Para que no me olvide

Nicholson voló sobre el cine

De este VHS me quedaba únicamente por ver “Alguien voló sobre el nido del cuco”. Curiosamente ha sido hoy el día que el diario “El mundo” publicaba un artículo sobre el 80 aniversario de su director Milos Forman. Las otras películas que lo componían ya han sido comentadas.

One Flew Over the Cuckoo's Nest es una película estadounidense de 1975 basada en la novela homónima de Ken Kesey  que tuvo esta experiencia en un psiquiátrico mientras trabajaba en el Hospital de la Administración de Veteranos en Palo Alto, California.. Dirigida por el director checo Miloš Forman. El guión cinematográfico fue obra de Bo Goldman y Lawrence Hauben. Protagonizada por Jack Nicholson (Randle Patrick McMurphy) y Louise Fletcher (Enfermera Mildred Ratched) en los papeles principales, y secundados por otros actores de lujo como Danny DeVito (Martini) , Christopher Lloyd (Max Taber) , Brad Dourif (Billy Bibbit) y Will Sampson ("Jefe" Bromden) en los papeles principales, así como otros magníficos actores como William Redfield (Hardy), Vincent Schiavelli (Frederickson) o William Duell (Jim Sefelt)…

En la producción estuvieron presentes Michael Douglas y Saul Zaentz para la productora Fantasy Films, aunque la distribución recayó en United Artists. La música repetitiva al inicio y al final es obra de Jack Nitzsche basándose en la estructura de acordes de la canción "Please Release Me". La fotografía estuvo en manos de Haskell Wexler y Bill Butler, quien sustituirá al primero debido a diversas diferencias creativas con el productor Michael Douglas . El montaje fue obra de Sheldon Kahn y Lynzee Klingman.

Ganadora de numerosos premios internacionales. One Flew Over the Cuckoo's Nest fue la primera película en 41 años en ganar las máximas categorías (película, director, actor, actriz y guion).segunda película en obtener los cinco principales premios de la Academia: Óscar a la mejor película, Óscar al mejor director, Óscar al mejor actor, Óscar a la mejor actriz, y el Óscar al mejor guión adaptado, hazaña que ya había sido lograda por It Happened One Night en 1934 y que luego fue lograda en 1991 por The Silence of the Lambs. Obtuvo además otras 4 nominaciones : mejor actor de reparto (Brad Dourif), al mejor montaje (Lynzee Klingman, Richard Chew y Sheldon Kahn), a la fotografía y banda sonora con los maestros antes señalados. Además obtuvo la pel´ñicula otros premios como el Globo de Oro a la mejor película dramática, el BAFTA a la mejor película y Premios David di Donatello: Mejor director y actor extranjero (Jack Nicholson).

En los 133 minutos de este drama, Randle Patrick McMurphy (Jack Nicholson) ha cometido un delito por el que debería ir a prisión. Consigue en cambio que le envíen a un centro psiquiátrico. Allí se hace pasar por enfermo mental y logra que le ingresen en un departamento de cuidados especiales. Tratando de pasar el rato de la forma más agradable posible, organiza con sus compañeros, juegos y toda clase de diversiones, hasta el extremo de que infringe las normas de disciplina, situación que la enfermera jefe Mildred Ratched (Louise Fletcher) no está dispuesta a tolerar. Comienza entonces una lucha de voluntades entre McMurphy y Ratched.

La trama de la película se centra en un personaje que es acusado por cinco casos de estupro y, por consiguiente, debe entrar en prisión por ello, pero debido a su aparente desequilibrio mental es trasladado al hospital psiquiátrico del estado para ser examinado. Este personaje llamado R.P. McMurphy, en realidad, no presenta ningún tipo de problema psiquiátrico sólo intenta eludir el ingreso en prisión. De ahí partirá la historia que prosigue con el internado obligatorio de McMurphy por ser considerado peligroso para la sociedad.

En el transcurso de su estancia en el hospital psiquiátrico será protagonista de numerosos episodios de descontrol entre los enfermos e incluso de huidas, suya y del resto de los pacientes, interrumpiendo la sosegada y cuadriculada vida de los enfermos.

La enfermera principal del centro psiquiátrico, la señorita Ratched, es un ser totalmente estricto, ordenado, serio y autoritario. Ello se hace evidente en sus apariciones, siempre soberbias y pulcras, sin expresividad en su rostro, no se altera ante ningún hecho, es fuertemente represiva y poco compasiva. Siempre que no viste su uniforme lo hace de riguroso negro.

En la película, se administra a todos los pacientes una cantidad considerable de medicación, además, si alguno se niega, se hace por la fuerza. Por lo que los pacientes consideran a la medicación como sagrada, adoctrinan lo que deben de tomar como si ello les fuese a salvar el alma. Si alguno de ellos se sale del orden establecido, se les castiga con descargas eléctricas (electro-shock), o incluso se les practica una lobotomía (como a McMurphy tras atacar a la enfermera Ratched).

El ambiente del psiquiátrico es totalmente estricto, monótono y cuadriculado. Siempre hacen lo mismo, y en la única medida que pueden alumbrar algo de terapia psicológica, es cuando se sientan en círculo con la enfermera Ratched para dialogar sobre lo que sienten o lo que piensan. Aunque este hecho queda empañado por la enorme rigidez y represión que presenta esta particular enfermera. Por todo ello, es causa de desagrado de McMurphy, pues él desea hacer lo que le plazca y no se deja controlar, pero aun así, incluso McMurphy, se dirige hacia ella de forma respetuosa y educada (como se puede observar en la escena en la que McMurphy desea ver los campeonatos de béisbol).

Otra escena que refleja la fuerte represión que produce la enfermera Ratched, es el momento en el que ésta dice que para ver los partidos de liga de béisbol, se ha de contar con el voto de todos los compañeros. En este momento McMurphy, piensa que contará con sus votos, pero éstos se muestran sumisos a los deseos de la enfermera Ratched.

Destaca también la forma inquisitoria que adopta la enfermera Ratched al formular sus preguntas. Llega hasta tal punto de represión, que Billy es capaz de suicidarse por temor a las represalias de su madre cuando es encontrado en la cama con una chica. El caso de Billy es un claro ejemplo de la extrema represión, no sólo en el hospital psiquiátrico sino también, en su propia familia, lo cual puede ser el origen de su tartamudez. Hecho que queda implícito en la escena en la que Billy deja de tartamudear cuando está con la chica o cuando se enfrenta a la enfermera Ratched.

Otra escena represora significativa, es el momento en el que la enfermera Ratched le dedica una sonrisa a McMurphy, por lo que se denota cierta atracción hacia él, pero claro, sería totalmente imposible, por lo que se muestra una imagen de la gran represora como la gran reprimida. Incluso tras el suicidio de Billy, ella trata de volver al orden, como si no hubiese ocurrido nada, volviendo a las actividades diarias.

Se puede mencionar además que el orden del hospital psiquiátrico aparece como un negador de la chispa de la vida, de la libertad, coartando toda espontaneidad. A pesar de ello, y aquí viene lo más sorprendente, la mayoría de los pacientes se encuentran allí por su propia voluntad, pues son personas que temen a la realidad social, que no se encuentran integradas en ella, autoexcluidas, apartadas y sin el valor suficiente para enfrentar la terrible sociedad en la que vivimos.

Por ello, no escapan cuando McMurphy se lo ofrece. Billy le responde que no es capaz de hacerlo. O el caso de Chief Bromden o Gran Jefe (como lo llama McMurphy), no es realmente sordomudo, sino que finge serlo para evadirse así de la realidad. Él mismo hace una alusión a la marginación que sufría su propio padre, lo que llevó a éste a la bebida, y ésta a la muerte: “no es él quien bebe de la botella, sino la botella quien se lo bebía a él".

Además debemos de resaltar la obra de amor que realiza Gran Jefe cuando decide escaparse con McMurphy, pero decide quitarle la vida a su compañero con el fin de que no padeciera tras haber sufrido una lobotomía. Finalmente este personaje se arma de valor, se llena de vida y escapa como si volara por la ventana hacia la libertad.

El título de la novela viene de una rima popular los niños americanos. que recuerda el Jefe Bromden en su estancia en el manicomio. Su abuela decía: "Uno voló hacia el este, uno voló hacia el oeste, y uno voló sobre el nido del cuco".

Sin duda estamos ante una de las mejores películas de la historia del cine, pero sobre todo de la historia de la interpretación. El personaje principal McMurphy (Jack Nicholson), hace una interpretación realmente magistral de la vida en el centro psiquiátrico, y a lo largo de la película se lleva todo el peso emocional e interpretativo con su habitual gesticulación, que le da incluso más que de normal, un punto de genialidad a su actuación, y es ahí donde reside la grandeza de esta película, en que llegas a creer realmente que lo que sucede en el centro psiquiátrico escenario dela película puede ocurrir en la realidad.

Y esta grandeza y realismo no viene sólo por Nicholson, sino por Louise Fletcher, cuya interpretación dictatorial e impositiva hace que la odies por su poca humanidad. Además, los secundarios, en este caso, los locos del manicomio, hacen un gran trabajo, cada uno con su diferente característica de locura, pero juntándolos a todos junto con los dos protagonistas, nos embarcan en una historia magnífica, que reside tanto en la gran actuación de los actores, como en una historia que resulta totalmente creíble.

En ella se nos cuenta la estancia en un manicomio de Randle Patrick Mc Murphy (Jack Nicholson), un vividor acostumbrado a constantes temporadas en prisión y que tras su último encuentro con la justicia decide hacerse pasar por perturbado y ser ingresado para evitar los trabajos forzados de la prisión, pues “un agradable hospital psiquiátrico es preferible a una temporada en la cárcel”.

Sin embargo descubre una realidad muy diferente al comprobar que los internos, aún estando bien cuidados, se encuentran sometidos a la férrea disciplina de la enfermera jefe. La señorita Ratched (Louise Fletcher), bajo una máscara de dulzura y comprensión dirige el lugar con mano de hierro, controlando a trabajadores y especialmente a internos, a quienes somete cruelmente dentro de unas normas que no son sino la extensión del rechazo de ese mundo exterior que los olvida por su incapacidad para adaptarse.
Pronto Mc. Murphy se convertirá en la voz de los encerrados, atacando con su rebeldía un orden tan rígido que había logrado que ni siquiera se escuchase una risa auténtica en el lugar. Pero enfrentarse al poder establecido cuando tu libertad y tu vida están en sus manos, pueden acarrear graves consecuencias. De todas maneras hay un estudio filosófico sobre la película que aparece en este enlace.

La película tuvo un presupuesto de 4,4 millones de dólares, pero recaudó 112 millones sólo en los EE.UU. Jack Nicholson solicitó un porcentaje de las ganancias en lugar de un pequeño salario para una película de bajo presupuesto. La medida dio sus frutos cuando la película llegó a recaudar de más de $ 120 millones de dólares.

Kirk Douglas poseía los derechos de la película durante mucho tiempo, antes de que su hijo Michael Douglas finalmente comenzara el proyecto. Kirk Douglas protagonizó en 1963 la producción de Broadway después de comprar los derechos de la película antes de su publicación, que más tarde pasó a los derechos cinematográficos de su hijo Michael Douglas , pero mantuvo un porcentaje de las ganancias. Todos los grandes estudios se había negado a hacer la película durante el período ya que el quería interpretar el papel principal.  Tras asumir Kirk que era demasiado mayor para el papel principal, se reunió con Milos Forman en Praga durante una gira del Departamento de Estado y le prometió que le enviara el libro después de decidir que iba a ser un buen director para la película, el libro nunca llegó, probablemente, confiscado por los censores del gobierno checo, que era comunista en el tiempo. Ken Kesey escribió un guión para la producción, pero Forman la rechazó porque Kesey insistió en mantener en primera persona la narración del Jefe Bromden .

Milos Forman pensó inicialmente para el papel protagonista a James Caan, a Marlon Brando y a Gene Hackman , pero se decantó por Nicholson. Muchos extras eran auténticos enfermos mentales. El elenco y el equipo tuvo que acostumbrarse a trabajar con los extras y el apoyo a los sanitarios que se encontraban recluidos en el Hospital Mental del Estado de Oregon, cada miembro del elenco y el equipo profesional, inevitablemente, trabajó en estrecha colaboración con al menos dos o tres enfermos mentales.

La escena de Jack Nicholson con el Doctor Brooks, el director del Psiquiátrico se basó en gran medida en la improvisación – incluyendo las preguntas acerca de la foto de pesca, el peso del salmón o el de la cadena y hablando de su condena por violación, las reacciones de Brooks eran auténticas ante la declaración del actor.

El papel del capitán será interpretada por Mel Lambert , que era realmente un hombre de negocios local en lugar de un actor profesional, que tenía una fuerte relación con los nativos americanos en toda la zona, y fue él quien sugirió Will Sampson para el papel de Jefe Bromden. El director Milos Forman intentó sacar para la película las reacciones de los personajes en diversas escenas. En algunas escenas de terapia de grupo, hubo hasta diez minutos de reascciones grabadas sobre Jack Nicholson aunque este tuviera muy poco diálogo. La imagen de Louise Fletcher buscando fríamente a Nicholson después de regresar de una terapia de choque era en realidad su reacción irritada de la grabación de Forman.

El guión decía que McMurphy debía besar aun guardia nada más llegar al hospital. Durante el rodaje, el director Milos Forman decidió que la reacción de la guardia ante el beso no era bastante fuerte y le dijo a Nicholson que besará a otro de los vigilantes. Esto sorprendió al actor que interpreta el segundo guardia en gran medida, y en algunas versiones se le puede ver la atención que le presta Nicholson.

La película fue el debut de Brad Dourif (que recibió una nominación al Oscar como "Mejor Actor de Reparto"), de Christopher Lloyd y de Will Sampson , así como Tom McCall (ex gobernador de Oregon) y el Dr. Dean R. Brooks , director del Hospital Estatal de Oregon en Salem, la ubicación de la película.

Louise Fletcher sólo se dio cuenta de que el papel de la enfermera Ratched fue un papel muy reñida entre las actrices más importantes del momento (Colleen Dewhurst , Shelley Duvall, Geraldine Page , Anne Bancroft , Ellen Burstyn , Lily Tomlin, Jane Fonda y Angela Lansbury), cuando un reportero al visitarla se lo mencionó casualmente. Louise Fletcher estaba tan disgustada con el hecho de que los otros actores podrían reír y ser feliz mientras ella tenía que ser tan fría y sin corazón que cerca del final de la producción se quitó el vestido y se quedó sólo en sus bragas para demostrar a los actores que no era "un monstruo sin corazón".

Durante el rodaje, un miembro de la tripulación la instalación de cables dejó una ventana del segundo piso abierto en el Hospital Mental del Estado de Oregon y un paciente real subió a través de los barrotes y cayó al suelo, hiriéndose a sí mismo.

Will Sampson , quien interpreta a Jefe Bromden, era un guarda parque en Oregon en un parque cerca de donde la película fue filmada. Fue seleccionado para el papel porque él era el único nativo americano del Departamento de Casting podría encontrar que coincidía con un tamaño increíble del personaje.

El co-productor Michael Douglas estuvo explorando diversos lugares de la costa oeste, y eligió el Hospital Estatal de Oregon, porque el superintendente Dean Brooks acordó dar el acceso ilimitado cineastas. Una parte de la emisión de radio original de la NBC del Juego 2 de la Serie Mundial de 1963 se utilizó para la escena en la que los enfermeros están escuchando el partido por la radio.

Cuando la filmación de la secuencia del viaje de pesca fue filmada en Depoe Bay, Oregon - el más pequeño puerto en el mundo -, todo el elenco de actores, excepto Jack Nicholson se mareó. La escena final fue rodada en una sola toma, mientras que la escena de la fiesta tuvo cuatro noches.

En 1993, la película fue considerada "cultural, histórica o estéticamente significativa" por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry. La película fue exhibida en los cines de Suecia entre 1975 y 1987, lo que fue y sigue siendo un récord.

Saul Zaentz productor de la película aparece como un hombre en el bus de salida de los internos. Anjelica Huston hace un pequeño cameo integrando parte de la multitud que espera el regreso de la barca con sus enfermos mentales.

Escrito por recursosghaverroes el 19/02/2012 02:45 | Comentarios (0)

Nebraska

Este martes pasado vi el capítulo 8 de la segunda temporada de The Walking Dead, serie que comencé a ver entre los meses de octubre y noviembre de 2011. Este octavo episodio se titulaba Nebraska. El punto de partida es la masacre provocada por el grupo a los zombies que se encontraban en el granero. Después de la masacre de los caminantes en el granero, incluyendo a la ilocalizable durante la mayor parte de la segunda temporada, Sophie, Hershel quiere al grupo de Rick fuera de su propiedad. Él pide a Rick y su grupo se vayan de inmediato de su rancho. El grupo decide enterrar a algunos de los caminantes incluyendo a Sophie y la madrastra de Maggie y quemar los otros cuerpos. Carol, mientras tanto, queda apesadumbrada tras la muerte de Sophia. Shane acusa a Rick de estar tan loco como Hershel, creyendo que Hershel sabía la presencia de Sophia en el granero durante todo el tiempo y escondiéndola junto al resto de zombies del granero. Hershel, sale de la granja con destino al bar del pueblo con el fin de beber alcohol, actividad que había abandonado hace años. Dale le dice a Andrea que tenga cuidado con Shane, al considerarle peligroso para todos los miembros del grupo. Dale luego tiene una conversación privada con Lori, revelando lo que piensa sobre Shane y compartiendo sus sospechas sobre que la muerte de Otis estuvo en las manos de Shane, pues para salvarse él lo sacrificó disparándole. Le advierte a Lori que Shane quizás termine matando a alguien. La hija más joven de Hershel queda en estado de “shock” dado lo que ha visto en ese día, quedando inconsciente, llevando a Lori a convencer a Daryl que vaya a la ciudad para traer a Rick y a Hershel. Daryl se niega con furia a lo que Lori lo acusa de egoísta - una acusación que él niega fuertemente por haber pasado lo que pasó durante la búsqueda de Sophia. Lori luego se va del grupo para encontrarse con Rick en la ciudad, pero en el camino, choca contra un caminante y se produce un accidente. Su destino actualmente es desconocido. Rick y Glenn encuentran a Hershel en el bar de la ciudad, volviendo a sus hábitos alcohólicos y lamentando sus esperanzas de una cura para su familia. Después de que Rick convence a Hershel que regrese con su familia, entran dos hombres con aspecto siniestro. De los dos hombres, Rick escucha que Fort Benning, su destino principal de que quizás esté lleno de caminantes. Los dos hombres comienzan a convencer a Rick en un intento desesperado para buscar refugio en la granja de Hershel. Rick, sin embargo, se niega. Uno de los hombres saca su arma, pero Rick es más rápido y los asesina a ambos de varios balazos. 

Así comienza la segunda parte de esta segunda temporada de The Walking Dead esta  serie de televisión desarrollada por Frank Darabont y basada en la serie de cómics homónima creada por Robert Kirkman y Tony Moore y que actualmente se publica por la editorial Image Comics.

La serie comenzó con un episodio piloto, de sesenta minutos de duración, y que fue estrenado por la cadena AMC el 31 de octubre de 2010. La segunda temporada se estrenó el 16 de octubre de 2011 en los Estados Unidos, y días más en Latinoamérica y España.

Recordad que The Walking Dead cuenta la historia de un pequeño grupo de supervivientes que viajan a través de Estados Unidos tras un apocalipsis zombi y que van a la búsqueda de un nuevo hogar lejos de los voraces zombis. Después de despertar de un coma en un hospital abandonado, el oficial de policía Rick Grimes se da cuenta de que el mundo que conocía no existe, devastado por una epidemia zombi de proporciones apocalípticas. En los alrededores, en las afueras de Atlanta, un pequeño campamento lucha por sobrevivir mientras que los zombies los acechan a cada momento. El grupo es guiado por Rick Grimes, quien era un oficial de policía en el viejo mundo. Mientras su situación se vuelve más y más sombría, la desesperación del grupo por sobrevivir los obliga a hacer casi cualquier cosa para mantenerse con vida.

La serie cuenta la participación de un elenco de personajes principales y otro variado de secundarios que van cambiando por episodios o temporadas. Siete actores son los que han sido confirmados como los protagonistas principales de la historia. Los cuales son la familia Grimes: conformada por Rick, Lori y Carl. Shane Walsh el líder de la comunidad sobreviviente, Glenn un ex repartidor de pizza, Andrea hermana mayor de Amy y Dale un anciano dueño de la camper en la que viajan los sobrevivientes.

Entre los actores principales están Andrew Lincoln en el papel de Rick Grimes , John Bernthal en el de Shane Walsh, Sarah Wayne Callies  como Lori Grimes , Chandler Riggs (Carl Grimes) , Steven Yeun como Glenn o Norman Reedus como Daryl Dixon.

Igualmente aparecen  varios actores que el desarrollador de la serie, Frank Darabont ha trabajado anteriormente, incluyendo a Laurie Holden (Andrea), Jeffrey DeMunn (Dale Horvath) y Melissa McBride.

La segunda temporada se estrenó en los EE.UU el 16 de octubre de 2011 y tiene 13 episodios. La filmación comenzó en junio de 2011 en el área metropolitana de Atlanta.

AMC renovó The Walking Dead para una tercera temporada el 25 de octubre de 2011 después que el estreno de la segunda temporada rompió récords de calificaciones, según lo anunciado por el presidente de AMC; Charlie Collier, "Estamos agradecidos por la contribución de todos enfrente y detrás de las cámaras mientras continuamos haciendo The Walking Dead una experiencia única en la televisión. Y, estamos tan orgullosos mientras continúa estableciendo récords alrededor del mundo." El 14 de enero de 2012, AMC anunció que la tercera temporada tendrá 16 episodios

El 31 de agosto de 2010, Darabont informó que The Walking Dead tendría una segunda temporada de trece episodios, con la producción que comenzaría en febrero de 2011. Además del rumor de la segunda temporada, de acuerdo con la productora Gale Anne Hurd, todas las temporadas futuras tendrán trece episodios. Darabont, quién escribió y dirigió el comienzo, habló de sus planes en introducir a Michonne tempranamente en la segunda temporada. También le gustaría incluir parte de "los elementos del ambiente" que toman lugar en el Volumen 2 del libro de Kirkman. Esta segunda temporada se grabó en Georgia y en ella se introducen entre otros, el granjero Hershel, su hija Maggie y el capataz Otis, que tendrá un protagonismo fugaz.

