la recomposición de las partes del cuerpo para la criatura, el laboratorio donde Víctor Frankenstein despierta en su caldero humeante la vida desaparecida. Pero al igual que Drácula de Coppola la atención está en lo que habitualmente ha pasado desapercibido: el sentimiento de la criatura. Este es el centro de la película, la parte silenciosa y más reflexiva. El eje de esta historia.

En una primera parte de la película se nos presentan a los personajes desde la humanización: el sensible y curioso niño, el encuentro con el dolor – la brutal muerte de la madre.-, la compañera de juegos, hermana, amiga y amada, la amistad durante la formación, las dudas ante lo académico, el deseo de creación. De ahí todo deviene hacia la locura.

La locura es frenesí creativo e investigador. Es ahora en la que Víctor realmente “baile” frente a la cámara con el deseo de ser un nuevo dios. Aquí es donde la película se vuelve frenética con planos cenitales, dorso y cabello. Repudia la amistad  e incluso el amor, su objetivo es crear. Cuando consigue la criatura y la repudia todo se encauza a la reflexión.

Al escapar la Criatura (Robert De Niro) de la ciudad, previo enfrentamiento y muestra pública, todo se encamina a la reflexión. La criatura cruzando un río se lanza al campo para aislarse debido a su propia idea de monstruosidad. Es en este entorno campestre en donde encuentra un paz y casi la felicidad con una pequeña familia. Hace frío, y él se refugia en el granero, alimentándose de lo que le dan a los cerdos, y mirando con emoción a través de la ventana a la pacífica escena alrededor del hogar. En la noche se prepara la leña para sus anfitriones inconscientes. La familia poco a poco se da cuenta de que algún tipo de espíritu del bosque protege a la familia y le entrega su amistad - y el abuelo, que es ciego- , en realidad invita a la criatura en la que sentarse junto al fuego. Esta criatura, más que la de cualquiera de las películas anteriores, es muy consciente de su apariencia como un horrible monstruo. También sabe más acerca de sus orígenes. Él lee el diario original de Frankenstein, y se entera de cómo se construye a partir de partes de cadáveres. Todo el tema de la película de Branagh se concentra aquí: Ha creado ¿un monstruo de Frankenstein o un hombre?

Estas son las cuestiones que la criatura plantea a su creador en su entrevista en la cueva de hielo. Y en ella la pregunta clave de la criatura al creador :  "¿Alguna vez considerar las consecuencias de sus acciones?" Y su soledad es palpable: "Por la simpatía de un ser vivo, yo haría la paz con todos".

Esta cuestión forma parte de la dimensión caótica que supone el regreso de Víctor a su casa y el estallido de violencia coincidente con el anuncio de la boda: muerte del hermano de Víctor, linchamiento por error de Justine – la hija de su nodriza- por cierto, conocida de That´s English - , reencuentro entre creador y criatura, entrevista en la cueva y ultimátum, venganza de la criatura con el asesinato brutal de Elizabeth, la locura del doctor y la muerte definitiva de Elizabeth-. Triunfo del caos absoluto.

La película se encuentra entre corchetes, con un prólogo y un epílogo puede que innecesario – o no-. Está tomado de la obra original de Shelley. La película se inicia cuando el barco “noviembre” encalla en el hielo durante una expedición ártica. Es aquí el momento en que aparecen por primera vez Frankenstein y su monstruo. El primero persigue al segundo por estas heladas tierras con el fin de acabar con algo casi inmortal y poderoso. Es de suponer que este material está allí para permitir que el capitán y explorador testarudo (Aidan Quinn) pueda aprender de Frankenstein de los peligros de caer sólo contemplando la voluntad de uno. Al final, la muerte de Víctor y su entierro suponen el final de ambos, creador y criatura, pero reflexión moral para el capitán que desiste en su locura de llegar, al precio que sea al polo norte.

He leído que Branagh se inspira en otras películas en algunas de sus imágenes como ocurren en el beso entre Elizabeth y Victor tras recuperarse este último una vez realizada la primera creación (los giros de cámara alrededor de ellos como un homenaje a "Vértigo") o el uso de los relámpagos para coincidir con el nacimiento de sus criaturas o la muerte de su propia madre inspirada en la película de 1935 "La novia de Frankenstein".

Escrito por recursosghaverroes el 04/02/2012 19:24 | Comentarios (0)