Tras haber emitido varios capítulos en primicia de la segunda temporada de la serie en AMC, esta ya ha confirmado la renovación de una tercera temporada. Todo era de esperar tras el gran número de audiencia que ha tenido en la FOX (USA) y, al parecer, en la Sexta (España).

The Walking Dead se estrenó durante la misma semana en 120 países. Como parte de una campaña amplia para el estreno, los canales internacionales AMC y Fox se coordinaron en hacer un evento de "invasión zombie" en todo el mundo el 26 de octubre de 2010.

La maniobra estuvo en 28 ciudades principales, comenzando en Taipéi y terminando en Los Ángeles para el estreno en Estados Unidos, en un período de 24 horas. Además en varios países se hizo una campaña llamada Invasión zombie mundial para promocionar la serie, en la cual personas disfrazadas de zombies, hacían un recorrido por su país.

Escrito por recursosghaverroes el 18/02/2012 13:24 | Comentarios (0)

Abstenerse los que busquen historia

Anastasia es una película que no he visto hasta el día de hoy. Tuvo bastante éxito en su estreno a finales de los 90, pero yo en esa época pasaba muy mucho de la animación. Anastasia es una animación estadounidense de 1997, dirigida por Don Bluth y Gary Goldman. En su producción estuvo detrás la Fox, siendo la primera incursión de esta compañía en el cine de animación. Para ello no dudó en poner en la dirección de la misma a dos de los grandes : Don Bluth y Gary Goldman, que contaban ya con grandes éxitos como Titán, Aventura en el Valle encantado, la Princesa Cisne, etc…

No tengo claro que se esta película se inspire en la producción de 1956 del mismo nombre, de Anatole Litvak y que tiene a Ingrid Bergman como protagonista, pues de ella guardo un borroso recuerdo.

La película de animación fue nominada a dos premios Óscar de 1998 (mejor música para musical o comedia y mejor canción ("Journey to the Past"), y un premio Globo de Oro a la mejor canción ("Journey to the Past" y "Once Upon a December"), además de ganar ocho premios más y tres nominaciones.  Además ganó otros muchos premios como los ASCAP Film and Television Music (1999) donde obtuvo el premio a la mejor interpretación vocal por la canción "At the Beggining" para Lynn Ahrens, David Newman,y Stephen Flaherty. Igualmente obtuvo un Annie  en 1998 a la mejor interpretación vocal masculina para animación (Hank Azaria) y nominaciones a película, dirección, efectos de animación, música, producción, interpretación musical (Angela Lansbury y Meg Ryan por "Anastasia") y guion, todas ellas para una cinta de animación. También obtuvo el blockbuster Entertainment  de 1998 en la que fue ganadora a película animada familiar favorita. Obtuvo el Premio a mejor film familiar en la Broadcast Film Critics Association (1998), el premio a la mejor voz en film de animación (Brian Chavanne) de la Casting Society of America de 1998. Tuvo otras nominaciones a los Satélites de Oro a la mejor película de animación, la mejor banda sonora y canción ("Once Upon"). Igualmente a la mejor edición de sonido y de música y nominación a mejor montaje sonoro para film de animación en la Motion Picture Sound Editors (1998). Por último el Premio Young Artist a la mejor película familiar de animación.

Como en muchas de las películas de la 20th Century Fox, Anastasia tuvo el nombre provisional del "El Tren", posiblemente haciendo referencia a la escena del accidente ferroviario que tienen los protagonistas a su salida de la URSS con destino a París o a la caída de Anastasia del mismo generando su amnesia.

El guión fue obra de Susan Gauthier, Bruce Graham, Bob Tzudiker, Noni White y la producción y distribución recayó sobre la propia 20th Century Fox.

La historia comienza en 1916 en la antigua Rusia Imperial, en la ciudad de San Petersburgo, donde se celebra el tricentenario del reinado de los Romanov. La abuela emperatriz Marie le regala a una pequeña Anastasia de 8 años de edad, una caja de música de la cual sale una pequeña melodía muy especial para ambas. La llave de esta caja tiene un grabado, "Juntas en París".

Rasputín, un monje con peso en la corte rusa y la representación de la maldad, interrumpe la celebración y maldice a la familia Romanov. Al año siguiente, el ejército bolchevique toma el palacio. Un pequeño Dimitri salva a Anastasia y a su abuela, pero antes de escapar del ataque, Rasputín se lo impide. Al salir ambas ilesas, la emperatriz sube al tren rumbo a Francia pero la niña no logra alcanzarlo y se golpea la cabeza con las vías.

Diez años más tarde, Rusia está bajo el gobierno bolchevique. La emperatriz Marie ahora reside en París, y ha ofrecido una recompensa de diez millones de rublos a cualquier persona que encuentre a su nieta. Dos rusos, Dimitri y Vladimir (miembro de la corte) deciden buscar una joven muchacha que se parezca a Anastasia y se haga pasar por ella para conseguir el dinero. Mientras tanto una joven llamada Annya está saliendo de un orfanato. Annya (que es realmente Anastasia) decide buscar fortuna en San Petersburgo acompañado de su perro Pucca  y allí se encuentra en una especie de casting dirigido por Dimitri, pero ella no recuerda nada de lo que pasó antes de sus 8 años de edad. Dimitri al ver su gran parecido la convence de que es Anastasia y se van a París.

Rasputín al enterarse de que Anastasia seguía viva intenta asesinarla una vez en un tren en llamas del que salieron ilesos. Después de eso suben a un barco que los llevará a Paris. La segunda vez apoderándose de ella en sus sueños y haciéndola saltar del barco pero Dimitri que es despertado por Pucca (el perro de Annya), lo impide. El amor entre los jóvenes protagonistas ya había salido a la luz.

Annya y sus compañeros llegan a París. Annya ha estado estudiando mucho sobre su anterior vida e intenta recordar lo máximo posible. Sophie, la prima de la emperatriz Marie, le hace muchas preguntas para ver si ella realmente es Anastasia y al final le pregunta como logro escapar del palacio aquella noche y ella vagamente recuerda a un joven sirviente (Dimitri) que había abierto una puerta de entre las paredes para que ella y su abuela salieran. Dimitri se sorprende ya que nunca habían mencionado nada de eso y se da cuenta de que ella es la verdadera Anastasia

Una noche Dimitri y Annya van a la opera a la han sido invitadas por Sophie. Dimitri intenta hablar con la emperatriz Marie pero ella harta de tantas decepciones decide ya no ver a ninguna "Anastasia" y le dice a Dimitri que el solo quiere su recompensa y para obtenerla quiere engañarla. Anastasia oye esto y se aleja furiosa de Dimitri. Este después se hace pasar por el chofer de la emperatriz y la lleva a donde Anastasia está empacando sus cosas y la convence de verla dándole la caja de música. Ella la ve y está dispuesta a irse cuando Anastasia percibe el olor a hierba buena que emana su abuela y empieza a recordar momentos de su niñez, Marie saca la caja de música que abren con el colgante de Annya y las dos cantan su melodía y la emperatriz Marie se da cuenta de que ella es realmente su querida nieta Anastasia. Esa noche empiezan a recordar momentos de su niñez y viendo fotos de su familia. La abuela le entrega la corona que alguna vez fue de Alejandra, su madre.

La emperatriz quiere recompensar a Dimitri y reconoce que él realmente fue el sirviente que abrió la puerta y le ofrece la recompensa pero este no la acepta y se aleja.

En la noche de la fiesta de la Gran Duquesa perdida, Anastasia es inducida por Rasputín al famoso puente de Alejandro III, donde libra junto con Dimitri que regresa a ayudarla una espectacular batalla contra el monje Rasputín. Al vencerlo, Anastasia se da cuenta de sus verdaderos sentimientos hacia Dimitri, y decide dejar a un lado su regreso como la legitima emperatriz de Rusia, despidiéndose de su abuela en una carta y entregándole de vuelta la corona que alguna vez fue de su madre. Anastasia se fuga con Dimitri y comparten un beso al igual que Bartok lo hace con una nueva compañera.

La banda sonora y canciones son esenciales en una película de animación, de modo que se ha recurrido a los especialistas David Newman, Lyhn Ahrens y Stephen Flaherty la carga sonora de Anastasia. Don Bluth se muestra satisfecho de haber abordado temas como "la búsqueda de tu propia identidad y del hogar y el suspenso de cómo va a ser tu futuro" y de haber creado un fuerte personaje femenino.

La película ha sido criticada por su falta de rigor histórico buscando para algunos una fuerte propaganda anticomunista. Indudablemente presenta muchos anacronismos combinadas con algunas verdades históricas, pero, vamos, es una película de animación no un documental de la BBC. Por ejemplo, es cierto que la Gran Duquesa Anastasia fue una de las hijas del zar Nicolás II de Rusia, que se cree pudo sobrevivir a la masacre de  Ekaterimburgo. Los rumores fueron lanzados por Anna Anderson (Anya). El puente donde Dimitri, Anya y Rasputin se enfrentan es el puente parisino Alexander III, nombrado así después de que el verdadero abuelo de Anastasia Romanov visitara Francia en 1870. El dibujo que sostienen al final de la película Anastasia y su abuela mientras recuerdan (que aparece también al principio cuando se lo da) es un verdadero dibujo que Anastasia realizó para su padre en 1914. El conjuro que Rasputín suelta en la primera fiesta de la película es real. Rasputín, que no vivió durante la revolución rusa,  anunció que la familia Romanov moriría dentro de los 2 próximos años. La muerte de Rasputín durante el prólogo de la película está basado en la verdadera forma en la que murió el monje, tras haber sido envenenado y baleado, lanzan su cuerpo al Río Neva, después de su autopsia, de demuestra que él había muerto ahogado. Como en la película, la abuela de Anastasia ofreció millones como recompensa a quien encontrará a su nieta. También es real que los campesinos vendieron muchas de las pertenecías de los Romanov después de su muerte tal como sale al principio de la película.

Como se especifica en el apartado anterior, Rasputín no participó en la Revolución Rusa, si no fue un monje oscurantista protegido por la familia del Zar, siendo asesinado antes de la Revolución Noviembre de 1917 (segun el calendario occidental) por miembros de la corte, al ser considerado una amenaza, debido a su gran influencia en los monarcas. En la película se ve claramente, como unas fuerzas conjuradas por Rasputín, con forma de monstruos verdes parecidos a murciélagos, son los que ayudan a asaltar el Palacio de Invierno con los bolcheviques, dando a entender que es la maldición de Rasputín lo que motiva a los bolcheviques. Estos mismos monstruos aparecerán en la escena del tren, intentando evitar que Anastasia llegue a ver a su abuela. Son los mismos que aparecen en la lucha en el Puente parisino conocido como el de Alejandro III.

Sobre la historia de Anastasia indicar que la vinculada con la personalidad de Anna Anderson, es la más famosa. Anna se presentaba como la pretendiente a ser la Gran Duquesa, afirmaba que se había hecho pasar por muerta entre los cuerpos de su familia y los criados, y que pudo escapar gracias a la ayuda de un guardia compasivo que la rescató al ver que aún estaba viva. Anderson fue una de las al menos diez mujeres que afirmaban ser Anastasia. Algunas menos conocidas fueron Nadezhda Ivánovna Vasílieva y Eugenia Smith. Dos jóvenes que afirmaban ser Anastasia y su hermana María fueron encontradas por un sacerdote de los Montes Urales, donde vivieron como monjas hasta su muerte en 1964. Fueron enterradas bajo los nombres de Anastasia y María Nikoláyevna.

La posible supervivencia de Anastasia es una de las grandes leyendas del siglo XX. En 1922 los rumores sobre que una de las Grandes Duquesas o, incluso, toda la familia habían sobrevivido propició la aparición en Alemania de una mujer que se hacía llamar Anna Anderson. Fue encontrada a punto de suicidarse en el puente del río Spree en Berlín (Alemania), dos años después de la masacre. Fue internada sin identificar en una institución para enfermos mentales, donde dos años después aseguró ser la Gran Duquesa Anastasia, que había sido declarada muerta en Ekaterimburgo. Siempre hubo confusión en cuanto a la verdadera identidad de Anna Anderson debido a los supuestos conocimientos que tenía sobre Anastasia que, según se decía, solo la verdadera Gran Duquesa podía conocer. Algunos familiares de los Romanov declararon que probablemente Anna era la Gran Duquesa, pero otros nunca estuvieron convencidos. Pero Anna Anderson fue la que creó el mito y convirtió la leyenda de Anastasia en famosa. La batalla por conocer su verdadera identidad se convirtió en el juicio más largo de la historia de Alemania, ya que se inició en 1938 y fue oficialmente cerrado en 1970. El veredicto final estableció que Anna Anderson no pudo aportar suficientes pruebas para demostrar que era la Gran Duquesa. Pero también se estableció que la muerte de Anastasia no se podía confirmar como hecho probado

Estos rumores de supervivencia fueron avivados por varios informes contemporáneos que hablaban de registros en trenes y casas, por parte de soldados y la policía secreta bolchevique, en busca de "Anastasia Románova".

Durante su breve encarcelamiento en Perm en 1918, la princesa Helena Petrovna, mujer de un primo lejano de Anastasia, el Príncipe Ioán Konstantínovich de Rusia explicó que un guardia trajo a su celda a una muchacha llamada Anastasia Románova y le preguntó si aquella muchacha era la hija del zar. Ante la negativa de Yelena Petrovna, el guardia se la volvió a llevar. Hubo más testigos que afirmaron haber visto en Perm a Anastasia, a su madre y a sus hermanas después del asesinato, aunque actualmente se considera que no es más que un rumor sin ninguna evidencia palpable. Un informe que reviste más credibilidad por parte de algunos historiadores, asegura que ocho testigos vieron cómo guardias armados capturaban a una joven que intentaba huir del andén 37 de una estación de ferrocarril al noroeste de Perm, en septiembre de 1918. Los citados testigos fueron Maxim Grigóriev, Tatiana Sítnikova y su hijo Fiódor Sítnikov, Iván Kuklín y Matriona Kukliná, Vasili Riábov, Ustinia Baránkina, y el doctor Pável Utkin, un médico que trató a la muchacha después del incidente. Algunos de estos testigos identificaron a la muchacha como Anastasia cuando les fueron mostradas fotos de la Gran Duquesa por detectives del Ejército Blanco. El doctor Utkin también explicó a los detectives del Ejército Blanco que la muchacha herida, a la que trató en la oficina de la Cheka en Perm, le dijo: "Soy la hija del soberano, Anastasia". Utkin consiguió una receta de una farmacia para un paciente llamado "N", custodiado por la policía secreta. Más tarde, detectives del Ejército Blanco encontrarían registros de esa receta. Durante ese mismo periodo, mediados de 1918, numerosos jóvenes fingieron ser miembros de la familia Románov que habrían escapado a las matanzas. Borís Solósiev, marido de una de las hijas de Rasputín, María, estafó a importantes familias rusas al pedirles dinero para que un falso Románov pudiera huir a China. Solósiev también encontró a numerosas jóvenes dispuestas a hacerse pasar por alguna de las Grandes Duquesas para beneficiarse de las familias que había estafado. Sin embargo, algunas teorías apuntan a que hubo posibilidad de que uno o más guardias pudieran ayudar a algún superviviente. Yákov Yurovski había ordenado a los guardias que se presentaran en su oficina para devolver los objetos robados tras la ejecución. Se apunta a que durante un largo espacio de tiempo los cuerpos permanecieron sin vigilancia en el camión que los transportaría, en el sótano o en los pasillos de la casa. También se apunta a que varios soldados, que no habían participado en la matanza y que habían mostrado cierta empatía hacia las grandes duquesas, pudieron estar en el sótano con los cuerpos.^[

Durante una sesión del juicio celebrado en Alemania, entre 1964 y 1967, para probar la verdadera identidad de Anna Anderson, el sastre vienés Heinrich Kleibenzetl, que vivía y trabajaba frente a la casa Ipátiev, declaró que pudo ver a una malherida Anastasia inmediatamente después de la masacre de Ekaterimburgo, el 17 de julio de 1918. La joven estaba siendo atendida por su casera, Anna Boudin, en una casa situada justo frente a la Casa Ipátiev. Según recogió Peter Kurth, en su libro Anastasia: El misterio de Anna (Anderson), Kleibenzetl declaró haber oído disparos que provenían de la Casa Ipátiev y una de las chicas que gritaba "Mamá", y huyó corriendo de allí. Estuvo una hora y media caminando por el pueblo y al regresar vio cómo su casera llenaba un cubo con agua: "No entres en tu habitación" le dijo, para después decirle "Dios mío, en ti puedo confiar. Es Anastasia, la Gran Duquesa, está en tu habitación. Está herida. Estoy intentando que beba un poco de té". Kleibenzetl le dijo que le ayudaría y subió las escaleras hasta su habitación: "La parte inferior de su cuerpo estaba cubierta de sangre, tenía los ojos cerrados y estaba pálida como una hoja", declaró."Le lavamos la barbilla, Frau Ánushka y yo, y la muchacha gimió. Debía tener los huesos rotos. Y entonces abrió los ojos durante un minuto". La muchacha permaneció en la casa durante tres días, hasta que el mismo Guardia Rojo que la había traído se la volvió a llevar. Kleibenzetl nunca más volvió a saber de ella.

Kleibenzetl solía llevar ropa a la casa Ipátiev y había visto a las grandes duquesas allí, aunque nunca habló con ellas. En su declaración recalcó que la muchacha herida era "una de las mujeres" que había visto paseando por el patio de la casa Ipátiev, pero que no reconoció si era Anastasia u otra persona. Los restos de ADN han desvelado que no existía parentesco entre la real y la posible.

También llegaron noticias desde Bulgaria de la posible supervivencia de Anastasia y de su hermano pequeño Alexis. En 1953 Peter Zamiatkin, presunto miembro de la guardia de la familia imperial rusa, le explicó a un chico de 16 años, que convalecía en el hospital con él, que llevó a Anastasia y a su hermano Alexis a su pueblo natal, cerca de Odesa, siguiendo las órdenes del zar. Después del asesinato del resto de su familia, Zamiatkin habría llevado a los niños en barco desde Odesa hasta Alejandría. Los supuestos "Anastasia" y "Alexis" habrían vivido bajo nombres falsos en la ciudad búlgara de Gabarevo, cerca de Kazanlak. La Anastasia búlgara se hacía llamar Eleonora Albértovna Kruger y murió en 1954.

La película está llena de colorido, de buen gusto, completa en sus detalles tanto para los personajes como para los escenarios reales o imaginarios, Anastasia no decepcionará en lo que se refiere a sus apartados visual y sonoro.

La pel encar ícula contará en su versión original con las voces de grandes actores como son Angela Lansbury, quién parece ser que le cogió gusto a esto de doblar personajes animados ya que antes había doblado a la encantadora tetera en la inolvidable "La bella y la bestia” en el papel de gran Duquesa María, la abuela de Anastasia, la actriz Meg Ryan  que dará voz a Annya/Anastasia así como sus movimientos a la que tuvieron que convencer para doblar finalmente al personaje, a Dimitri le pone voz John Cusack, mientras que al villano Rasputín lo hará Christopher Lloyd. Kirsten Dunst le pone su voz a la versión pequeña de Anastasia.

El filme gira en torno a tres ejes fundamentales como son la búsqueda de la identidad perdida de una jovencita que desea fervientemente reencontrarse con sus raíces, la historia de amor entre Dimitri y Annya y el odio de Rasputín que tratará de impedir la felicidad.

Escrito por recursosghaverroes el 12/02/2012 22:14 | Comentarios (0)

Lágrimas de rana y escorpión

Tirar de los recuerdos puede producir decepciones. A veces, mitificas algo que viste hace mucho tiempo y, en ese momento, pensaste puede que condicionado  por las críticas favorables de la época o por los premios recibidos, que en este caso fueron muchos, que lo visto era una excelencia. El tiempo pone las cosas en su sitio y lo que viste estaba bien, porque te entretuvo y por la manera de plantear en este caso el tema del IRA, pero por poco más. En este caso la película - para mí- es buena, aunque alejada de la excelencia.

Juego de lágrimas es una película irlandesa de 1992 escrita y dirigida por Neil Jordan tras un periplo por los EE.UU. Explora temas de raza, nacionalidad, género y sexualidad, teniendo como trasfondo el conflicto irlandés. Está protagonizada por Stephen Rea, Jaye Davidson y Forest Whitaker. Participan igualmente Miranda Richardson, Adrian Dunbar, Jim Broadbent, Tony Slattery, Birdie Sweeney.

El largometraje se estrenó el 2 de septiembre de 1992 en el Festival de Cine de Venecia. Recibió 6 nominaciones (mejor película - Stephen Wolley-, director, guión original, actor principal- Stephen Rea- , actor de reparto -Jaye Davidson- y montaje- Kant Pan-) en la 65ª entrega de los Premios Óscar, consiguiendo la estatuilla al mejor guion original

La acción tiene lugar en las proximidades de Newry (Irlanda del N.) y en Londres, en 1990/91. El argumento parte del momento en que Fergus (Stephen Rea), un miembro del IRA, toma parte en el secuestro de un soldado británico, Jody (Forest Whitaker). Durante su custodia, entrabla amistad con el prisionero y termina prometiéndole que, en caso de que muera, irá a buscar a su novia y se asegurará de que esté bien. Tras recibir la orden del jefe del comando, Fergus opta por ser el que lo ejecute. Sin embargo, se siente incapaz de matar a alguien con el que ha trabado amistad. Jody huye, pero es atropellado por un comando del ejército británico que acude a la zona para liberarlo. Fergus y dos compañeros del IRA lográn escapar del cerco, optando Fergus por huir a Londres y alejarse del IRA. Igualmente está dispuesto a cumplir su promesa acude a la peluquería donde trabaja Dil, la novia del soldado que además es una cantante ocasional en un pub de transexuales, The Metro.

Allí Fergus, que empieza a llamarse desde ese momento Jimmie o Jimmy, entabla amistad con la misteriosa y sensual Dil, de la que se termina enamorando. Cuando ya está avanzada la relación, Fergus descubre en la intimidad que Dil es en realidad una mujer transexual muy refinada. Entonces Fergus entra en conflicto sobre si dar rienda suelta a sus potentes sentimientos y pasiones humanas; o responder a su naturaleza viril y varonil.

En paralelo van sumándose a la historia sus excompañeros del IRA que se sienten traicionados por Fergus. Este accede a reintegrarse en la organización ante la amenaza de que Dil sea represaliada por el grupo terrorista. Mientras preparan un atentado contra un juez, Fergus, que a pesar de sus dudas y sentimientos contrapuestos hacia Dil, diseña un plan para que éste quede al margen de todo. El plan fracasa al huir del hotel Dil. El atentado se produce y  la terrorista va en busca de Fergus y Dil para asesinarlos.

Dil toma el arma de Fergus y mata a la irlandesa. La imagen final de la película nos muestra a Fergus en prisión ya que ha asumido el asesinato de la irlandesa y Dil de visita en la misma agradeciendo el  que Fergus haya asumido la responsabilidad y la pena de prisión. Acaba la película contándole Fergus a Dil la fábula de la rana y el escorpión.

Se trata de una película independiente, escrita y dirigida por Neil Jordan y distribuida por Miramax. Se rodó en localizaciones de Londres e Irlanda del Norte y en Lee International Film Studios (Shepperton, Inglaterra). Dispuso de un presupuesto de 2 millones de dólares. Obtuvo 17 premios y 16 nominaciones. Ganó el Oscar al mejor guión, el BFFA a la mejor película extranjera, el BAFTA al mejor film británico el llamado Premio Alexander Korda (Stephen Woolley & Neil Jordan), además de otras siete nominaciones , el Golden Laurel a la mejor película, el National Board of Review para el mejor actor novel (Jaye Davidson) o los 2 premios del Círculo de Críticos de Nueva York: Guión, actriz de reparto (Richardson). Estuvo nominada al Globo de Oro a la mejor película dramática y otroas nominaciones como a los Goya. Se estrenó el 25-XI-1992. El productor fue Stephen Woolley.

La película se divide en dos partes. En la primera desarrolla un thriller psicológico, protagonizado por un soldado británico, Jody (Forest Whitaker), secuestrado por el IRA y el encargado de su custodia, Fergus. Las largas horas de espera hacen que nazca entre ambos una singular amistad, propiciada por la compasión de Fergus y la desbordante humanidad de Jody, jugador de cricket, hablador, vitalista, enrolado como voluntario en el Ejército para huir del paro. La confianza que se establece entre ellos se enmarca en una acción terrorista despiadada.

En la segunda parte, Fergus se instala en Londres, adopta el nombre de Jimmy y anda a la busca de la novia de Jody, una bella y delicada muchacha, Dil, que frecuenta un concurrido pub al finalizar su jornada laboral. La relación romántica entre Dil y Jimmy se enfrenta a problemas imprevistos de identidad y orientación sexual, que no impiden el nacimiento de un amor tan humano como sincero, que se afirma sin concesiones y sin límites. Los dos necesitan sentirse aceptados como son (por encima de sus secretos), ser deseados, queridos y amados. La obra explora, con sobriedad e inteligencia, la realidad de un amor humano, honesto y sincero, capaz de superar ideas preconcebidas, barreras mentales y tribulaciones internas.

Es curioso la relación corta e intensa que se establece en el secuestro del militar por el Ejército Republicano Irlandés (IRA), entre ambos a través de diálogos ingeniosos sobre las convicciones, tradiciones y culturas, aunque son un poco superficiales, son agradables y muestran la personalidad de cada uno, la compasión y la condición humana en general.

El Hombre lobo de los 80

Un hombre lobo americano en Londres (1981) -An american werewolf in London en versión original- es una película de la que nunca he conseguido olvidarme. La vi en los primeros años de los ochenta. Me gustó y me encantó el hecho de mezclar el terror (recuerdo que me asustaba el ver al personaje de David postrado en una cama en un bosque y que abra esos ojos y dientes amarillos)  con elementos cómicos. La película está dirigida por John Landis y protagonizada por David Naughton, Griffin Dunne y Jenny Agutter. Esta co-producción británico-estadounidense ganó un Oscar en 1982 al mejor maquillaje llevándoselo Rick Baker.

La productora que financió el filme fue la American Werewolf Inc., mientras que la distribuidora fue la Universal Studios PolyGram Filmed Entertainment. A lo largo del tiempo esta película se ha convertido para muchos un film de culto en el que Landis magistralmente combinó el terror licántropo, la comedia adolescente, la música de Creedence y efectos especiales de Rick Baker.

En el papel técnico destaca la presencia de David Tringham y George Folsey Jr. como ayudante de dirección y  producción respectivamente. El montaje estuvo a cargo de Malcolm Campbell, mientras que la fotografía es de Bob Paynter.

La historia presenta a dos estudiantes universitarios de Nueva York, David Kessler (David Naughton) y Jack Preston (Griffin Dunne), que deciden hacer un recorrido con sus mochilas a cuestas, por Europa recorriendo el viejo continente. En vez de empezar por Italia como hubiese deseado desea Jack , David se ha empecinado por empezar por el norte de Inglaterra. La primera escena en la que aparecen ellos se ve como un transportista los lleva en su camión hasta un pueblo cercano para que busquen un lugar donde pasar la noche, aunque les pide que no se salgan del camino y que no se introduzcan en el páramo. Así llegan al bar El cordero degollado. Una vez adentro notan con curiosidad una estrella de cinco puntas en la pared, pero al preguntar qué función cumple, todos los clientes cesan su conversación y piden a los protagonistas que se vayan.

Cuando se marchan, son advertidos de que han de seguir camino por la carretera, sin adentrarse en los páramos, y además deben cuidarse de la luna llena pero aun así y a su pesar, terminan perdiendo el rumbo. "no os apartéis del camino y no os acerquéis a los páramos", les dicen al igual que insisten con un "cuidado con la luna". Despreocupados marchan por la carretera aunque en un momento se desvían y penetran por el bosque. De pronto escuchan algo como un aullidos y al rato son atacados por una gran sombra con forma animal; Jack muere durante el ataque pero a David logra ser rescatado a tiempo con algunas heridas. Cuando la gente de El cordero degollado logra matar al atacante se muestra lo que parece ser un hombre.

David despierta en un hospital en Londres, donde le informan sobre la muerte de su amigo. Allí está al cuidado de dos enfermeras, una de ellas Alex, y un médico , el doctor Hirsch , a los que le transmite su inquietud ya que empieza a tener extrañas pesadillas sobre sensaciones propias de un animal. Además sueña con el asesinato de su familia por parte de unos seres y por su aparición ante la enfermera como un ser monstruoso durante otro de sus sueños.

Entretanto su compañero fallecido, Jack se aparece ante David como un fantasma con el aspecto de cadáver.

Este le explica que hace tres semanas fueron atacados por un hombre lobo, y que por haber sobrevivido David lo es también ahora. Jack, que ahora es un muerto viviente le pide a David que se suicide para acabar con la maldición del hombre lobo y para evitar que más inocentes se conviertan en eventuales víctimas y que los muertos atacados por el hombre lobo puedan morir en paz.

Luego de abandonar el hospital, David se muda con la enfermera Alex Prince (Jenny Agutter), por quien se siente atraído. David se encuentra allí cuando vuelve a reaparecer un Jack – con peor aspecto-, anunciándole que con la luna llena del día próximo se convertirá, como advirtió Jack, en un hombre lobo.

El protagonista, una vez que sabe lo que le puede suceder, está en casa y se mira al espejo haciendo gestos simulando ser un lobo, divertido, no se cree lo que le han revelado, pero de repente...

Con una transformación dolorosa y espectacular, mientras Alex está en el hospital, se convierte en un brutal hombre lobo. En su nueva forma recorre las calles de Londres y termina asesinando a seis personas (una pareja, un señor en el metro y tres mendigos). Cuando se despierta en la mañana, aparece desnudo en la jaula de los lobos del jardín zoológico, totalmente ignorante de lo qué ocurrió la noche anterior.

Alex, mientras tanto es llamada por el doctor Hirsch que previamente se ha desplazado al pueblo en donde surgió el incidente y ya es conocedor de que David fue atacado por un hombre lobo. En su desplazamiento al hospital el taxista le refiere el brutal asesinato acontecido el día previo en la ciudad, por lo que David se da cuenta de que Jack tenía razón sobre los hombres lobo y de que él es responsable por los asesinatos de la noche pasada.

Tras huir del taxi e intentar ser detenido por la policía con frases como “ La Reina Isabel es un marimacho”, y el “Príncipe Carlos un maricón” o “Shakespeare era francés”, Jack vuelve a aparecer como un fantasma en un cine porno de Picadilly Circus, pero esta vez acompañado por aquellos que fueron víctimas de David, pidiéndole nuevamente que se suicide antes de que vuelva a convertirse en un hombre lobo. David no cumple el pedido y vuelve a transformarse y comienza otra seguidilla de asesinatos.

Esta vez la policía lo persigue y logra arrinconarlo. También llega Alex que trata de calmarlo diciéndole que lo ama. Aunque por un momento se muestra manso, la policía le dispara cuando éste trata de escapar. Mientras muere, recupera su aspecto humano.

John Landis tuvo la idea para la historia mientras trabajaba en Yugoslavia como asistente de producción para la película Los violentos de Kelly. Un miembro yugoslavo de la producción y él se encontraban viajando cuando se cruzaron con un grupo de gitanos. Estos parecían estar realizando un ritual durante el entierro de una persona para evitar que ésta "se levantara de su tumba". Esto hizo que Landis se diera cuenta de que nunca sería capaz de confrontar a un zombi y le dio la idea para una película en la que un hombre de su misma edad pasa por una situación similar.

Landis escribió un primer borrador de An American Werewolf in London en 1969. Dos años más tarde escribió, dirigió y protagonizó su primer película, Schlock, que derivaría en película de culto. Landis adquirió prestigio gracias al éxito de sus películas cómicas The Kentucky Fried Movie, National Lampoon's Animal House y sobre todo The Blues Brothers lo que le permitió conseguir una inversión de 10 millones de dólares para esta película. Los inversores consideraron que el guión cinematográfico que presentó Landis era demasiado terrorífico para ser una comedia y demasiado cómico para ser una película de terror.

Una de las cosas más sorprendentes de la película es la transformación de David en hombre lobo. Aún recuerdo como en un programa de cine del año 82 lo mostraron, cosa que me impresionó. Las diferentes prótesis y partes robóticas usadas durante las escenas de trasformación en hombre lobo y las apariciones del personaje Jack como un cadáver recriminándole a través de unos descacharrantes diálogos el estropicio que ha hecho con ellos (entre aparición y aparición, el desmejoramiento físico de la putrefacción, es cada vez más evidente) impresionaron tanto a la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood que decidió crear el premio Óscar al mejor maquillaje específicamente para la película. Desde la entrega de premios de 1981 ésta se convirtió en una categoría presente todos los años.

En cuanto a los escenarios comentar que las escenas iniciales de los páramos fueron rodadas cerca de Hay Bluff, una montaña que se extiende a lo largo de Welsh Marches en el Parque Nacional de Brecon Beacons. Las escenas fueron hechas en el lado de Welsh de Hay Bluff, aproximadamente cuatro millas al sur del pueblo de Hay-on-Wye, en Powys. La escena donde David y Jack bajan del camión es cerca del círculo de piedra, el mismo lugar donde el Dr Hirsch observa la señal indicando el camino a East Proctor. El mismo camino se usa en la escena donde los protagonistas conversan sobre Debbie Klein. Señalar que East Proctor es un pequeño pueblo diez millas al oeste de Hay Bluff llamado Crickadarn. Se lo puede ver en la escena en que los protagonistas bajan la colina para dirigirse allí. El exterior de La oveja degollada era una casa privada en Crickadarn diseñada para parecer un bar. La estatua del Angel de la muerte que se encuentra en el pueblo fue creada especialmente para la película. La iglesia que se encuentra al lado todavía es frecuentada, aunque los pisos superiores no se han conversado. El interior de La oveja degollada fue rodado en un pub llamado The Black Swan —El cisne negro, en idioma inglés en Effingham, cerca de Leatherhead, Surrey. Se agregó una pared falsa para que el lugar pareciera más pequeño. El apartamento de Alex se encuentra en Coleherne Road, a la salida de Redcliffe Square cerca de Earls Court. El ataque en la estación de metro fue filmada en la estación Tottenham Court Road del metro de Londres. La escena en la jaula de los lobos fue filmada en el Zoológico de Londres y la escena final en el callejón fue filmada en Clink Street, Londres. Hoy el lugar resulta irreconocible debido a las remodelaciones que ha habido en el área.

Todas las canciones en la película hacen alguna forma de referencia a la luna. Una versión lenta de Blue Moon interpretada por Bobby Vinton se puede escuchar durante la presentación y los títulos de crédito. Moondance de Van Morrison se usa cuando Alex y David tienen relaciones sexuales por primera vez. Cuando David está por convertirse en hombre lobo se escucha Bad Moon Rising de Creedence Clearwater Revival. Durante la agonía de la transformación se puede escuchar una versión más cercana a una balada de Blue Moon, interpretada por Sam Cooke y una versión doo wop de la misma interpretada por The Marcels en los créditos del final. Landis no pudo conseguir el permiso para utilizar Moonshadow de Cat Stevens ni de Moonshiner de Bob Dylan; ambos artistas consideraron la película inapropiada para ser asociada a sus canciones. En los comentarios incluidos en la versión en DVD David Naughton y Griffin Dunne comentan que desconocen las razones por las que Landis no pudo obtener permiso para utilizar Werewolves of London de Warren Zevon, una canción que hubiera resultado muy apropiada para la película. La dirección musical del filme es de Elmer Berstein.

En 1997 se estrenó Un hombre lobo americano en París que incluía un reparto de personajes totalmente diferente a su antecesor.

Una adaptación para radio fue transmitida por BBC Radio 1 en 1997, escrita y dirigida por Dirk Maggs. Jenny Agutter, Brian Glover y John Woodvine repetieron sus papeles de la enferma Alex Price, el jugador de ajedrez y ahora también agente de policía de East Proctor George Hackett y el doctor Hirsch respectivamente. Los papeles de David y Jack fueron interpretados por Eric Meyers y William Dufris. El guion de Dirk Maggs incluyó en la historia que algunos de los habitantes de East Proctor son inmigrantes de Europa del este y que trajeron con ellos la licantropía. También se revela que el hombre lobo que ataca a los protagonistas es Hackett, que había escapado de un asilo donde estaba internado bajo el nombre Larry Talbot (que es el mismo nombre del protagonista de The Wolf Man).

He leído, aunque no puedo comprobarlo pues he visto una película en VHS que grabé hace muchos años que si esperan a que finalicen los créditos, que una vez terminada la película, podrán leer que "Lycanthrope Films Limited felicita a Diana Spencer y a Su Alteza Real El príncipe Carlos de Inglaterra por su reciente matrimonio". En definitiva una buena historia de terror digna del director del “Thriller” de Michael Jackson que tanto nos encandiló en los ochenta.

Escrito por recursosghaverroes el 11/02/2012 15:50 | Comentarios (0)

Estigmas

Esta película fue dirigida por Rupert Wainwright en 1999 y producida por Frank Mancuso Jr. y Tom Lazarus. Este último junto con Rick Ramage participó en el guión de la misma. La música está compuesta por Billy Corgan y Elia Cmiral. La buena fotografía está compuesta por Jeffrey Kimball que utiliza muy bien el juego de luces.

Los protagonistas son Patricia Arquette (Frankie Paige) y Gabriel Byrne (Padre Andrew Kiernan), con la compañía de Jonathan Pryce (Cardenal Daniel Houseman ), Thomas Kopache (Padre Durning), Nia Long (Donna Chadway), Rade Serbedzija y Portia de Rossi.

Una joven norteamericana extrovertida y vitalista peluquera, Frankie Paige (Patricia Arquette), comienza a mostrar misteriosos estigmas nada más recibir de Brasil un paquete de su madre con un crucifijo. La presencia de una tórtola en su casa en el inicio de una serie de  ataques paranormales que le hacen sangrar por la cabeza, los pies y las manos que inicialmente sufre en la bañera y más tarde en otros espacios (metro, en un café cerca de un mercado de flores o en la discoteca). En uno de sus momentos de crisis más fuertes, se encuentra por casualidad con un cura y el episodio queda grabado en una cinta. Las preocupantes implicaciones del incidente hacen que el propio Vaticano tome cartas en el asunto y envíe al investigador Andrew Kiernan (Gabriel Byrne), un sacerdote encargado de descifrar milagros y que anteriormente había estado de un pequeño pueblo del Brasil donde brotan lágrimas de sangre de la estatua de una iglesia, un hombre de ciencia más que un hombre de fe, ya que su misión consiste en desmontar falsos milagros y verificar fenómenos a los que no se

encuentra explicación.

Ante la evidencia de que una fuerza poderosa se ha apoderado de Frankie, Kiernan comprende el peligro que corre la muchacha: debe buscar dentro de su alma la forma de salvar su vida, aunque ello implique ir en contra de todas sus creencias.

Parece ser que en su momento hubo cierta polémica con la película ya que sólo es filme que se basa en los misterios de la Iglesia y en las dudas espirituales para confeccionar una historia que mezcle fantasía y realidad. La película llegó precedida por un abucheo generalizado por parte de la crítica y por una gran acogida por parte del público. Una vez más, opiniones divididas ante un género como el de terror, el infravalorado por antonomasia. Vulgar operación comercial para unos, blasfemia para otros, película que atrae a todos aquellos a los que el tema espiritual vinculado con el catolicismo, sus dudas y sus exorcismos que puede resultarles entretenida.

La historia de Wainwright tiene una estética y una trama muy bella en sus inicios pues afortunados son los títulos de crédito que hacen referencias a las escrituras; el peso de la película recae principalmente sobre una convincente Patricia Arquette que consigue transmitir eso sí con muchos aspavientos  y estertores el calvario sufrido en su cuerpo o la voz penetrante de chico – realmente un señor, el sacerdote Alameida que la ha poseído-. Patricia Arquette es capaz de hablar y escribir en arameo antiguo o sufrir las posesiones de un cura fallecido e investigador de las escrituras no reconocidas como el supuesto “Evangelio según San Tomás”, que según el final aparecieron en el Mar Muerto hacia el año 1950 y que no son reconocidos por la Iglesia. Junto a ella un Gabriel Byrne, con acento de Robert de Niro, que ayuda bastante a que Stigmata sea una entretenida aunque intranscendente película. Estos dos son los encargados de llevar el peso sobre sus espaldas de lo que resulta ser un thriller terrorífico, o un terror de intriga. Patricia Arquette y Gabriel Byrne, lucen muy efectivos en unos roles llenos de fuerza dramática y de destape moral denunciando a la institución eclesiástica.

La historia se centra inicialmente en los estigmas: marcas o señales que aparecen repentinamente en el cuerpo de algunas personas - devotas o no -, y que se asemejan a las heridas sufridas por Jesús durante su crucifixión. Esta vez, es una joven peluquera, escéptica y non sancta de Pittsburgh, la que recibe las señales por un hecho aparentemente casual. Y comienza aquí una ardua investigación que llevará, a un sacerdote de mentalidad abierta, a descubrir algunas cosas de verdadero significado y que, por feroces intereses, el sector más reaccionario de la iglesia representado en la película por Houseman se empeña en mantener a oscuras.

Wainwright, recrea imágenes que impactan y algunas secuencias poseen una interesante  brillantez narrativa. La eficiente edición, los efectos sonoros y la electrizante música que acompasa cada secuencia, contribuyen a que se logre un ritmo constante y en crescendo. La historia se sigue así con profundo interés, pues uno siente que, además, se va soltando el largo hilo de una maraña que, durante siglos, se nos ha ocultado herméticamente. Al final apuesta por la estética del videoclip cuando todo estalla en una habitación en llamas y el sacerdote salva en sus brazos a la chica.

Al final, “Stigmata” o “Estigmas” como fue difundida en Latinoamérica, es una película que sacude nuestros pensamientos durante un buen rato. Sin lugar a dudas, Rupert Wainright ha salido al paso con una película valiente aunque inconsistente.

El film plantea una serie de cuestiones que levantan curiosidad: ¿Por qué una chica atea es sufridora de estigmas? cuando el sacerdote comenta que sólo las personas muy devotas son las que están más expuestas a recibir los estigmas. ¿Por qué uno de los curas no reconoce la Iglesia que existe en Belo Horizonte, en la cual una virgen de piedra lloraba lágrimas de sangre humana? ¿Os parece razonable que Houseman, un alto miembro de la Iglesia quiera matar con sus propias manos a una chica inocente alegando que "está poseída por fuerzas malignas"?. ¿Por qué un evangelio es descuartizado, y de cada pedazo se hacen cargo distintos estudiosos? Estas son algunas de las cuestiones que se plantea el film.

En esta ocasión, la historia se centra en el “don” cristiano de sentir en tu propia carne los padecimientos de Jesucristo en su crucifixión, denominado comúnmente como estigmas. Será una joven americana la que protagonice dichos síntomas, que tratará de resolver un joven científico del Vaticano especializado en desmitificar milagros y otros sucesos surrealistas. No es del todo mediocre el argumento, ni siquiera su forma de llevarlo a cabo. Resulta efectista y cuenta con pequeñas muestras que saben conducir al camino de la reflexión. En esta película se habla de una persona apartada y aparentemente nada ligada al mundo cristiano  como víctima inocente, de un cura neonato en estas lides y de otro más profesionalizado que será de vital importancia para resolver el suceso. Un título correcto, en definitiva, que se muestra escaso y demasiado repetitivo aunque a la vez solvente y ligeramente por encima de la media.

Curiosa película, que critica el sistema eclesiástico de manera subyacente y que entretendrá a amantes del género y ocasionalmente al resto de seguidores de las películas de intriga. Con sus defectos y virtudes, consigue ser un buen entretenimiento, que distará del gusto de haberlo visionado, dependiendo de qué posición cultural-religiosa seas. Lo que es seguro es que no te dejará indiferente y si te deja indiferente, mala señal.

Escrito por recursosghaverroes el 06/02/2012 23:19 | Comentarios (0)

El fantasma y la oscuridad

Hace unos años en un puente de noviembre de 2009 marché a Chiclana y estando en la playa leí junto a mi hijo más pequeño una crónica que venía en el diario “El País” que se llamaba “La dieta humana de los leones de Tsavo”.

En ese artículo de Malen Ruiz de Elvira publicado el  02/11/2009 y que reproduzco casi en su integridad se hablaba de los  dos leones comehombres de Tsavo, que mataron a decenas de personas en 1898 en Kenia, y  terminaron sus días disecados en el  Museo Field de Chicago . Más de un siglo después, durante el que fueron protagonistas de libros, películas y exposiciones, y aunque pueda parecer increíble, el análisis de sus dientes y de su pelo ha permitido verificar lo que comieron en las semanas, meses e incluso años anteriores a ser abatidos por el militar británico John H. Patterson. El resultado incluye sorpresas.

El coronel Patterson

¿Por qué estos leones de Tsavo, convirtieron a los hombres en  lo que los ecólogos llaman especialización individual de la dieta algo muy poco común?

Se sabe que los dos leones eran machos y sembraron el terror durante nueve meses entre los trabajadores del ferrocarril que se construía en la zona de Tsavo y los lugareños de la etnia Taita. Actuaban siempre en pareja, en esa zona de altos matorrales con pinchos que impedían a sus víctimas verlos venir. La compañía Ferrocarril de Uganda documentó 28 muertes de sus trabajadores debidas a los leones, y el coronel Patterson elevó la cifra total, incluyendo los agricultores y pastores taita, a 135.

Este militar e ingeniero británico se empeñó en acabar con ellos y al final lo logró. Tendió una trampa en forma de vagón de ferrocarril, que no funcionó, y se apostó en un árbol durante días. El 9 de diciembre de 1898 mató al primer león, un animal enorme, y el 29 de diciembre al segundo.

Patterson posa en Tsavo (Kenia) junto al primero de los dos leones

Como cesaron los ataques inmediatamente, resultó claro que había acertado con las piezas, que terminaron disecadas en Chicago. Algunas de las víctimas, de la etnia taita (los trabajadores del ferrocarril eran en gran parte indios), terminaron también lejos de su hogar. Sus cráneos fueron recogidos en 1929 por el famoso paleoantropólogo Louis Leakey y ahora están en el laboratorio británico Duckworth, especializado en restos de primates.

Éste era el panorama sobre el que han trabajado científicos de varias especialidades de Estados Unidos y el Reino Unido. Han analizado material de los dientes y del pelo de los dos leones y han comparado su composición isotópica en carbono y nitrógeno con material equivalente de leones actuales de la zona y de animales herbívoros que pueden ser presa de los leones, así como con hueso de los antepasados de los taitas.

Han llegado a la conclusión de que los dos leones tuvieron durante gran parte de sus siete u ocho años de existencia una dieta normal, basada sobre todo en animales herbívoros como la cebra y el órix. Mientras que ambos añadieron progresivamente a su dieta animales como la jirafa y el antílope, sólo uno de ellos se especializó en comer humanos, que en las semanas finales de su vida constituían el 30% de su dieta. Así que sólo uno de la pareja era de verdad un león devorador de hombres, aunque posiblemente el otro también ingiriera ocasionalmente restos humanos. Además, los investigadores consiguen una aproximación al número real de víctimas, que es 34.

Existen pruebas de que Tsavo en 1898 sufría diversos tipos de estrés, naturales o causados por el hombre, que habrían hecho escasear las presas naturales del león. Sólo uno de los leones obtuvo ventaja nutritiva de los humanos, seguramente porque somos demasiado pequeños para ser alimento de dos leones, y ése fue el león que era más habilidoso y más valiente, porque somos una presa peligrosa para el cazador.

Yeakel y Nathaniel J. Dominy de la Universidad de California y sus colegas publicaron el resultado de su estudio en la revista PNAS. Subrayan que los dos animales presentaban graves deformaciones craneodentales, lo que pudo influir en que incluyeran en su dieta presas no convencionales, supuestamente más accesibles.

Así que las conclusiones cambian algo el panorama anterior. Los dos leones formaban una pareja no muy usual, ya que lo normal es que un macho forme grupo con cuatro o cinco hembras, que son las que cazan. Seguramente debido a sus defectos físicos no tuvieron acceso a las hembras y no les quedó más remedio que formar pareja para defender un territorio que entonces tenía mucha más vegetación que actualmente. Colaboraban en los ataques, a humanos y a otras presas, pero no comían lo mismo. Atacar humanos era más peligroso, pero no tenían otro remedio, creen los investigadores, ya que no eran buenos depredadores. Si os interesa saber más de la historia real aquí tenéis el enlace a la página Centinela del sendero de Jorge Donato en la que hablan de la historia de Patterson y los leones de Tsavo.

Hasta aquí la realidad. El mito fue creado por el cine. Una película de título original en castellano El fantasma y la oscuridad o en su versión inglesa “The Ghost and the Darkness” , aunque distribuido en España como Los demonios de la noche, o en Argentina como “Garras” es una película que relata una historia verídica acontecida y antes narrada en la región del Tsavo, Kenia, en 1898.

Los demonios de la noche dirigida por Stephen Hopkins y protagonizada por Val Kilmer, Michael Douglas, Tom Wilkinson, Om Puri, Bernard Hill, John Kani y Emily Mortimer. El largometraje (110 min)  relata el ataque de dos leones a los obreros británicos durante la construcción del ferrocarril en el continente africano.

El guión fue obra de William Goldman y la fotografía de Vilmos Zsigmond. La música fue obra de Jerry Goldsmith. La productora fue Paramount Pictures / Constellation Films. Curiosamente obtuvo un oscar por Mejores efectos de sonido, pero también una nominación a los Razzie (Peor actor secundario para Val Kilmer).

Rodada en escenarios africanos como en la Reserva de Songimvelo Game, Mpumalanga, Sudáfrica y en el Parque Nacional de Tsavo en Kenia.

La película se inicia en Londres y transcurre inicialmente en el año 1898. El Teniente Coronel John Henry Patterson (Val Kilmer), ingeniero de puentes, recibe el encargo de parte del magnate del ferrocarril Robert Beaumont (Tom Wilkinson) de construir un puente para el ferrocarril sobre el río Tsavo, en Kenia, por entonces colonia británica, en un plazo de 5 meses. Patterson fue elegido para ésta misión debido a su experiencia adquirida en la India.

Al llegar allí es alertado por el Doctor Hawthorne (Bernard Hill) de que un león, un devorador de hombres, anda rondando por la zona y ha atacado a un obrero, que no recibió heridas graves. Esa misma noche, Patterson, en compañía de su ayudante Angus Starling (Brian McCardie) mata al león de un sólo disparo. Durante unas semanas, las obras transcurren sin incidentes, incluso se van adelantando al plazo de ejecución. Pero desconocen lo que les está acechando en la sabana.

El terror empieza cuando durante varias noches consecutivas algunos obreros aparecen muertos, presuntamente devorados por un león. Tras esto, deciden construir unos cercados de espinos con hogueras para alejar a los leones y establecer un toque de queda por la noche, ya que es cuando los leones atacan. Durante un tiempo, no hay más ataques. Pero un león vuelve a atacar, esta vez a plena luz del día. Cuando Patterson está a punto de matarle, aparece otro león que lo hiere y mata a su ayudante Starling. Tras esto, y aprovechando que su jefe Beaumont va a visitar la obra, Patterson pide el envío de tropas para así proteger a los obreros de los leones. Para entonces, han muerto alrededor de 30 obreros. Sin embargo, al llegar Beaumont, éste niega a Patterson el envío de soldados, ya que eso haría daño a su reputación, y propone enviar a un mítico cazador Charles Remington (Michael Douglas), y amenaza a Patterson con hundir su carrera si no construye el puente a tiempo.

Mientras espera la llegada de Remington, Patterson hace intentos fallidos de cazar a los leones. Los ánimos se caldean. Los obreros empiezan a rebelarse, cuando aparece Remington y se calman los ánimos. Éste, junto con Patterson, realiza diversos intentos de cazar a los leones y todos fallan. El clímax llega cuando los leones atacan el hospital, matando a todos los enfermos y también al médico. Tras esto, los obreros huyen, quedándose solo unos cuantos, Patterson, Remington, y el nativo Samuel.

Patterson y Remington deciden ir en busca de los leones en vez de esperarles. Al llegar a su guarida, ven que no es una guarida de leones normal, ya que está infestada de esqueletos humanos y la mayoría no muestran signos de haber sido devorados, sino asesinados por los leones. Patterson inventa un artilugio que usó en la India para la caza del tigre, que consiste en poner un especie de andamio en un claro. A la noche, uno de los leones salta sobre Patterson para matarlo, Remington le dispara, muriendo el león en el acto.

Patterson, Remington y Samuel lo celebran. Al amanecer, Patterson descubre que el otro león ha matado a Remington. Tras esto, hace arder la sabana para así obligar al león a salir. Cuando el león está apunto de matarle, Patterson le dispara con el rifle de Samuel, acabando así con la pesadilla. La película acaba con el regreso de los obreros, la construcción del puente y el momento en el que John Patterson se encuentra con su esposa Helen (Emily Mortimer) y su primer hijo.

Basada en la historia real ocurrida en Tsavo, Kenia en 1898, a 400 km de Nairobi donde dos leones actuando en conjunto asesinaron y devoraron a más de una treintena de personas; a pesar de que se dice que fueron 135 obreros (el total de atacados y heridos). Los leones asesinos reales come-hombres, eran machos de la variedad sin melena comunes en esa región; pero raros en su especie en el reino animal. Los leones fueron muertos por Patterson, sus cuerpos fueron embalsamados y hoy están expuestos en el museo Museo Field de historia natural de Chicago, Illinois.

Cabe destacar que la película recibió una mala crítica. Se consideró una de los peores trabajos de Michael Douglas, que incluso consideró rechazar el papel en un principio.  Si bien los leones del Tsavo siempre han sido más agresivos que sus demás congéneres, los ataques realizados por ambos leones superan incluso a los acontecidos por otros leones del Tsavo.

No se ha podido dar ninguna explicación sobre el motivo que les impulsó a actuar de esa manera, aunque circula la hipótesis de que al ser machos solitarios simplemente defendían su territorio, aunque aún no se pudo explicar la unión entre dos leones solitarios. Otra hipótesis más científica (y por ende mas aceptable) fue que en la época en la que se construyó el ferrocarril hubo una enfermedad que mató a bastantes cebras y gacelas, alimento natural de los leones, por lo que los leones debían buscar otras formas de alimentarse, incluyendo alimentarse de humanos. También podría haber influido el hecho de que a los obreros que morían de forma natural no se les daba sepultura, o una sepultura fácilmente accesible para los leones, por lo que se animaron a cazar humanos vivos. No obstante, la teoría difundida en el diario “El País” parece verosímil.

El film contiene muchos personajes de ficción tales como el cazador Charles Remington. En este film se usaron leones reales antropizados criados para el cine con crines y no pelados como lo fue en lo real. Los guerreros Massai que aparecen también son genuinos de la zona y brindaron un espectáculo que se aprovechó para una escena del filme.

El film tuvo mala recepción por parte de los críticos, tanto es así que Val Kilmer obtuvo una nominación a los Razzies como el peor actor de reparto. A pesar de todo, la cinta devolvió la suma invertida y tuvo ganancias por US $25.000.000 de utilidad.

Entre los desajustes entre realidad y película señalar que realmente Patterson tardó nueve meses en matar a los dos leones, y lo hizo solo; y en rigor histórica indicar que en aquel momento el Imperio Británico no competía contra franceses y alemanes por el ferrocarril, ya que era exclusivamente territorio británico, reconocido por las demás naciones.

Se trata de un inusual film de aventuras de Hollywood, que se torna más sorprendente y exótico según avanza. Aunque comienza de una forma estática poco prometedora, pronto adquiere velocidad y color. Además cumple con su objetivo y entretiene pues posee todos los ingredientes necesarios para hacer de ella una estupenda película de aventuras: buena banda sonora de Jerry Goldsmith, su atractivo argumento (basado en hechos reales), una esmerada y estupenda fotografía, y unas interpretaciones decentes. Los diálogos son brillantes. No hay tramas secundarias de interés, los personajes están descritos sin grandes matices y se pasa de largo por situaciones, como el conflicto con los trabajadores, que podían haber dado un mayor juego dramático. Con todo esto la película podría haber sido un fiasco considerable. Pero donde Stephen Hopkins acierta es en su lado más puramente salvaje. La presencia de los leones está mostrada de forma inquietante y misteriosa, como si fueran dos fantasmas en la oscuridad. Cada uno de sus ataques resulta verdaderamente brutal, con alguna secuencia tan brillante como la del ataque al hospital. Correctísimo trabajo en la edición del sonido, sobre todo en los momentos en que los leones entran en pantalla. Es fantástico cómo se recrea en lo sonoro los ataques de los felinos.

Probablemente la mejor de película de su director, Stephen Hopkins. Señalar que esta historia ya había sido filmada en 1952, con el título de “Bwana, el diablo de la selva” (Arch Oboler) con desiguales resultados.

Escrito por recursosghaverroes el 05/02/2012 23:14 | Comentarios (0)

Vor

Con el título original en cirílico de Bop (Vor), “El ladrón”, haré el primer comentario aquí de la primera película rusa analizada en este blog. No conozco ni mucho ni bien el cine ruso. Salvo la clásica obra de Serguei Eisenstein, y algunas de las de Nikita Mikhalkov (Ojos Negros, Urga o Quemado por el sol, entre otras) no conozco gran cosa, salvo películas aisladas. Entre ellas guardo en mi recuerdo básicamente el nombre de una, Siberiada, una película que creo que distribuyó en España Sancho Gracia. También para los entendidos, he visto alguna de Tarkosky, o sea de aquello que llaman Arte y Ensayo, de la que no recuerdo nada. Otra de la que guardo recuerdo es una película de un creador para mi desconocido y que llegó a emocionarme, por cuestiones muy personales, con una película que llevaba por título “La madre”. Era de la época soviética al igual que las anteriores, salvo alguna de Mikhalkov.

El ladrón (Vor) la película de la hablo hoy está dirigida por Pavel Chukhrai y protagonizada por Vladímir Mashkov, Misha Filipchuk y Yekaterina Rednikova. El guión también es obra del director Chukhrai. Fue una coproducción ruso-francesa (NTV-Profit, Productions Le Pont, Roissy Films, Comité de Cinematografía de Rusia, Centre National de la Cinématographie, Canal Plus, Igor Tolstunov) del año 1997. Tuvo cierta repercusión en su año al ser nominada además del Oscar a la mejor película extranjera, a los Globos de oro. Obtuvo dos galardones en premios internacionales: el Goya a la mejor película europea y en Venecia consiguió el Premio Internacional del Jurado de la juventud, - aunque aquí obtuvo 4 nominaciones- . Esta galardonada película rusa compitió por el Oscar con la española ‘Secretos del corazón’ y la belga ‘Carácter’.

La música es obra de Vladímir Dashkevich – destacando particularmente las canciones populares que cantan en alguna ocasión Toljan y Sanya, así como el chico-, mientras que la fotografía que tiende hacia colores nebulosos, corresponde a Vladímir Klímov. La edición de la película correspondió a Marina Dobryanskaya Y Natalia Kucherenko. Fue rodada en Yaroslavl, Rusia, y aunque no esté en los créditos ya diría que algunas escenas en el balneario y cercanas al Mar Negro se ruedan en Sebastopol.

La película se inicia en con el parto de Katja en una desolada y fría llanura helada que muestra la soledad absoluta de la chica. Sin embargo, la narración del trío se inicia en otoño de 1952. Sanya, de seis años de edad, y su joven madre Katja, se dirigen en tren a través de la fría y hambrienta Rusia que todavía lucha para recobrarse de la Segunda Guerra Mundial. Como muchos otros en la Europa de postguerra, esta joven viuda y su niño huérfano de padre – Sanya nunca llegó a conocer a su padre, pues muere seis meses después de su nacimiento- se esfuerzan para tener por lo menos una vida aceptable, que para ellos significa buscar abrigo y pan para comer. Un apuesto y joven oficial uniformado llamado Toljan se sube al tren en una de las estaciones, e inmediatamente se siente atraído por Katja (Katya). Tras iniciarse la relación entre Toljan y Katja se bajan en una pequeña localidad donde alquilan, sin presentar él su documentación de soldado, un cuarto en un piso comunal lleno de vecinos. Viven como una familia, Toljan , aparentemente, ama a Katja y le ordena a Sonya que lo llame "papá". El niño no lo puede hacer ya que todo el tiempo permanece pensando en su verdadero padre, al que ve en sus ensoñaciones en repetidas ocasiones a lo largo de la película. A pesar de cierto distanciamiento inicial con el niño, Toljan lo atrae finalmente al contarle a Sanja un “secreto”: le muestra dos tatuajes: uno de un felino, a la espalda, y otro de Stalin. Le dice que el primero es para ganarse el respeto de los demás, pero que el segundo lo tiene por ser hijo secreto del Jefe del Estado Soviético, pero que nadie lo sabe. El niño lo cree todo, más aún cuando le ha enseñado previamente a luchar en la calle contra otros chicos con suma brutalidad.

Cimentada la unión de los tres, Toljan invita a la cena a todos los vecinos y luego los invita al circo. Katja lo sigue de regreso por celos, ya que supone que Toljan anda con una bella vecina. La verdad es más devastadora: Toljan es un vulgar ladrón, cuyo modo de operación es ganarse la confianza de la gente para asaltarla mejor. Katja no tiene nada en el mundo y, a pesar de sus dudas, sigue unida al ladrón.

Se puede objetar que la cinta presenta a una figura femenina que termina dependiendo de un hombre, pero Katja hace lo que hicieron muchas, era preferible vivir con un ladrón que vivir sola, como cuando dio a luz, para ella Toljan en su tabla de salvación, como medida de sobrevivencia ante la situación social de postguerra inmediata.

En la película, el modo de operación de Toljan se repite de nuevo en otra ciudad y con otros inquilinos, pero el ladrón no tiene principios e involucra a Sanja en sus robos y le enseña lo que tiene que hacer para ayudarlo. Esto complica las cosas, porque Sanja se resiste y Katja teme por el porvenir de su hijo. El último robo es fallido y Toljan es arrestado por otra causa por carecer de documentación y oponerse a los militares. En ese momento, Katja y Sanja descubren que Toljan ocupa realmente el rol de padre y esposo e intentan liberarlo incluso comprando la voluntad de los funcionarios soviéticos. Pero nada frena a la administración soviética que condena a 7 años a Toljan a una prisión. El traslado de la prisión a otra es un momento determinante de la película pues además de presentar a Katja desgarrada por su futura soledad, Sanja siente que Toljan es su padre, y corre por la llanura helada tras el convoy de la prisión llamando voz  en grito a su padre. Sanja de nuevo pierde a la figura paterna.

Katja, tras esto busca tiene que abortar pero este desafortunado hecho unido a unas fiebres condenan a la más absoluta soledad a Sanja. Éste huérfano es acogido por un orfanato guardando como única esperanza reencontrarse con su padre, del que guarda su pistola de militar. Casualmente paseando por la misma vía de tren en la que Toljan fue detenido ve a un tipo que le recuerda su figura. Al acercarse lo reconoce, pero un Toljan envejecido ni le recuerda ni a él ni a su madre. La venganza de Sanja no se hace esperar y con la misma pistola que guardó en su recuerdo lo mata. Sanja ya está definitivamente solo en el mundo.

A lo largo de todo el film, Toljan ha mentido a madre e hijo, se ha servido de la necesidad que madre e hijo tienen de compañero y padre para, en el fondo, abusar de ellos en su propio beneficio. Son varios los ejemplos que muestra el guión de la historia donde Toljan impone su voluntad a ambos y los hace cómplices de sus robos. Para colmo, al no tener opción, Katja y Sanja intentan salvarlo. Por lo tanto, el final del film donde se enfrentan Sanja y Toljan y el resultado de la confrontación explica porque esa generación de postguerra se sintió huérfana y defraudada.

Destaca la magnifica narración en sus 96 minutos, un cuidado guión obra del director, como ya hemos señalado, y una fotografía y diseño de decorados impresionantes, así como las actuaciones de Sanja –Sanya- (Misha Filipchuk) que con pocos años de edad hace una actuación memorable, la de Toljan – Tolyan- (Vladímir Mashkov un Clark Gable ruso) o la bella Katja – Katya- (Yekaterina Rednikova).

Paralelamente a la historia de la infancia de Sanya, vamos viendo la Rusia soviética de los años 50, ese “paraíso terrenal" de pobraza y miseria y de falta de libertad. Una escena muy significativa sobre la alienación del pueblo es cuando en una celebración brindan por Stalin.

El cine ruso, es tan parco en películas como repleto de sobriedad, sencillez, talento y seriedad. "El ladrón" es una historia que oscila de la ternura y compasión a lo desconsolado y despiadado de su parte final. Ese ladrón además de un dañino impostor de pocos vuelos para la gente, es particularmente para el chico un ladrón auténtico pues es quien le ha robado a su madre, sus sueños, su infancia, al mismo tiempo que es quien le ha transformado en un ser escéptico – al final ya no sueña con ver a su padre- y de fuerte personalidad. Esto está muy bien explicado (la peculiar relación amor/odio, amistad/compasión del chico hacia el ladrón) pues el guión es muy sólido y la película sobria y lírica, hecha con sentido y sentida, definitivamente agridulce.

La historia relata a la perfección la pérdida de la inocencia de un niño, del niño que hemos sido todos. Una pérdida de inocencia triste pero necesaria para acceder a la edad adulta. Es, además, la película de una generación perdida.

Pavel Chukrai analiza a la generación de postguerra de la Unión Soviética y el retrato no es muy halagador para el régimen stalinista. Es evidente que una película sobre descomposición social no sería aprobada por la burocracia soviética tradicional. Chukrai muestra el tejido social del final del stalinismo en base a una historia familiar: el encuentro con la vida de un niño.
Ante este argumento, realizado en forma realista, con una excelente reconstrucción de época y ambientes, se puede hacer una lectura alegórica del film. Se puede considerar que Katja y Sanja son dos generaciones de rusos que creyeron e incluso estimaron la figura paterna de Stalin. De hecho, esa imagen paternal fue impulsada hasta la nausea por el culto a la personalidad del líder soviético, que él mismo promovió.

En esta línea de interpretación, bajo una apariencia de bondad, el régimen estalinista destruyó la infancia, los valores y la dignidad humana de una generación, como Toljan lo hace con Sanja y con Katja.

En ese sentido alegórico, la cinta podría argumentar que Stalin fue un ladrón con el mismo modo de operación de Toljan: apariencia, bondad, favores y sonrisas a cambio de la complicidad, el robo y la mentira.
Otra vía de interpretación de la película “Ladrón” es ver el retrato psicológico de sus personajes, presentados y manejados en forma melodramática. Este análisis psicológico que hace Chukrai va mostrando los matices de las relaciones entre los tres personajes, y es notorio que madre e hijo son sensibles, por lo que es fácil que Toljan explote su dependencia emotiva para sus propios fines egoístas. Es más, la película analiza las raíces que gestaron sus vidas en crisis, y señala a los culpables: los que fingieron bondad para robar y que lesionaron la dignidad humana de todo un pueblo.

Esta vía psicológica esta reforzada, dentro de la realización del film por las tres excelentes actuaciones que encarnan a los personajes principales. Desde la frágil y ardiente Katja a la que da cuerpo Ekaterina Rednikova, al cinismo y manipulación de Toljan que muestra Vladimir Mashkov, y la presencia de Sanja / Misha Philipchuk que permea toda la cinta y le da una dimensión humana muy especial.

Escrito por recursosghaverroes el 05/02/2012 10:45 | Comentarios (0)

Criaturita

Este verano he leído mucho. Entre mis apuestas literarias han estado muchas novelas históricas, algunas también de mi estimado Mario Puzo. Con todo, una de ellas, no de las mejores según mis gustos ha sido la del escritor irlandés, Robert Nye, titulada “las memorias de Lord Byron”. El libro poco tiene que ver con otra lectura que realicé en mi juventud sobre la vida del autor británico escrito en este caso por el francés Mauriac. Esto viene a colación a los retazos de una de las historias de Byron en Suiza junto con los Shelley. En el libro descubrí que Byron sentía adoración/veneración por Percy Shelley. De la historia en Suiza, intercalada con el periodo veneciano de Byron, destaca    la fantástica historia del lago Ginebra en relación a un personaje más conocido por el cine que por la literatura: Frankenstein.

Se nos narraba intercaladamente como en mayo de 1816 Mary Godwin, Percy Shelley , su hijo y Claire Clairmont, conjuntamente con Lord Byron se encontraban en la ciudad suiza de Ginebra, en donde Mary comenzó a llamarse a sí misma «Sra. Shelley». Byron se instaló en las cercanías del Lago, en concreto en Villa Diodati, al igual que Percy Shelley que alquiló otra villa cercana. Allí  pasaron el tiempo escribiendo, navegando por el lago y conversando hasta altas horas de la noche. De esas conversaciones entre profundas y superficiales surgían algunas en las que se hablaba de Erasmus de que se decía que había animado materia muerta, y de la posibilidad de devolverle la vida a un cadáver o a distintas partes del cuerpo. Sentados alrededor de una fogata en la villa de Byron, el grupo también se entretenía leyendo historias de fantasmas alemanas. Esto llevó a Byron un día a sugerir que cada uno escribiese su propia historia sobrenatural. Poco después, durante un sueño, Mary Godwin concibió la idea de Frankenstein:

 “Vi, con los ojos cerrados pero con una nítida imagen mental, al pálido estudiante de artes impías, de rodillas junto al objeto que había armado. Vi al horrible fantasma de un hombre extendido y que luego, tras la obra de algún motor poderoso, éste cobraba vida, y se ponía de pie con un movimiento tenso y poco natural. Debía ser terrible; dado que sería inmensamente espantoso el efecto de cualquier esfuerzo humano para simular el extraordinario mecanismo del Creador del mundo”.

Comenzó a escribir lo que asumió que sería una historia corta. Con la ayuda de Shelley, amplió el cuento hasta convertirlo en su primera novela, Frankenstein o el Moderno Prometeo, publicada en 1818. De una conversación a un libro, y de allí al cine.

Frankenstein de Mary Shelley (Mary Shelley's Frankenstein, en su título original en inglés) es una película de 1994 dirigida por Kenneth Branagh, y más de dos horas de duración (123 minutos),  protagonizada por Robert De Niro, Tom Hulce, Helena Bonham Carter, y Kenneth Branagh. Es una adaptación de la novela de Mary Shelley Frankenstein o el moderno Prometeo. De ello se desprende la novela más cercana que otras adaptaciones de películas pero que no obstante, difiere de la definición amplia de Mary Shelley de la trama original.

La música recayó en Patrick Doyle no jugando sino un papel acompañante a lo largo de la misma, y en todo caso para encuadrar la dramática historia. Es especialmente relevante durante los ensayos médicos para conseguir a la criatura o cuando el dramatismo se cebe en la familia. La fotografía afortunada con dominio de colores claros fue obra de Roger Pratt. Indicar sospecho que por decisión de Brannag los encuadres son hiperbólicos con imágenes cenitales, rápidos travellings y gusto por primero planos para mostrar la monstruosidad, especialmente impactante la imagen de Elizabeth entre llamas corriendo por el pasillo. Por su parte, el montaje correspondió a Andrew Marcus. A Tim Harvey se le encomendó el diseño de producción, mientras que fue todo un acierto el vestuario, salvo el harapiento abrigo de la “criatura” en manos de James Acheson.

La película es posiblemente una de las más fieles adaptaciones del libro, y uno de los pocos que realmente sigue la trama de la novela y sus caracterizaciones. El guión fue obra de Steph Lady y del creador de “The Walking Dead” Frank Darabont. Entre las desviaciones del libro original esta la creación de la novia monstruo. En el libro, la «criatura» pide a Victor Frankenstein que cree un monstruo mujer para él. Él acepta a regañadientes, pero destruye a la criatura antes de que él le otorgue la vida.

Sin embargo, en la película solo lleva a cabo su plan tras de los asesinatos de Elizabeth y de la niñera a manos del monstruo en su noche de bodas: metiendo su mano en su pecho y arrancando su corazón. Entonces Víctor toma el cuerpo de Justine de vuelta a su laboratorio, donde le otorga la cabeza de Elizabeth. A continuación galvaniza este «nuevo» cuerpo y trae de vuelta a Elizabeth como su novia. Cuando la criatura se da cuenta que la novia no es para él, un enfrentamiento se produce antes de que la novia se destruya a sí misma por la inmolación.

Como sinopsis señalar que la prematura muerte de su madre durante un parto, arranca violentamente a Víctor Frankenstein (Kenneth Branagh) de su idílica vida en Ginebra junto a su familia padre (Ian Holm) y hermana Elizabeth (Helena Bonham Carter) . Desde ese día, la idea de vencer a la muerte será su obsesión y, por ello, decide estudiar medicina en Ingolstadt. Allí conoce al siniestro profesor Waldman(John Cleese), de quien se rumorea que pasó su juventud estudiando la posibilidad de crear un ser humano. Víctor no sólo se interesa por sus experimentos, sino que está dispuesto a llegar hasta el fondo de la cuestión cueste lo que cueste.

He leído que la recaudación de la película fue decepcionante en las salas del cine estadounidenses, con un presupuesto de 45 millones de dólares y 22 millones de dólares en cifras brutas. Sin embargo, la película obtuvo buenos resultados en los mercados extranjeros, ingresando alrededor de 90 millones de dólares. Yo, al menos, reconozco que fui a verla y yo diría que fue en la noche de reyes del año 1995.

Según la página web cinematográfica Rotten Tomatoes, que compila comentarios de una amplia gama de críticos, la película recibió comentarios muy variados. En el momento de su lanzamiento en DVD, los comentaristas parecen perdonar algunas de sus deficiencias o los abundantes movimientos de cámara (travellings, planos secuencia a mansalva, planos cenitales, etc) visibles en secuencias como el prólogo en el Ártico, la conversación entre Frankenstein y la criatura en la caverna de hielo, o la secuencia entera de la criatura en el bosque son verdaderamente notables, y hacen descansar la vista después de tanto movimiento circular de cámara.,.

La producción estuvo en manos de Francis Ford Coppola, de James V. Hart, John Veitch y David Barron teniendo de por medio a la TriStar Pictures. Fue rodada entre los Shepperton Studios en Gran Bretaña, así como en Suiza para rodar los exteriores en los Alpes suizos. La película fue nominada a los Oscar al mejor maquillaje y a los Bafta al mejor montaje. 

Existe una dualidad permanente en el protagonismo de la historia de Frankenstein. Por un lado esta el papel asignado a Víctor, y, por otro, el otorgado a la criatura. Para el cine e monstruo ha sido siempre el verdadero sujeto de la historia de Frankenstein. Sin embargo en la película de  Kenneth Branagh el protagonismo es a la par. Puede que por divismo del director, puede que por el papel encarnado por Robert de Niro.

El "Frankenstein de Mary Shelley", cuenta con todos los accesorios habituales de las películas de Frankenstein: las noches oscuras y tormentosas, la fuerza incontrolable de la criatura, los relámpagos, la brutalidad de la recomposición de las partes del cuerpo para la criatura, el laboratorio donde Víctor Frankenstein despierta en su caldero humeante la vida desaparecida. Pero al igual que Drácula de Coppola la atención está en lo que habitualmente ha pasado desapercibido: el sentimiento de la criatura. Este es el centro de la película, la parte silenciosa y más reflexiva. El eje de esta historia.

En una primera parte de la película se nos presentan a los personajes desde la humanización: el sensible y curioso niño, el encuentro con el dolor – la brutal muerte de la madre.-, la compañera de juegos, hermana, amiga y amada, la amistad durante la formación, las dudas ante lo académico, el deseo de creación. De ahí todo deviene hacia la locura.

La locura es frenesí creativo e investigador. Es ahora en la que Víctor realmente “baile” frente a la cámara con el deseo de ser un nuevo dios. Aquí es donde la película se vuelve frenética con planos cenitales, dorso y cabello. Repudia la amistad  e incluso el amor, su objetivo es crear. Cuando consigue la criatura y la repudia todo se encauza a la reflexión.

Al escapar la Criatura (Robert De Niro) de la ciudad, previo enfrentamiento y muestra pública, todo se encamina a la reflexión. La criatura cruzando un río se lanza al campo para aislarse debido a su propia idea de monstruosidad. Es en este entorno campestre en donde encuentra un paz y casi la felicidad con una pequeña familia. Hace frío, y él se refugia en el granero, alimentándose de lo que le dan a los cerdos, y mirando con emoción a través de la ventana a la pacífica escena alrededor del hogar. En la noche se prepara la leña para sus anfitriones inconscientes. La familia poco a poco se da cuenta de que algún tipo de espíritu del bosque protege a la familia y le entrega su amistad - y el abuelo, que es ciego- , en realidad invita a la criatura en la que sentarse junto al fuego. Esta criatura, más que la de cualquiera de las películas anteriores, es muy consciente de su apariencia como un horrible monstruo. También sabe más acerca de sus orígenes. Él lee el diario original de Frankenstein, y se entera de cómo se construye a partir de partes de cadáveres. Todo el tema de la película de Branagh se concentra aquí: Ha creado ¿un monstruo de Frankenstein o un hombre?

Estas son las cuestiones que la criatura plantea a su creador en su entrevista en la cueva de hielo. Y en ella la pregunta clave de la criatura al creador :  "¿Alguna vez considerar las consecuencias de sus acciones?" Y su soledad es palpable: "Por la simpatía de un ser vivo, yo haría la paz con todos".

Esta cuestión forma parte de la dimensión caótica que supone el regreso de Víctor a su casa y el estallido de violencia coincidente con el anuncio de la boda: muerte del hermano de Víctor, linchamiento por error de Justine – la hija de su nodriza- por cierto, conocida de That´s English - , reencuentro entre creador y criatura, entrevista en la cueva y ultimátum, venganza de la criatura con el asesinato brutal de Elizabeth, la locura del doctor y la muerte definitiva de Elizabeth-. Triunfo del caos absoluto.

La película se encuentra entre corchetes, con un prólogo y un epílogo puede que innecesario – o no-. Está tomado de la obra original de Shelley. La película se inicia cuando el barco “noviembre” encalla en el hielo durante una expedición ártica. Es aquí el momento en que aparecen por primera vez Frankenstein y su monstruo. El primero persigue al segundo por estas heladas tierras con el fin de acabar con algo casi inmortal y poderoso. Es de suponer que este material está allí para permitir que el capitán y explorador testarudo (Aidan Quinn) pueda aprender de Frankenstein de los peligros de caer sólo contemplando la voluntad de uno. Al final, la muerte de Víctor y su entierro suponen el final de ambos, creador y criatura, pero reflexión moral para el capitán que desiste en su locura de llegar, al precio que sea al polo norte.

He leído que Branagh se inspira en otras películas en algunas de sus imágenes como ocurren en el beso entre Elizabeth y Victor tras recuperarse este último una vez realizada la primera creación (los giros de cámara alrededor de ellos como un homenaje a "Vértigo") o el uso de los relámpagos para coincidir con el nacimiento de sus criaturas o la muerte de su propia madre inspirada en la película de 1935 "La novia de Frankenstein".

Escrito por recursosghaverroes el 04/02/2012 19:24 | Comentarios (0)

Secretos y Mentiras

Hace mucho tiempo vi la película británica “Secretos y mentiras” (1996). La noche pasada  volví a cometer el mismo acierto y recuperé esta película de Mike Leigh y protagonizada por Brenda Blethyn y Marianne Jean-Baptiste.

La acción tiene lugar en Londres en 1995/96, a lo largo de algo más de 2 meses (junio/agosto). Cuenta la historia de Hortense Cumberbatch (Marianne Jean-Baptiste), mujer negra que vive en Londres que al morir sus padres adoptivos. Con la ayuda de una empresa especializada, obtiene la documentación de su nacimiento. A partir de la información que contiene intenta localizar a su madre, Cyntia Purley (Brenda Blethyn), y contacta con ella. Cynthia Rose Purley, es una mujer blanca de la clase obrera, la cual la dio en adopción nada más nacer.

La película se inicia con una escena de un matrimonio cualquiera, los Purley. Una pareja como tantas, con un problema, la ausencia de hijos en el matrimonio, así como una relación con la familia contrariada, sobre todo por parte de ella. Él, Maurice, es un fotógrafo con estudio propio que también es contratado para reportajes fotográficos de bodas y otros acontecimientos. Tiene una hermana, Cynthia, a la que no ve desde hace unos meses. Es una madre soltera y está algo neurótica. A esto se le suma una díscola hija, Roxanne, que va a cumplir veintiún años. Pese a que la familia está distanciada, Maurice y su esposa Mónica deciden organizar una fiesta de cumpleaños para el 21 aniversario de Roxanne, no muy esperanzados de que ésta se digne asistir.

Las escenas nos van trasladando por los episodios corrientes de la rutina de estas personas. Pasamos por la algo deteriorada casa (desesperadamente carente de orden y de arreglos) de Cynthia, una mujer que con un presente gris de trabajo en una fábrica de cartones,  y Roxanne, respirando la tensión, la incomunicación y el desencuentro entre madre e hija. Vamos captando pedazos del pasado, de los golpes de la vida y de las circunstancias que hicieron que Cynthia se encontrase con demasiadas responsabilidades a temprana edad para las que no estaba preparada. A pesar de todo la madre  siente que lo ha hecho lo mejor que ha podido… Y se siente desgraciada. Siente que ha perdido su juventud… Y esconde secretos ante los que cerró los ojos y que no se atreve a afrontar.
Por otro lado, aparece Hortense durante el entierro de su madre, una joven cuyos padres han muerto, y que guarda una historia  que ha pesado en su interior durante muchos años: la de su adopción por parte de otra familia… Y a la que ya está preparada para hacer frente. Hortense da el paso.

El secreto va a salir a la luz poco a poco, haciendo trizas el débil equilibrio tras el que permanecía oculto…
Leigh expone, a través de las excelentes actuaciones de todos los protagonistas, un drama familiar que encubre intensos dolores nunca acallados, actos pasados imprudentes y desesperados, decisiones devastadoras, pérdidas y reencuentros, distancias y aproximaciones entre parientes que se quieren por encima de todo pero que tienen demasiadas heridas que rumiar. Y también es el drama de una persona que busca sus raíces extraviadas.

Magistral final con el hermano (Timothy Spall), poniendo a cada uno en su sitio.  Con una nuera, que se derrumba después de, orgullosamente, envidiar a su suegra. Con la ayudante de Maurice, tímidamente al fondo, sin abrir la boca (enfocada en varias ocasiones); pero que en el momento oportuno, dice algo, y ese algo, enternece más todavía al bueno de Maurice.

El largometraje se estrenó en el Festival de Cannes de 1996, donde ganó la Palma de Oro y Brenda Blethyn recibió el premio a la mejor interpretación femenina.

Aunque según los créditos Leigh escribió el guion, la mayor parte de las actuaciones fueron en realidad improvisadas: Leigh orientó a cada uno de los actores sobre sus papeles, y los dejó crear sus propias líneas.

Secretos y mentiras fue filmado en parte en Whitehouse Way, Southgate, Londres.

La escena emocional en la mesa, en la cual Cynthia descubre que ella es de hecho madre de Hortense, fue filmada en una sola toma ininterrumpida de casi 8 minutos.

En el año 1996 consiguió múltiples premios. Destacan las 5 nominaciones al Oscar: Película, actriz, actriz secundaria, director, guión original; el premio del Globo de Oro a la mejor actriz drama (Brenda Blethyn). Las 3 nominaciones del Festival de Cannes: Palma de oro, actriz (Brenda Blethyn), Jurado Ecuménico. Los 3 premios BAFTA, incluyendo guión, actriz (Brenda Blethyn), tras 7 nominaciones. Los Premios Goya a la  Mejor película europea o el Premio Cesar con su nominación a la mejor película extranjera.

Calos Boyero la llegó a calificar como “Magistral. Maravillosa, tierna y humorística” o Antonio Albert en Cinemanía como “Soberbia”.

Se trata de un film independiente, escrito y dirigido por Mike Leigh ("El secreto de Vera Drake", 2004). Se rodó en Londres y alrededores y en estudio, con un presupuesto de 4 millones de dólares y que se estrenó el 25-X-1996.

La película se sumerge en la vida cotidiana de una familia inglesa de clase baja, disfuncional, con problemas de comunicación, enemistades y aversiones basadas en prejuicios, malentendidos, secretos y mentiras. La matriarca, Cynthia, empleada manual de una fábrica de manipulados de cartón, es una madre soltera, que dio a luz a su hija Roxanne hace 21 años. Ambas viven en la misma casa, pero su convivencia es difícil a causa de diferencias de caracteres: Roxanne, barrendera municipal, es adusta y poco comunicativa, mientras Cynthia es melosa y cariñosa. Maurice, hermano de Cynthia, regenta un estudio fotográfico y está casado con Mónica (Phyllis Logan), que no se lleva bien con Cynthia y con Roxanne. La irrupción de Hortensia en la familia, llena el alma de Cynthia del cariño que necesitaba y da nuevo sentido a su vida. Maurice, un buenazo de gran corazón, sufre porque las tres personas que más ama, su esposa, su hermana y su sobrina, se llevan de mal traer. La narración del director destaca por su sobriedad, austeridad y naturalidad. Traslada a la cinta un retrato emotivo y sincero de las frustraciones de personas modestas y normales, tomadas de la realidad cotidiana.

La música, de cuerdas (harpa, violoncello y contrabajo) y viento, subraya con potentes solos de contrabajo la soledad de los personajes y con composiciones de aire festivo, los momentos de satisfacción. La fotografía busca encuadres próximos y medios y usa una gama de colores corrientes, con claro predominio de los blancos (vestido y coche de la novia, visillos, sillas de la terraza, paredes, etc.).

El guión desarrolla un argumento muy sencillo, que crea situaciones emotivas, en ocasiones desgarradoras, sin concesiones al sentimentalismo y con fino humor. De entre las interpretaciones destacan las de Marianne Jean-Baptiste (Hortense) es rica y flexible, poderosa, muy dominadora de los matices de su capital personaje; la de Timothy Spall, sentida, dota a Maurice de una grandiosa bondad; y la de Brenda Blethyn (Cynthia), intensiva, acusa baches histriónicos, por lanzarse a un patetismo que quiere apretar el nudo más de lo conveniente. También aparece la de Claire Rushbrook (Roxanne) es caricaturesca la mayor parte del tiempo.

La dirección busca la naturalidad y espontaneidad ocultando a los actores los secretos del relato hasta el momento de su filmación.

La película se enmarca en la corriente del cine social inglés. Exalta la riqueza de la vida y el valor de las personas. Está considerada la mejor obra del realizador.

Realmente no hay palabras para describir la intensidad emocional de esta película. Creo que en ninguna otra película he derramado tantas lágrimas. Y todo ello, sin más armas que una buena historia transitada por unos personajes entrañables. Unos personajes, que como casi todos nosotros, viven escondiendo unas profundas heridas, cuyo último destino -no podría ser de otra manera- es remontar el pozo de la vergüenza y la culpa, y finalmente salir a la luz. Es en esta exteriorización donde se encuentra la llave de la curación. Y a la postre, también del perdón.

Nos encontramos con la foto de una familia al completo. El fotógrafo emplea una iluminación y un escenario artificiales. Hay maquillaje, y las expresiones de los fotografiados tampoco son verdaderas, son más bien forzadas, llegando algunas a la caricatura. Se busca el efecto en detrimento de lo verosímil. Y, a pesar de todo, la foto conmueve.

El ritmo de la película es ejemplar, la fotografía exquisita, los momentos de humor (especialmente las sesiones fotográficas) están perfectamente insertadas como amenos paréntesis. El guión, obra también de Mike Leigh, es tan maravilloso como funcional. En realidad es lo de menos. Me he encariñado tanto con los personajes (especialmente con la inconmensurable Brenda Blethyn) que me hubiera dado exactamente igual lo que hubiesen dicho o hecho.

Escrito por recursosghaverroes el 30/01/2012 23:15 | Comentarios (0)

Un moco verde y viscoso

Hoy hemos visto una película del año 1997 procedente de la factoría Disney. Flubber y el profesor chiflado es una película norteamericana dirigida por Les Mayfield. El guión es obra de John Hughes y Bill Walsh. Protagonizada por Robin Williams en el papel de profesor profesor Philip Brainard y científico universitario, Marcia Gay Harden la Dra Dra. Sara Jean Reynolds como novia, Christopher McDonald como el oponente Dr Wilson Croft, Raymond J. Barry o Clancy Brown, uno de los chicos malos.

La música es obra de Danny Elfman, mientras que la fotografía pertenece a Dean Cundey.

El profesor Phillip Brainard, un profesor distraído y despistado , trabaja con su asistente Weebo, tratando de crear una sustancia que es una nueva fuente de energía. Trabaja en un centro arruinado , la Medfield College, donde su novia Sara es la directora. Con ella lleva ya algún tiempo, pero sus despistes han provocado ya la anulación de la boda en dos ocasiones. Este científico encontrará la forma de que su centro de trabajo no cierre: crear una sustancia que sustituya al resto de fuentes energéticas. En la tarde de su tercer matrimonio, el profesor Brainard crea flubber, una sustancia verde y visco que permite a los objetos tener una flexibilidad y una enorme capacidad de vuelo. El problema es que es bastante incontrolable y que se mueve a velocidades supersónicas. Esta sustancia parecida al caucho será llamada Flubber.

Pero esta sustancia traerá una serie de dificultades para el científico, ya que tendrá que enfrentar a unos ladrones que se quieren apoderar del invento.

En Flubber, el entretenimiento se basa en un dinamismo visual tremendo visible por ejemplo en su aplicación para que el patético equipo de baloncesto local gane aunque sea un partido. O en los buenos momentos que nos dejan todos los artilugios diseñados por este profesor chiflado, empezando por el propio Flubber o en las gracias del robot doméstico que hasta intentan presentar sus gracias  poniéndote imágenes la mayoría de Disney en la pantalla del robot, según la situación.

Los buenos números musicales del moco verde y gelatinoso son divertidos, sí, pero no es difícil darse cuenta de que la película vive de sus incontables gags y no llega a profundizar.

A favor de la película está la intervención en el apartado musical de Danny Elfman, todo un seguro de vida que, en mi opinión, trabajo mejor con bandas sonoras más oscuras.

La película es un remake de la Disney de "Un sabio en las nubes" (The Absent-Minded Professor, 1961), protagonizada por Fred MacMurray.

Flubber es una película 100% infantil que entretiene a los más pequeños gracias a su frenético ritmo de ruidos, gags y colores, pero que no aporta nada a una persona mayor que intente buscar gran cine en esos más de 90 minutos que dura la película.  

Se rodó en diversos espacios de California (Universidad de Stanford, Alameda, Stockton, San José,Palo Alto, etc… Y fue producida conjuntamente por Disney y Great Oak entertainment.

¿Te gusta conducir?

Esta era la pregunta que nos hacía una marca de coches alemana hace unos años. Para mí la respuesta megativa siempre era y es la misma. No creo que el origen de mi respuesta se deba a que haces muchos años quer vi una película, la primera del realizador Steven Spielberg. El nombre de esta película era “El diablo sobre ruedas”.

Anoche volví a verla y el filme volvía a transmitirme la inquietud y angustia que sentí cuando la vi por primera vez.

El diablo sobre ruedas, titulada originalmente "Duel" no estaba  destinada a los cines, sino a la televisión. Se trataba por lo tanto de un inquietante  telefilme estadounidense del género "thriller-road movie" del año 1971. Coo ya he dicho estaba dirigido por un desconocido Spielberg y protagonizado por Dennis Weaver, mi agente McCloud de la infancia.

En los títulos de crédito también aparece Cary Loftin en uno de los papeles principales, pero como no sea el camionero, no sé quién es. La película esta basada en un relato corto de Richard Matheson, un gran novelista de ciencia-ficción - participa en episodio de "Twillingt zone"- y un gran guionista de terror. Matheson nos  narra la inexplicable – bueno, viendo la gente que conduce y cómo conduce, no es inexplicable - persecución a la que se ve sometido un conductor de un automóvil por parte de un camionero desquiciado de un enorme camión cisterna.

El personaje principal es David Mann (Dennis Weaver), un común hombre de negocios y de familia de clase media, que viaja con su coche, un Plymouth Valiant, por una zona desértica y aislada al sur de los Estados Unidos, cerca de la frontera con México. Para su desgracia en una carretera de doble vía adelanta a un viejo y oxidado camión cisterna que parece contener inflamables.

Al adelantar el camión, el chófer de éste parece molestarse y lo vuelve adelantar a toda velocidad. La acción se repite en un par de ocasiones y este es eñ origen del conflicto. La razón: David ha hecho en realidad ha sido provocar la ira del peor conductor con el que se habría podido cruzar (si es que realmente es esto lo que enfurece al camionero). En un momento el conductor del camión le hace señas para rebasarlo y casi le provoca un accidente con un vehículo en contra. Lo que le espera a nuestro protagonista es el peor trayecto de su vida, donde su integridad física estará constantemente amenazada por el asfixiante acoso del diabólico camión.

Mann intenta aumentar la distancia entre el camión y su vehículo y cuando casi lo logra casi se estrella en una verja de un café de carretera visibles en muchas películas. Los presentes en el bar creen – y vamos con toda razón, pues es lo que aparenta- que Mann no está en sus cabales. Mann va al baño y cuando se dispone a comer algo, se da cuenta que el camión esta fuera. Sin embargo, el conductor no está en el interior, entonces empieza a sospechar de cada uno de los parroquianos presentes. Se fija en varios por sus botas, lo único reconocible de un conductor al que no se le ve la cara. Confunde a uno de ellos con el chófer y cuando lo increpa provoca una reyerta al darle un manotazo a su bocadillo. Mann sale perdiendo de la pelea, y además descubre que ha cometido un  error. Al salir en dirección al vehículo agresor, el camión bruscamente se pone en marcha y Mann no logra alcancarlo con una carrera.

En una barrera ferroviaria activada para un convoy que está cruzando, el camionero sorprende a Mann por detrás y empuja al automóvil contra las vías en marcha con el objeto de que sea arrollado, Mann logra zafarse en el último momento.

En un intento por llamar a la policía, Mann logra entrar a una caseta telefónica y cuando logra comunicarse, el camión embiste la caseta destruyendo todo a su paso, Mann logra escapar con su vehículo.

Después de un rato la persecución se convierte en acoso y un auténtico duelo al sol entre el camionero y David Mann. Lo que aparenta ser un juego malintencionado realizado por el camionero al que nunca verá su rostro (Cary Loftin), se va convirtiendo en una e locura desquiciada trastocada en un enfrentamiento a vida o muerte entre ambos conductores, así a lo largo de kilómetros y kilómetros de carreteras solitarias jugando al gato y el ratón con autocar escolar incluido.

El protagonista para de vez en cuando en estaciones de servicio para repostar, o simplemente, esquivar al camionero.

Finalmente, el camionero y el automovilista al límite de sus posibilidades de cordura se ven enfrentados en una carretera cerrada en unos acantilados. El duelo acaba con la caída del camión por el barranco arrastrando el coche de Mann, que ha escapado en el último segundo.

Realizada en un principio como hemos dicho anteriormente para la televisión, su brillantez estética e intrigante pulso narrativo consiguieron que esta primera y barata obra de un jovencísimo Steven Spielberg fuera exhibida en la pantalla grande. Hoy esta película es un film de culto. Fue una imprescindible primera lección de un director magistral y una demostración de que el talento tiene más importancia que los medios.,

Parece que a Spielberg le dieron diez días para terminarla. La acabó en trece, todo un logro para cualquiera. Para que no se rodase en estudio y poder conseguir filmar todo el rodaje en exteriores, debía cumplir con los plazos de los tres primeros días de rodaje, y el tipo lo consiguió. Este hecho determinó que el film tuviera los bellos exteriores del sur de los EE.UU que podemos observar hoy en día.

El cineasta se ayudó de un coche bajo de carreras para poder realizar los contrapicados y los adelantamiento del coche al camión y viceversa. Rodó las escenas para ganar tiempo, con cuatro, cinco y hasta siete cámaras (la secuecia final) para poder terminar el encargo con tiempo. Sabía que tenía una oportunidad dorada para asomar la cabeza en el mundo del cine, así que había muchas ganas. Se ensambló en tres semanas y media con cinco montadores currando a destajo. La música minimalista y extraña aparece en los momentos más dramáticos y con mucho acierto.

Como el título original, Duel, sólo hay un coche rojo – un Dodge - y un camión oxidado - se trata de un Peterbilt 281 con motor Detroit Diesel de 310 cv y caja de cambios de 12 velocidades + 2 atrás, de la década de 1955 - que le persigue toda la película. Spielberg empezaba a demostrar lo que es: un superdotado director de cine.

Esta cinta es pura tensión, es tal la crispación con que vives el metraje que te sorprendes a ti mismo buscando el pedal del acelerador sentado en tu sofá.

Spielberg controla los tiempos del film a la perfección y mantiene en tensión al espectador durante todo el film. Son los únicos momentos de descanso para el protagonista y para el espectador. Spielberg parece querer dar un poco de tregua al espectador para no agobiarle con tanta tensión y darle un poco de respiro.

Un guión sencillo pero brillante y un montaje trepidante provocan en el espectador que se quede casi sin aire. Dennis Weaver hace un papel brillante como conductor indefenso, crispado y a punto de estallar. El otro protagonista del film es el camión, al que Spielberg mueve con soltura por las carreteras con su cámara.

‘El diablo sobre ruedas’ puede ser vista como la eterna lucha entre el bien y el mal en clave de road movie. O también como un gran duelo de titanes (como bien indica el título original), una lucha que no da tregua y consigue dejar sin respiración de principio a fin.

Es pues una excelente presentación de Spielberg, un cineasta especialista en sacar grandes películas de argumentos aparentemente sencillos. A destacar está la falta de información presente (como por ejemplo los verdaderos motivos que provocan la lucha) o el hecho de que jamás lleguemos a ver al conductor del camión.

Y todo en esta cinta contribuye a aumentar la tensión la angustia del protagonista, el paisaje, la carretera, el incesante rugir del motor, los bocinazos..., a desubicarnos junto con el protagonista, a desquiciarnos, a sufrir con el acoso del camión. Además, el ritmo es perfecto, in crescendo. 

Escrito por recursosghaverroes el 28/01/2012 10:55 | Comentarios (0)

Yo sé quién soy!

Hay películas que desde el recuerdo fueron impactantes, posiblemente por lo inesperado. Esta, cuando la vi en su momento fue una de ellas. Vista desde la distancia ya lo es menos. Cuando en 1989 pasaron por televisión “El corazón del ángel” la película en su conjunto, por el género, por su estética me impactó. Ayer lo fue menos.

“El corazón del ángel” Angel Heart es una película que se presentó en 1987. Estaba escrita y dirigida por Alan Parker. Para ello Parker se basó en la novela de William Hjortsberg titulada Falling angel.

La película está protagonizada por Mickey Rourke, Robert De Niro, Lisa Bonet y Charlotte Rampling en los papeles principales.

La historia comienza en 1955 en la ciudad de Nueva York cuando Harry Angel (Mickey Rourke), un investigador privado poco ortodoxo, es contratado por Louis Cyphre (Robert De Niro) para localizar a Johnny Favourite, un famoso cantante herido en la Segunda Guerra Mundial y hospitalizado con daño cerebral, sobre el que no sabe su paradero. Cyphre quiere que Favourite le pague una deuda que contrajo con él años atrás.

Pero hay más que lo que inicialmente aparece en el caso: Angel descubre en el hospital han falsificado los papeles sobre Favourite. Y que una noche dos personas se lo llevaron en un coche.

Las diversas pistas llevan a Angel a viajar a Nueva Orleans, donde se ve envuelto en un mundo de vudú y satanismo. Allí conocerá tanto a Margaret Krusemark (Charlotte Rampling) como a Epiphany Proudfoot (Lisa Bonet), por la que se sentirá atraído; que es hija de una practicante-sacerdotisa de vudú que amaba a Favourite.

Pero nada es lo que parece: todas las personas que tenían alguna relación con el caso van apareciendo muertas una tras otra. Esto es lo que le ocurre al músico Toots Sweet, a Ethan Krusemark y a su hija.

Conforme avanzan las pesquisas de nuestro detective las personas a las que interroga van siendo asesinadas misteriosamente de forma brutal hasta que se va cerrando el círculo en torno al protagonista sospechoso de dichos asesinatos.

Cuanto más se va acercando a descubrir la verdad, una sensación, mezcla de miedo y malestar, va engullendo a Harry Angel, desembocando en un inesperado final donde todas las incógnitas se verán resueltas.

No es directamente una película de terror aunque aterroriza. Difícil de etiquetar, la película contiene varios géneros, pero podría decirse que es una película de suspense y misterio con toques sobrenaturales y de cine negro policíaco, dentro de una atmósfera densa y oscura.

En esta película los tres protagonistas principales, Mickey Rourke, Robert De Niro y Lisa Bonet, se encuentran en diferentes niveles en sus carreras cinematográficas.

Rourke se encontraba en lo más alto de su carrera, un año después de hacer 9 semanas y media (1986) siendo considerado para aquel entonces un “sex symbol” mundial. Aparece como un detective sucio, chulesco y desorientado por el curso de los acontecimientos. De Niro acababa de terminar La misión (1986)  y aparece desmedido, bueno realmente desmelenado. Es el protagonista de una frase para la historia del cine " En algunas religiones se cree que el huevo simboliza el alma? No lo sabía- responde el detective ¿Le apetece uno? acaba De Niro "; y Lisa Bonet, una de las hijas televisivas de Bill Cosby, sorprenderá en esta película con su sensual actuación, siendo ganadora en  1988 del premio a la mejor actriz joven. Se comenta que Rourke improvisaba y rompía el guión cosa que era replicada por Pobert de Niro, sospecho que para desesperación del director.

Para el recuerdo dos escenas: Robert De Niro y el huevo, con esas uñas larguísimas quitándole la cáscara, y donde le cuenta a Angel que en algunas culturas el huevo simboliza el alma; y la escena de sexo entre Mickey Rourke y Lisa Bonet,donde empieza a emanar sangre de las paredes, del techo, de toda la habitación.

Intercalada entre los créditos finales, hay con una última escena, donde Harry dentro de un viejo ascensor (del que irán apareciendo flashes durante toda la película) continúa descendiendo.

Como curiosidad señalar que para el papel de Louis Cyphre - se pronuncia en la película “Lui-Zaifer” (Lucifer) - se pensó en  Marlon Brando, mientras que para Harry Angel estuvieron en cartera desde Robert De Niro, Al Pacino y Jack Nicholson.

La película ganó cierta popularidad polémica antes de su estreno, por la escena de sexo que aparece en la película entre Mickey Rourke y la aparente menor Lisa Bonet. Y curiosamente la película recibió críticas opuestas, y económicamente no tuvo un gran éxito, pero después de lanzarla al mercado del VHS se convirtió en una película de culto. La distribuidora fue Carolco International.

La producción estuvo a cargo de producida por Mario Kassar & Andrew Vajna, mientras que el montaje dependerá de Gerry Hambling.

Un papel estelar tendrá en la película la música a cargo de Trevor Jones y la fotografía que será asumida por Michael Seresin.

Como anécdota contar que durante los títulos de crédito se puede ver un ascensor, que ha salido, alguna vez durante la película en las visiones de Harry Angel, pero que en este caso va descendiendo hacia los infiernos. Igualmente señalar que durante esos títulos y en un fundido en negro se escucha un susurro que dice ¿Harry? ¿Johnny?.

La película no cuida excesivamente los detalles, no digo los de racord -como que veamos coches ochenteros en la década de los cincuenta-, sino de guión, ya que hay una absoluto desconocimiento ontológico y metafísico de lo que es el alma, pero también de los más elementales principios de la magia negra y el esoterismo afroamericano. En Imdb he encontrado algunos anacronismos curiosos. Por ejemplo, supuestamente ambientada en 1955, aparecen modernas señales de tráfico en Nueva Orleans. La película está ambientada en enero de 1955.  Cuando Ángel va a la clínica de la cosecha Sarah Dodd, que tiene una pistola en su maletín, una Smith & Wesson modelo 38 guardaespaldas, que no se fabricó hasta 1957.

Otros errores son que cuando Harry Ángel llena un vaso para Epifanía en su hotel, pone menos de la mitad de una copa y comienza a beber,pero en la siguiente escena, el vaso está lleno. Cuando Harry intenta evitar a los dos matones del diabólico Ethan Krusemark mediante la compra de ostras  aunque termina en el suelo al ser atacado por su perro. Si se mira atentamente, se verá como el sombrero del vendedor de ostras aparece y desaparece de su cabeza de un breve plano a otro. También en esta escena Cuando los dos matones y el perro están atacando a Harry, y tenerlo en la espalda, el bulto de una rodillera se puede ver en la pierna del pantalón derecho.

Cuando Harry Ángel hace pasar por un funcionario (Harry Conroy) del Instituto Nacional de Salud en el hospital privado a las afueras de Poughkeepsie, en el final de su conversación con la enfermera, sus gafas desaparecen entre los disparos penúltimo y último de la escena.

Después de que Harry descubre que el Dr. Fowler muerto, él enciende un cigarrillo y la cámara muestra un primer plano de la pistola en la mano del doctor Fowler, no totalmente comprendido, apuntando hacia el lado izquierdo de su cuerpo. En la siguiente escena Harry se va a tomar la Biblia con el interior de munición y la pistola está apuntando hacia el Dr. Fowler.

El crédito para "Extras Casting" está mal escrito, sin la T por primera vez como "Exras Casting". Igualmente cuando Cuando Ángel descubre el cuerpo de Margaret Krusemark, un pulso en el cuello es claramente visible algo que también ocurre con la última escena que muestra el primer plano del cuerpo del Dr. Fowler se respira claramente, haciendo que la foto en su pecho se eleve.

La película tuvo localizaciones en Nueva York y en Nueva Orleans u otros lugares de Lousiana y en New Jersey, así como en Connie Island.

Algunos críticos norteamericanos dijeron de ella que "Tiene la inestable lógica de una pesadilla, en la que nada encaja y todo parece inevitable, (...) sobre todo es un exuberante ejercicio de estilo, en el que Parker y sus actores disfrutan llevando la película al límite” "Espectacular diseño de producción de Brian Morris y un precioso y sombrío trabajo de fotografía de Michael Seresin. (...) Mr. Parker es un muy buen técnico que necesita un buen guión, que es lo que falta aquí. En cada una de sus piezas, 'Angel Heart' parece mucho mejor de lo que resultan unidas, sin interrupción, de principio a fin."

Otra crítica señalaba que "Con una atmósfera inquietante y sucia muy lograda, que muestra primero el misterio oculto en un escenario urbano y después los campos sureños de Estados Unidos poblados por fanáticos religiosos, Parker desarrolla con maestría un descenso a los infiernos apoyado en una fluida narración que va deshaciendo la intriga poco a poco mientras se suceden una serie de hechos paranormales hasta llegar a un final que revela el significado de elementos metafóricos como los ascensores y los ventiladores, aunque quizás su precipitación sea uno de los pocos lunares del film, junto a cierta escena en la que creo que Parker enseña más de lo que debería...."

Habría que mencionar también la música de Trevor Jones, que ayuda a crear ese misticismo religioso con un gran score mezclado con canciones antiguas.

La censura de la época se encargó de colocar la etiqueta X en su calificación moral debido a la impactante escena de sexo entre Rourke y Bonet, lo cual propició que su repercusión comercial no fuera la deseada. De todas formas, el tiempo ha colocado a este infravalorado film que mezcla a la perfección el cine negro más clásico con el terror, en el lugar que se merece.

"La carne es débil Johnny, sólo el alma es inmortal...y la tuya me pertenece"

Escrito por recursosghaverroes el 27/01/2012 19:53 | Comentarios (0)

Un funeral de película

Es este periodo de recuperación de mi memoria cinematográfica perdida. Me he encontrado con una película de los noventa y, para mí, ya olvidada. Su director un norteamericano de origen, creo, italiano: Abel Ferrara. Este director es conocido, al menos, en mi caso por tres  películas. La primera, una que acabo de darme cuenta de que Ferrara es el autor de Ángel de venganza, una escabrosa historia sobre una mujer violada que decide vengarse, Ferrara obtendría magníficas críticas y daría un salto cualitativo en su carrera.  La segunda,  un monumento a la corrupción policial, o más bien, a la pérdida de valores, “El Teniente corrupto”  una película de 1992 que, el pasado año, tuvo un remake. La tercera es la que vi anoche. Su nombre “El funeral”.

The Funeral es una gran película de gansters con Christopher Walken y Chris Peen que ganó el premio al mejor actor de reparto en el festival de Venecia 1996. Es una película dramática-criminal dirigida por este director de ascendencia italo-irlandesa y fue protagonizada por los ya nombrados  Christopher Walken y Chris Penn. También participan Annabella Sciorra, vinculada igualmente con la producción, Isabella Rossellini, Vincent Gallo, así como un jovencísimo y brutal Benicio del Toro y Gretchen Mol.

En el guión participó su amigo de juventud Nicholas St. John, mientras que como ingeniero de sonido estará otro compañero de colegio John McIntyre, compañeros ambos de  estudios en Peekskill, Nueva York.

La historia consiste en el funeral de uno de los tres hermanos de una familia de mafiosos de Nueva York en los años 1930. Detalla mediante flashbacks el tortuoso pasado de los tres hermanos y sus familias. La película es notable por su impactante clima. Chris Penn como ya he dicho ganó el premio al mejor actor de reparto por su papel de Cesarino (Chez) en el Festival de Venecia de 1996. En 2009, la revista Empire colocó la película en el número 16 de la lista de las "20 mejores películas de gángsters que no has visto".

La película comienza con el funeral de uno de los hermanos Temple (o Tempio), tres violentos criminales. Los Tempios son un clan mafioso dirigido por tres ambiciosos hermanos. Cuando se inicia la historia, toda la familia está reunida para asistir al funeral de Johnny, el hermano menor que se supone ha sido asesinado por Gaspare Spaglia, su máximo rival en el mundo del crimen. Ante su ataúd, sus dos hermanos mayores, Ray y Chez, dos hombre torturados por su violento pasado, claman venganza. La vendetta ha comenzado y nadie está libre de ella. Chez y Ray están de duelo por la muerte de su hermano Johhny (Vincent Gallo). Ray es frío y calculador. Chez es de temperamento fuerte, más bien, temperamento cercano a la locura. Con diversos flashbacks muestran que Johnny era más sensible y el que tenía ideas más sociales. El jefe del clan familiar, Ray (Christopher Walken), sospecha que Gaspare  Spoglia , el gángster rival, interpretado por Benicio del Toro, es el responsable de la muerte de Johnny. Ray y Chez juran venganza. La esposa de Ray, Jeanette (Annabella Sciorra), se opone a la campaña de respuesta militar y a la violencia que eso causaría, mientras que la esposa de Chez, Clara (Isabella Rossellini), lucha con la naturaleza obsesiva de su marido. Helen (Gretchen Mol) la novia de Giovanni “Johnny” vive ajena a la guerra que puede iniciarse.

En el velorio de Johnny (Vincent Gallo), el menor de los hermanos Tempio, Ray (Christopher Walken) y Chez (Chris Penn) sienten la necesidad de vengar su muerte. Según la noche avanza, mediante los recuerdos de Ray y Chez vivimos el pasado de la familia, sus negocios y la sangre derramada.

Aunque muy apegados, los tres hermanos son muy distintos en sus personalidades, ideología política y filosofía de la vida. Ray, el más fuerte, racional y cruel de los tres, contrasta con el temperamental y violento Chez y el cautivador Johnny, quien simpatiza con la izquierda.

Las mujeres en sus vidas son igualmente diferentes. Jeannette (Annabella Sciorra), la esposa de Ray, educada e inteligente, expresa sus opiniones aunque choquen con las del marido. Clara (Isabella Rossellini), casada con Chez, es callada, sensible y sufrida. La tímida Helen (Gretchen Mol) es la bella novia de Johnny.

La película gira alrededor del misterio del asesinato de Johnny. El sospechoso principal es Gaspare Spoglia (Benicio del Toro, en una impresionante caracterización), cuya mujer había engañado abiertamente a su marido con Johnny.

Esta vez nos arrastra a los años 30, cuando la depresión devastaba a Nueva York y las huelgas desgastan tanto a los empresarios como a los obreros. Johnny, un gánster pero también un cinéfilo empedernido, se muestra cercano a la posición de los obreros, de hecho acude a las asambleas de los sindicalistas socialistas, comunistas y anarquistas.

Pasado y presente, en El funeral, se realimentan poderosamente. De hecho vemos el pasado en el que el jefe de los Tempio, el padre, ordena a Ray asesinar a un traidor, cuando Ray es solamente un niño. Un nuevo flash-back al pasado nos muestra a Chez en el velatorio de su padre que se ha suicidado modélicamente para Chez. Si el presente alrededor del féretro impregna de oscuridad a los viejos tiempos, éstos se ocupan de destejer la tramposa normalidad de los Tempio, que lloran la muerte de Johnny como si fueran una familia convencional. Y a medida que avanza, el pasado (y la certeza de que estos gángsters también cultivan el arte de la venganza) abona la sensación de que el velatorio no es más que la tensa calma previa a una nueva tormenta, todavía más difícil de capear. En “El funeral” el tiempo importante es el tiempo cerebral, en la cabeza del muerto, la onda expansiva de un funeral que descompone la estructura temporal del pasado-presente-futuro. “La gente como tú no tiene respeto a la vida.” Es otra conclusión de Ray (Christopher Walken).

Ray carga con buena parte de la trama sobre sus espaldas. Su conflicto es esencialmente interno, y muchas veces lo verbaliza, como cuando desgrana frente a una pobre víctima los "principios" que lo impulsan a gatillar. Esas palabras convierten al personaje de Walken (alter ego de Ferrara, junto con Harvey Keitel) en un fascinante analista de la psicología de los gángsters, y de su propio rol, sin conspirar un ápice contra su convicción dramática. El hartazgo de las mujeres (algo que expresa Sciorra cuando festeja la muerte de Johnny frente a su novia, porque "así no serás la triste esposa de un mafioso") y el descontrol de Chez, que sublima brutalmente las pasiones reprimidas por sus hermanos, completan los movimientos de El funeral, film negro si los hay, especie de sinfonía sórdida acerca de la enorme dificultad de sacarse de encima un pesado mandato socio-familiar. Sin embargo, al descubrirse el verdadero asesino, nos lleva a examinar la carga de los lazos familiares, qué constituye justicia, y hasta dónde puede terminar el legado del mal tras generaciones de violencia.

Frente al esquema clásico, siempre centrado en las guerras entre familias o clanes rivales, El funeral ofrece la historia de una familia. La de los tres hermanos Tempio y sus aparentes dóciles esposas, encabezadas por Annabella Sciorra. Sin prisa ni pausa, el devenir de la trama se encargará de desarmar estos y otros falsos indicios.

Todas son apariencias en El funeral, hasta que la muerte las desmiente. Allí radica buena parte de la incomodidad. En el velatorio de Johnny está el tiempo presente, que se adueña por largo rato –acaso excesivamente– de la historia, al punto que surge la sensación de que ningún evento contante y sonante la sacará de allí. Los flash-backs, luego, irán pintando a cada uno de los hermanos: al muerto, como un hampón sui generis, simpatizante del socialismo, asistiendo a unos mitines del partido comunista que lo dejan sumido en una solidaridad abombada y perpleja. A Chez como un gángster brutal, irracional y tosco, cómodo propietario de un bar en el que confluyen graneados representantes de la pesada del barrio (uno de ellos fantásticamente encarnado por Benicio del Toro). A Ray como el capitán de una empresa fraternal ligada con las mafias sindicales, cosa que choca con las incipientes convicciones de su hermano menor. Pero este mismo Ray da órdenes terribles a los suyos y en un momento dado cuando piensa que el asesinato es Gaspare declara a sus secuaces: “Mata a Gaspare. Ya sabes, en el jardín de su casa, delante de sus hijos y de su mujer.”

La música es de Joe Delia es magistral. Empieza con una canción de Billie Hollyday que para nada te remite a la tragedia, el resto sencillamente genial especialmente los bailes de los 30 y la canción interpretada por Chez en su bar. La buena música se hace acompañar de la lograda fotografía de Ken Kelsch, que da unos toques metálicos y un color frío, tenebroso y grisáceo a toda la película.  La producción estuvo a cargo de Mary Kane, mientras que la Edición es obra de Mayin Lo, Jim Mol y Bill Pankow. La escenografía sobria e imponente de Charles Lagola, impecable en la estética de los años 30 y con esos trajes de 3000 dólares como el de Gaspare o los vestidos de ellas.  La duración la justa, 99 minutos. Fue distribuida por Octuber Films.

Los secundarios soberbios acompañan a los hermanos Tempio Sali ( John Ventimiglia) Ghouly (Paul Hipp), Michael Stein ( David Patrick Kelly), Bacco (Frank John Hughes) , Julious (Victor Argo) o Paul Perri como el Joven Ray.

La película es cruda, repulsiva, indigesta. Los mafiosos son lo que son; seres deplorables, volubles y monocordes. No hay nada de romántico en ellos. Habitan un mundo estrecho, por opresivo, y son personajes extremos, que viven un desenlace constante, de tensión, de metáfora apocalíptica.

La cinta recoge esa imponente intensidad emocional. Tan buena es la caracterización de los actores como la recreación de las pocas horas en que tiene lugar la acción, así como la conducción de la historia, con pulso, e incluso con intriga, hacia un final que realza la metáfora y quizá resbala un poco por ser demasiado redondo.

Las subtramas son variadas. El sindicalismo, el comunismo, la esquizofrenia, la política, la religión y la familia como parte del sentimiento que abarca cada uno y los problemas matrimoniales. El final es meramente anecdótico por muy impactante que resulte.

El error al ver esta película es verla esperando ver otra película de gángster repleta de tiroteos. En “The funeral” el mundo de la mafia sólo está como telón de fondo y apenas hay tiros, no es el motor principal de la película. Por lo que se ve, parece que lo que Ferrara pretende es ver como vivirían una situación realmente dramática los miembros de un clan mafioso, desarrollar la tensión dramática y como asumen la situación. Por eso matan al hermano menor y le dan una personalidad carismática, que, por cierto, ha sido interpretada con bastante solvencia por parte de Vincent Gallo.

Odisea en los tiempos modernos

La película que vi anoche comenzaba con una voz en off que decía lo siguiente: “"Mi nombre es Elia Kazan, soy griego de sangre, turco por nacimiento, y americano porque mi tío hizo un viaje"

América, América es una película dramática del año 1963 dirigida, producida y escrita por Elia Kazan, basada en el libro escrito por él mismo. Este drama tuvo en Gran Bretaña el curioso y absurdo título de “La sonrisa de Anatolia”.

Este cuento épico basado esencialmente en la vida del tío de Kazan, en el que aparece un número reducido de actores, y donde el argumento se centra casi exclusivamente en el personaje protagonista interpretado por Stathis Giallelis. Este joven actor griego, que tenía 22 años en la época del rodaje, aparece prácticamente en cada escena de este viaje iniciático de casi tres horas de duración.

La película está interpretada por actores desconocidos o casi y con una realización completamente alejada del academicismo hollywoodiense. Llama la atención pues Elia Kazan había rodado ya sus más famosas películas en Hollywood. Por tanto no es una cinta al uso del director, ni de la época, ni en el empleo de la técnica, ni en el ritmo narrativo.  La película destaca por lo bien trazado que está el protagonista. Un personaje muy humano, con sus virtudes, entre ellas la perseverancia, y sus muchos defectos puestos en primer término, sin ser idealizado en ningún momento.

La película empieza en los últimos años del siglo XIX, donde el joven griego Stavros Topouzoglou (Giallelis), que vive en una pobre población del interior de la meseta de Anatolia es testigo de la brutal opresión de los turcos sobre el pueblo armenio. Víctima de ello será su amigo Vartan Damadian (Frank Wolff), quien fallece en una expedición de castigo con los armenios. Ante el temor de que los griegos sean los siguientes, es enviado por su padre a la capital turca Constantinopla [renombrada Estambul en 1930], para trabajar en el negocio de su primo (Harry Davis), aunque su sueño es viajar a la tierra de las oportunidades, América. Como buen griego empieza ahora su odisea. La misma  comienza con un largo viaje a la capital pasando por Ankara en burro y a pie por donde pasa por decenas de pueblos empobrecidos por la mala situación del país.  Debido a su naturaleza amable y a su ingenuidad, se deja embaucar con mucha facilidad por un turco compañero que conoce en el camino y que le privará de tanto el dinero como de las joyas y de las mercancías (alfombras del ajuar de su hermana y carne ahumada). Acabará matándole con el cuchillo regalado de su abuela.

Llegará a la casa de su primo sin una lira. Ya en casa del primo se encuentra a un viejo desilusionado por el estado de su empresa, que ha caído en la ruina más absoluta. El anciano está dispuesto a salvar su negocio proponiendo a Stavros que se case con Thomna Sinnikoglou (Linda Marsh), hija  de Aleko, un mercader próspero ( Paul Mann ). Stavros cree que ese matrimonio significaría el final de su sueño americano y lo rechaza con el consecuente disgusto de su tío, a pesar de carecer de algo esencial: las 110 libras turcas del coste del pasaje.

Después de esto, vemos a Stavros como un mendigo por las calles de la capital, sobreviviendo a base de comer carne disecada y trabajando en trabajos infrahumanos como porteador en el puerto. Después de casi un año, consigue fiarse de un compañero y algo de dinero. Pero en un encuentro con una prostituta  tan bella como malvada (Joanna Frank) lo deja sin dinero otra vez. Volviendo a la pobreza más extrema, el personaje encuentra una vivienda en la zona más pobre y superpoblada de la capital. Pero ésta se convierte en la zona donde el ejército gubernamental se ensaña con la población por ser el vivero de anarquistas y revolucionarios. Gravemente herido en una persecución contra los anarquistas, en la que muere su amigo estibador, Stavros completamente inconsciente y moribundo es apilado junto con el resto de cadáveres. Se salva por casualidad al caerse del transporte de  un montón de cadáveres que iban a ser eliminados en el mar, y lograr regresar a casa de su primo. Éste, apenado por su situación, le permite quedarse en casa y Stavros, completamente decepcionado de todo sueño americano, acepta casarse con la hija del poderoso mercader. Antes de producirse el mismo, su futuro suegro le regala un piso cercano a la vivienda del rico comerciante. A pesar de ello, Stavros no es feliz, acabando por confesar a su prometida sus intenciones de juntar todo el dinero posible para emigrar a los Estados Unidos. Una situación que no agrada a su novia pero que, por amor, respeta.

Poco después, Stavros se reencuentra con Hohannes Gardashian (Gregory Rozakis), un joven armenio al que conoció en su pueblo, y que será la persona que le mete en la cabeza de idea de ir a América. Hohannes Gardashian  le informa que puede obtener un billete en el barco para América, si justifica un trabajo. Stavros cancela sus intenciones de casarse y embarcarse. Entre tanto Stavros mantiene un romance con la esposa insatisfecha y griega (Katherine Balfour) de un anciano hombre de negocios americano (Robert H. Harris), un viejo conocido de su anterior futuro suegro. Durante el viaje a América, el anciano, que descubre el romance de Stavros con su mujer, y acusa al joven de haberle intentado asesinar, por lo que avisa a la policía para que lo deporten al llegar a Nueva York. Cuando todo parece perdido, Hohannes, que ha contraído la tuberculosis, se suicida y permite que Stavros se haga pasar por él en el control de inmigración. Stavros pone sus tribulaciones detrás de él, y comenzando como un limpiabotas y la recolección de los centavos y los dólares que a la larga traerá a su familia a la tierra donde sus descendientes, entre ellos Elia Kazan, tendrá la oportunidad de desarrollar su potencial. Comenzando así su sueño americano, trayendo con los años a toda su familia – menos a su padre- a los Estados Unidos.

Un símbolo en el sombrero. El llega en el barco con su sobrero griego, sin embargo, consigue gracias a su amante un sobrero de paja con el que desembarca y besa el suelo.

La película obtuvo diversos premios internacionales tales como cuatro nominaciones a los oscars ( mejor película, mejor dirección y mejor guión adaptado – ambos a Elia Kazan - , así como a la  mejor dirección técnica y artística en blanco y negro para Gene Callaghan, siendo éste último el premiado. Por cierto, fue Gran Concha de Oro en el XII Festival de cine de San Sebastián.

América, América fue filmado en 1.66:1 en 35-milimetros. Se presentó en Nueva York, el 15 de diciembre de 1963. Entre el verano de 1964 y la primavera de 1965, había sido estrenado en casi todas las ciudades de Europa. Fue distribuida por la Warner Bros.

En 2001, Estados Unidos, América como seleccionada para su preservación en los Estados Unidos en la National Film Registry de la Biblioteca del Congreso por su valor "cultural, histórica o estéticamente significativas”.

A favor de la película su papel de documento de un Imperio Otomano  multiétnico y poco respetuoso a las minorías sobre todo Armenia y griega, que culminará con el genocidio Armenia ocurrido durante la primera guerra mundial o la persecución de los griegos coincidente con el conflicto surgido a raíz de la derrota y proclamación del estado turco. La duración del filme es extensa aunque los 177 minutos no se hacen aburridos en ningún momento dada la situación de Stavros Topouzoglou.

La música de Manos Hadjidakis resalta el valor antropológico de la película, adaptándose a las situaciones: la taberna en la aldea de Anatolia, el baile en el burdel con su compañeros ladrón, el baile en la alta sociedad de Estambul en casa de su novia o el baile  desorbitado en el barco, al igual que en otros momentos resaltan la intensidad o el dramatismo. La música de Manos Hadjidakis crea un ambiente acertadísimo, con el uso de instrumentos populares, especialmente la cítara.

La fotografía en blanco y negro corrió a cargo de Haskell Wexler. Destacan los primeros planos del protagonista Stavros a lo largo de toda la película. Técnicamente destaca por una luz muy clara y contrastada, acentuando el realismo de los fotogramas, que resalta los negros cabellos y las barbas enredadas, la suciedad, la palidez del desierto, el polvo...  Esa fotografía realista encaja a la perfección con las ajustadas interpretaciones de los actores (su prometida y el padre de ésta están especialmente brillantes), realzadas con expresivos primeros planos, y con las acusadas elipsis que hay en el desarrollo de la trama que le dan un tono seco y cortante a la película que se ajusta especialmente bien a lo que te están contando, al igual que el recurso de la cámara al hombro que también se usa con cierta frecuencia. La fotografía de Haskell Wexler recrea, a buen seguro por expreso deseo de Kazan, en algunos momentos el expresionismo alemás, como por ejemplo en la modélica escena del baile con el matrimonio Kebabian.

Por todo ello la autenticidad que se respira es, creo, el principal logro de la película. A ello ayuda también que el origen teatral de Kazan, muy presente siempre en su cine (para bien o para mal sería otro tema), es aquí menos acusado, tanto en la construcción de las secuencias como en la interpretación de los actores, algo más plácidos y menos exageradamente teatrales que en otras ocasiones. Quizás sea uno de los motivos por los que la película avanza de forma ligera pese a sus tres horas de duración junto a, por supuesto, la coherencia formal de la que hace gala y el fantástico guión.

Fue rodada en los estudios Alfa Studios  de Atenas,  en Grecia, Estambul (Turquía), Nueva York, así como en los Estudios Warner Brothers Burbank en Los Ángeles.

Las preferencias de los directores por algunas de sus obras suelen decir mucho acerca de ellos, por lo que no es algo menor el hecho de que Elia Kazan considerase este filme como su preferido, aquel que más lo representaba como persona. Además al estar basado en una novela suya, e inspirada en una historia familiar, América América es una reconstrucción de dimensiones casi épicas de los enormes infortunios que debían sufrir los inmigrantes antes de siquiera intentar ganarse la vida una vez llegados (aunque, por supuesto, la historia tiene varios trazos de "el sueño Americano").

"En buena medida, es la suma de las historias que mi abuela me contaba cuando yo era pequeño. Es la leyenda de mi familia, de cómo llegó mi familia a este país", explicaba el director en una extensa entrevista concedida a Jeff Young en torno a la que valoraba como una de sus películas favoritas.

Polémico hasta días recientes a causa de sus actitudes políticas, pero admirado a su vez hasta por cineastas de la Revolución Cubana, Kazan ha logrado un sitio seguro entre los grandes maestros del cine. Es una buena oportunidad, entonces, para acercarse a una de sus películas menos conocidas y, en sus propias palabras, más representativa.

Curiosamente este luchador y defensor de América como tierra de promisión estará involucrados en una de las historias más turbias del cine norteamericano: la persecución a comienzos de los 50 de los comunistas por el maccarthismo reinante en los Estados Unidos y Hollywood, lejos de hallarse al margen, es uno de los principales objetivos. Ante la disyuntiva de colaborar con los tribunales o arriesgarse a una marginación de la industria, en 1952 Elia Kazan se presenta voluntariamente a declarar ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas, delatando a varios miembros del Partido Comunista, del cual él mismo había formado parte. 
Dos años después de este episodio, se estrena Nido de ratas, una película que habla de los dilemas entre de colaborar con la investigación policial o encubrir el crimen de quienes hasta ese momento son sus amigos y compañeros

En el film resulta suficientemente explícita la voluntad de Stavros por alcanzar semejante objetivo desde el momento que impele a su abuela que le de sus ahorros en cumplimiento de una promesa.

Digamos que Kazan transformó uno de los enunciados básicos de su propia novela y de una historia titulada Hamal, durante la preparación del film: "Me repetía a mí mismo que América era un sueño de libertad total en todos los sentidos (...) América tenía una responsabilidad respecto del sueño; el sueño tenía una responsabilidad respecto del soñador".

Todo el film gravita sobre este enunciado, la búsqueda de un deseo, de un ideal de libertad, una ensoñación a través de la mirada de Stavros, que la fotografía de Haskell Wexler potencia encuadrando sus ojos en primerísimos planos y dejando el resto en una zona de penumbra. Un recurso visual que nos compromete si cabe aún más con el viaje iniciático de Stavros.

La película dibuja un panorama social lleno de contrastes, desde la chabola donde reside la familia de Stavros hasta el lujoso inmueble de la familia de su prometida, Vasso (Elena Karam). Pero el peso de la tradición, de una dinámica familiar que se transmite de generación en generación y que reserva a la mujer un papel subsidiario -extraordinaria la secuencia en la que el padre de Vasso relata incluso cómo será el día de su funeral-, no hacen desistir a Stavros de su deseo por llegar a la "tierra prometida".

América, América podría haber sido concebida al más puro estilo hollywoodiense, permutando los rostros de Giallelis, Vartan Damadian o Elena Karam por los de Sal Mineo, Montgomery Clift (protagonista del film de Kazan, Río salvaje) o Irene Papas, todos ellos actores con una amplia o una considerable experiencias escénica y/o cinematográfica, y que presentan un razonable parecido físico con los primeros.

Kazan, quien por aquel entonces había sufrido la pérdida de su esposa y por esta razón, entre otras, atravesaba un periodo crítico, descartó semejante opción y logró materializar un sueño que transciende valor de su propia experiencia profesional y lo acondiciona a su propio conocimiento y exploración de sus raíces.

Sin duda, una obra maestra, de visión obligada para conocer la historia de los ancestros de una personalidad fundamental del cine y del teatro del siglo XX, al tiempo que asistimos a una lección cinematográfica de primera magnitud.

Escrito por recursosghaverroes el 25/01/2012 15:09 | Comentarios (0)

El irlandés negro

La dama de Shangai (en inglés:The Lady from Shanghai) es una película 1947, dirigida por Orson Welles en la que trabaja el mismo Welles, su esposa Rita Hayworth y Everett Sloane. Está basada en la novela If I Die Before I Wake de Sherwood King.

La dama de Shanghai es un relato de cine negro que incluye una trama policiaca y una serie de personajes que viven en el filo, una complejidad en su resolución, y la participación de una imprescindible "mujer fatal", aquí interpretada por una Rita Hayworth memorable.

Por su parte el guión, obra del propio Welles es bastante atractivo principalmente en la descripción de personajes, a pesar de los complejo de la trama, la excesiva utilización de la inevitable voz en off- magnífico el tono de Welles en la versión original- y la forma un tanto apresurada y farragosa en que se suceden los acontecimientos hacia el final.

Michael O'Hara (Orson Welles) es aparentemente un hombre normal y corriente, que una solitaria noche conoce a una mujer enormemente fascinante, Elsa (Rita Hayworth) una hermosa rubia mientras ella pasea en un carruaje tirado por caballos en Central Park. El primer encuentro entre el protagonista Michael O'Hara (Welles) y Elsa (Hayworth) en Central Park reinterpreta una situación recurrente en el cine negro -la fascinación que despierta la mujer de turno en el protagonista de turno- proponiendo mediante la puesta en escena la posición de ambos personajes en el relato y su progresivo acercamiento: así ella aparece como pasajera solitaria (esto ya debería prevenir al espectador) de un coche de caballos, mientras que el marinero O'Hara no es más que un «imbécil» que queda prendado por la belleza de la mujer -la posición de superioridad de la mujer frente al hombre en ese momento es evidente-. Cuando tres forajidos atacan el carruaje, Michael la rescata y la acompaña hasta su casa. Michael le cuenta que es de profesión marino, y antiguo combatiente republicano en la guerra civil española, y se entera que Elsa y su esposo, el famoso abogado defensor criminalista Arthur Bannister (Everett Sloane), baldado, acaban de llegar a la ciudad de Nueva York provenientes de Shanghai.  O'Hara salva a la mujer del ataque de unos torpes delincuentes y la acompaña en el coche de caballos a recoger su automóvil, ella no deja de mantener esa posición privilegiada, aun cuando O'Hara termina sentado al lado de ella. La conclusión de esta larga secuencia de presentación que aparentemente concluye con un O'Hara "vencedor" -incluso se permite despreciar a la mujer con ese divertido «es fácil, sólo hay que apretar el gatillo»- ya conocedor de que es una mujer casada, en realidad es todo lo contrario, como demuestra el hecho de que aparezca ya el Sr. Grisby (Glenn Anders), casi de manera fantasmal y que puede pasar desapercibido en un primer visionado del film, pero su función no deja de ser la de avisar precisamente de la trampa de la que O'Hara será la víctima.

Acabará  trabajando en su pequeño barco, y cómo no, enamorándose de ella. Debido a esa fascinación, se verá envuelto, muy a su pesar, en un peligroso juego de intriga y asesinatos. Se encuentran de paso hacia San Francisco por el Canal de Panamá. Michael, “el negro irlandés” – tal y como se le llama en la película-  atraido por la belleza de Elsa acepta enrolarse como marinero en el yate de Bannister.

Durante la larga travesia, en el yate del marido de Elsa, el prestigioso abogado Arthur Bannister (Everett Sloane), donde al final O'Hara termina trabajando pese a su reticencia inicial. En principio, se enrola para realizar como capitán de barco un viaje al Caribe. De ahí pasan a México. Allí se incorpora el socio de Bannister, George Grisby(Glenn Anders), otro intrigante personaje. En una extraña conversación sobre la muerte le explica como mató a un hombre por ser espía de Franco  en Murcia.

Las relaciones entre los cuatro personajes principales -Michael, Elsa, Bannister y su socio Grisby- cobran una importancia vital y Welles en su faceta de director muestra un buen repertorio de recursos narrativos: a) Los primeros planos de Grisby, un personaje mezquino y ruin a más no poder, le describen a la perfección, con su mirada perdida en el cielo y su continua y repugnante suduración. Cuando éste propone a O'Hara que mate a alguien por una buena suma la secuencia roza la perfección: los primeros planos de Grisby tanteando a O'Hara, y los contraplanos de éste sorprendido e indudablemente interesado; el plano picado magistral que encuadra al abogado en primer termino y el fondo del acantilado en el que se encuentran en segundo termino; y ese primer plano final del rostro desencajado de Grisby que desvela a O'Hara que debe asesinarle a él. b) La fascinación y la desconfianza que trasmite Elsa, siempre expresada mediante la planificación y la fotografía: ella tumbada en el yate cantando mientras la cámara la sigue con delectación ; mientras toma el sol en la roca y se baña, es mirada por el repelente Grisby a través de unos prismáticos, colocando al espectador en la posición de voyeur; el encuentro nocturno de Elsa y Michael en el pueblo, tras dejar ella a su marido en el restaurante, que sitúa a los dos, de manera provisional al mismo nivel, con un travelling que sigue a la mujer entre las calles del pueblo que termina con el reencuentro de ambos, fundiéndose en un beso: memorable momento...

Más tarde, y luego de levar anclas, George le propone a Michael lo "asesine" a él de manera de simular su propia muerte y poder cobrar su seguro de vida. Como compensación Grisby promete darle a Michael $5,000 y explica que dado que él en realidad no estará muerto, su cuerpo en realidad debe desaparecer, con lo que Michael no podrá ser condenado por homicidio (de acuerdo al principio de corpus delicti que prevalecía en esa época.) Michael accede a este plan, pensando en utilizar el dinero para huir con Elsa, con la cual ha comenzado una relación. Grisby hace que Michael firme una confesión.

Una vez de regreso a los Estados Unidos, la acción cobra mayor protagonismo y ya no habrá descanso para el espectador. Así la proposición de Grisby cobrará sentido (en realidad quiere simular su muerte, aunque las razones que esgrimen no se las hubiera tragado nadie en su sano juicio -por muy imbécil que se pueda llegar a ser-: es una de las lagunas de guión a las que me refería anteriormente) y la relación de Michael y Elsa se refuerza con su cita en el acuario.

Ante el hecho del crimen, Sydney Broome, un investigador privado, aunque también camarero o sirviente de Bannister- que ha estado siguiendo a Elsa por órdenes de su marido, encara a Grisby. Broome se ha enterado del plan de Grisby y que está planeando asesinar a Bannister, acusar a Michael del crimen y no aparecer como sospechoso al pretender que él mismo ha sido asesinado. Grisby le dispara a Broome y lo abandona para que se muera. Michael sin estar al tanto de lo que ha sucedido, continúa con el plan para la noche y despide a Grisby que parte en una lancha a motor; luego Michael dispara un tiro al aire para atraer la atención. Mientras tanto, Broome que se encuentra herido de gravedad se dirige a Elsa en busca de ayuda y le advierte que Grisby está intentando matar a su esposo.

Pensando que el plan ha sido cancelado, Michael llama por teléfono a Elsa para informarle, pero se sorprende cuando el teléfono es atendido por Broome. Las palabras póstumas de Broome son para alertar a Michael de que Grisby le está tendiendo una trampa. La resolución del ficticio asesinato es brillante y no deja respiro alguno: Grisby asesina al mayordomo de los Bannister enterado del plan que aquél a maquinado; Elsa encuentra al mayordomo moribundo y le explica lo ocurrido; Grisby y O'Hara se dirigen a la playa para realizar su representación, con el agobiante rictus del primero y su horrible carcajada como leit-motiv; Grisby huye en barca; O'Hara llama por teléfono a casa de los Bannister y el mayordomo aun vivo le revela qué ocurre. Al final Grisby si ha sido asesinado y O'Hara acusado del crimen, pero ¿quién ha matado en realidad al abogado?

Michael corre hacia la oficina de Bannister, llegando a tiempo para encontrar a Bannister aún con vida pero se encuentra con la policia que se está llevando el cuerpo de Grisby de la habitación. La policia rapidamente encuentra evidencia que prueba que Michael fue el asesino, incluyendo la confesión, y se lo llevan detenido.

En el juicio, Bannister se ofrece a ser el abogado defensor de Michael, y considera que el caso es más probable se pueda ganar si Michael se declara culpable de homicidio justificado, ya que existe mucha evidencia en contra de su cliente. La primera escena en el juzgado se presenta coherentemente con Elsa de protagonista: el juicio ya ha iniciado y ella entra en la sala mientras la cámara la sigue hasta su asiento... Welles prefiere conferirle a esta secuencia de juicio un tono cómico, incluso paródico -cf. Bannister interrogándose a sí mismo-, abundando los planos del público de la sala riéndose, manteniendo a O'Hara siempre en segundo plano, sin preguntarse siquiera sobre su inocencia, pues es obvia. Al avanzar el juicio Bannister se entera de la relación que su esposa mantiene con Michael y por lo tanto experimenta placer al sospechar que van a perder el caso.

Welles introduce mediante un ardid de guión una solución drástica para el juicio: O'Hara se toma unas cuantas pastillas de Bannister, y es llevado al despacho del juez del que consigue escapar... Michael logra escapar del juzgado fingiendo un intento de suicidio antes que se anuncie el veredicto.

Elsa lo sigue y ella y Michael se esconden en un teatro en Chinatown, el “Shangai Low”. Elsa irá en su ayuda y consigue esconderle de la policía para en realidad acabar con él, pues ella es la asesina. Elsa llama a unos amigos chinos, para que la pasen a buscar. Mientras Michael y Elsa esperan pretendiendo observar el show, Michael descubre que ella ha matado a Grisby. Llegan los amigos chinos de Elsa y se llevan a Michael, inconsciente, a una casa de diversiones abandonada. Cuando despierta, descubre que Grisby y Elsa han estado planeando el asesinato de Bannister y preparando todo para culparlo a él, pero que la entrada de Broome arruinó el plan y obligó a Elsa a matar a Grisby para así protegerse.

Al final, O'Hara explica -mediante la voz en off- lo ocurrido, mientras se muestra a él mismo cayendo por una serie de rampas y atracciones, sirviendo de metáfora a su recorrido durante todo el relato.

El ya mítico (y extraordinario) final del film termina con el tiroteo entre Bannister y Elsa, en la barraca de espejos, que se erige en un simbólico lugar que muestra la falseded y los diversos rostros con el que se presentan tan tétricos personajes, y ese antológico momento en el que O'Hara deja a Elsa (ese plano casi a ras de suelo con la mujer en primer termino y el marinero al fondo es monumental) sola, moribunda, abandonando la feria y ese episodio de su vida aunque, tal vez, nunca llegue a olvidar a tan bella mujer.

Realizada en 1947 por el gran Orson Welles en su época de mayor esplendor creativo, fue tratada muchas veces cómo una obra menor en su filmografía. Nada más lejos de la realidad, porque esta película es una auténtica muestra del buen hacer de este genio del cine. Y al igual que el personaje de Welles se sentía atraído por la fascinación de Rita Hayworth, el espectador queda atrapado por ella desde el primer minuto al último, por el enorme poder de fascinación que la película posee en absolutamente todos sus aspectos. Y es que uno de los mayores logros de Welles, fue el de saber combinar todos los elementos de los que disponía para acabar realizando un film casi inclasificable.

Su guión, enormemente conciso, lleno de giros, y cargado de diálogos sublimes dignos de ser enmarcados como el de los tiburones o sobre las cárceles del mundo, por cierto, O´Hara afirma que peor que las de España ninguna. Atención a la conversación final entre Welles y Hayworth en el Salón de los Espejos, absolutamente impagable con  juego de personalidades lleno de simbología entre los tres protagonistas de la historia. Su narración, con una fuerza pocas veces vista, y un enorme gusto por lo extraño, por decirlo de alguna manera. Ya el inicio es extraño, con una situación aparentemente forzada, pero que engancha rápidamente al espectador, gracias al poder de sugestión que poseen las imágenes de Welles.

Y es que la puesta en escena es de las de quitarse el sombrero. Jugando maravillosamente con el blanco y negro, más los grises, gracias a la fotografía de Charles Laughton Jr, ayudado por Rudolph Maté y Joseph Walker. Me encantan los fundidos en negro del beso en el acuario que combina con la llegada de un hombre, o las conversiones en contraluz en la noche mexicana en las que se ven algunas de las muestras propias del cine negro. Y usando la cámara de forma impresionantemente única, con movimientos arriesgados, y travellings innovadores, cuyo máximo exponente terminaría cuajando en esa obra maestra titulada Sed de Mal.

En tan sólo 83 (87)  minutos de duración, en otra lección de cómo contar una historia en poco tiempo, Welles mezcla misterio, drama y sexualidad de forma tan atrayente, que es imposible olvidar este film, enormemente influyente en el cine posterior, y diez millones de veces imitado, pero jamás superado. A ello contribuye, cómo no, la presencia de Rita Hayworth, tan fascinante cómo en ‘Gilda’, y componiendo un personaje de mujer fatal que se ve arropada nuevamente por el sonido de “Amada Mía” la canción de Gilda durante una noche en México. Como digo excelente interpretación de una rubia Rita Hayworth, a la que su marido por aquella época (si bien ya estaban a punto de la separación) cortó y tiñó el cabello pelirrojo que tan radiantemente había lucido en una famosa película anterior, "Gilda".

Elementos como el amor, la intriga o el suspense concurren en esta película de cine negro desplegados en una difícil y compleja trama, ensalzada por la brillante capacidad visual de Welles, que comprende todo ese lujoso barroquismo característico de su autor, la habilidad en la puesta en la escena y el montaje, en la utilización del sonido (a pesar de la perjudicial intervención de Harry Cohn) y la manera de crear una turbia atmósfera mediante la adecuada tensión establecida entre la imagen fotografiada soberbiamente por Charles Lawton Jr. y los diálogos escritor por el propio Welles, que marcan un nuevo y sobresaliente título, obra de un hombre clave para el devenir del cine mundial.

Orson Welles presentó con este título una película de audaz y brillante ejecución, planteada en una época que estilísticamente le quedaba ya muy antigua. Por esa razón sus compatriotas contemporáneos no supieron apreciarle, provocando en consecuencia un largo peregrinaje del escritor y realizador por tierras europeas en busca de financiación para sus próximos proyectos.

Como datos curiosos comentar como la película se rodó en  México, concretamente en la Bahía de Acapulco (Estado de Guerrero), en el Goden Gate Park, Acuario y en Chinatown, así como en las playas de San Francisco, en el Central Park de Nueva York, en Sausalito  y en Los Angeles en los interiores para la Sala de los Espejos (California). El coste de producción sumó los 2 millones de dólares.

Comentar igualmente que debido a un trabajo de pintura en un fin de semana el trabajo de Welles se encontró con la oposición del sindicato de pintores de los estudios. El yate de la película perteneció en la vida real a Errol Flynn al igual que el perro pequeño. No está acreditado pero Flynn realizó las fotografía aéreas e incluso aparece en una escena en los exteriores de la cantina. La escena de la casa de la risa era más larga, pero tuvo que recortarla. Igualmente señalar que la decisión de cortar el pelo a Rita fue de Welles, y este podría ser uno de los fracasos en taquilla. El productor Harry Cohn impuso a Welles la obligatoriedad de una escena cantada por Rita Hayworth, la canción  "Please Don't Kiss Me."

Everett Sloane era, principalmente, un actor de radio que no se movía muy bien en la película, por lo que introdujo muletas para el personaje.

De acuerdo con Orson Welles , esta película surgió de un acto de pura desesperación. Welles, cuya Mercury Theatre Company produjo una versión musical de "La vuelta al mundo en 80 días", tenía una necesidad desesperada de dinero justo antes de iniciar su gira por Boston. Pocas horas antes del espectáculo el vestuario había sido confiscado. Welles tendría que poner 55.000 dólares para pagar las deudas pendientes, niño debería ser cancelada.  Al tropezar con una copia de "Si me muero antes de despertar", la novela en que se basa esta película, Welles llamó a Harry Cohn , dándole instrucciones para comprar los derechos de la novela y la oferta de escribir, dirigir y protagonizar la película, siempre como Cohn enviaría $ 55.000 a Boston en dos horas. El dinero llegó, y la producción continuó como estaba previsto.

Escrito por recursosghaverroes el 24/01/2012 20:04 | Comentarios (0)

Siete samuráis

Ver un clásico siempre es un lujo. Y los "Los siete samuráis" es todo un lujazo por la calidad, por el director, por la película o por la duración de la misma con 205 minutos de gran cine. Es más la versión que he visto en VHS es la emitida por aquel programa de Garci "¡Qué bello es el cine!". Justo al acabar la película Garcia pregunta ¿Hay alguién ahí?.

Los siete samuráis es una película del director japonés Akira Kurosawa, estrenada en 1954. El director japonés obtuvo por ella el León de plata en la Mostra de Venecia, así como dos nominaciones al Óscar (dirección artística y vestuario). Igualmente fue premiada con dos Baftas a la mejor película extranjera y al mejor actor extranjero.

Los siete samuráis ha sido denominada como una de las películas más grandes e influyentes de la historia del cine, pues es origen de otras películas en otros géneros. Es una de las pocas películas japonesas que ganó fama y popularidad en un Occidente que ignoraba el cine japonés. Éste era considerado como una rareza durante muchos años, sin embargo, la aparición de Kurosawa puso a Japón en el mundo del celuloide. Ha sido una película aclamada tanto por la crítica como por el público; en 1982 fue elegida en la lista de Sight & Sound's de las diez películas más grandes de todos los tiempos, y entre las diez películas preferidas de los directores en las votaciones de 1992 y el 2002.

La película de Akira Kurosawa ha tenido varias adaptaciones, algunas mejor recibidas que otras. La primera fue la película Los siete magníficos, rodada en 1960 y protagonizada por Yul Brynner, en la que la acción transcurría en el lejano oeste y los siete samuráis eran sustituidos por siete pistoleros. Bastantes años más tarde, en 1998, se rodó un remake de esta película en formato de serie de televisión con el mismo título, Los siete magníficos. Constaba de 23 episodios de 60 minutos cada uno. En 1998 se estreno la pelicula de Pixar Bichos, una aventura en miniatura. Donde una colonia de hormigas es ocupada cada año por una banda de saltamontes para exigir su parte de la cosecha como tributo. Un aldeano es enviado para buscar guerreros que les ayuden a expulsar a los saltamontes. Flik se encuentra con siete artistas del circo que les toma por guerreros y los contrata. Más recientemente, en 2004, se lanzó en Playstation 2 el videojuego Seven Samurai 20XX, que se inspiraba en la película original, pero situándola en un futuro alternativo. En el mismo año, se lanzó la última, y mejor criticada, adaptación, titulada Samurai 7, una serie de animación para televisión de 26 capítulos producida por los estudios Gonzo que cuenta la misma historia de la película original pero situándola en una época entre lo futurista y lo tradicional japonés.

El guión de la pélícula es original, no basado en obra alguna. La maestría estuvo en manos de Akira Kurosawa, Shinobu Hashimoto, Hideo Oguni. La música corresponde a Fumio Hayasaka, y la fotografía - lógicamente en blanco y negro - es de Asakazu Nakai. Se inicia con la imagen de los ladrones observando la aldea y planificando su futuro asalto.

Cursi pero inolvidable

El menor de los míos ha ido creciendo rodeado de Phineas y Ferb, los Digimon, los Pokemon y compañía. Básicamente desconoce a Donald, Mickey, Goofy y al resto de la cuadrilla. Ante eso me he propuesto que tenga un ligero barniz – no puede tampoco vivir al margen de su tiempo – de cine de animación clásico. He empezado con la que puede ser considerada como un clásico entre los clásicos. De hecho fue la primera película en VHS que pedí para mi hijo. El tiempo pasa, y ya no se puede luchar contra Boing, Disney Channel o Clan, pero persistiré en mi intento.

En este 2011 hemos tenido en pantalla una Blancanieves. No hace tanto una turbadora Sigorney Weaver representaba a la madrastra de una Blancanieves casi terrorífica. Pero hoy nos referimos y toca la película de animación de Disney.

En el año 1937, Walt Disney Pictures estrenó la primera película de animación. El personaje era Snow White and the Seven Dwarfs basada en el cuento de los hermanos Grimm sobre Schneewittchen. Como en el cuento original, una malvada Reina, celosa de la belleza de su hijastra, ordena su asesinato, pero la joven huye y encuentra refugio en el bosque junto a siete enanos.

Esta versión fue dirigida por David Hand y el guión lo realizaron conjuntamente Ted Sears, Otto Englander, Earl Hund, Dorothy Ann Blank, Richard Creedon, Dick Richard, Webb Smith inspirándose en la obra de los Grimm.  La música estuvo a cargo de Leigh Harline, Paul Smith, Frank Churchill y se nominó su banda sonora original.  

Parece ser que la película es un remake del film “Blancanieves” (Dawley 1916). El rodaje se hizo con aportación de una ingente cantidad de trabajo personal y técnico, que supuso un gran esfuerzo de producción. Como hemos dicho fue nominado a un Oscar (banda sonora) y gana uno honorífico por sus logros técnicos y artísticos. Producido por Walt Disney para Walt Disney Pictures, se presenta en sesión de preestreno el 21-XII-1937 (Los Angeles.).

Disney se auto-hipotecó para sacar adelante lo que se denominó "la locura de Disney". Y tanto que fue locura, nadie daba un duro por un largometraje a color y con sonido sincronizado en los años 30, nadie menos Disney que no descansó hasta conseguir sacar adelante el proyecto. La obra fue un éxito y  hoy está considerada como una de las más taquilleras de la historia y la cinta de video más vendida.

La animación del film es colosal siendo aún a día de hoy difícil de superar, los personajes como los siete enanitos han marcado época, por no hablar de sus pegadizas canciones. El film suma elementos de comedia, animación, cuento de hadas, fantasía, musical, romance, terror, infantil y familiar. Su creación fue posible gracias al concurso de 750 artistas, 3 años de trabajo, un presupuesto de 1,488 M. USD y la producción de casi 2 millones (presupuesto de 2,8 millones de dólares ) de bocetos y dibujos. El trabajo lució un notable y loable perfeccionismo, que se vio superado en algunas obras posteriores, como “Fantasía” (Sharpsteen 1940). Los planos del film están llenos de vida (seres humanos, criaturas del bosque, árboles y fondos). El humor se basa, sobre todo, en las bufonadas de los enanitos y su gracia ingenua y disparatada. Componen situaciones llenas de ternura, cautivadoras, entretenidas y graciosas. Se eliminan los lances más duros, crudos y atroces de la obra literaria como la bailarina castigada a bailar con zapatos de hierro candente, tomándose como una elipsis en la película.

Los pasajes de terror componen situaciones inquietantes que giran en torno de la reina, posiblemente el personaje malvado mejor construido y más conocido de la filmografía de Disney. De hecho fija el arquetipo de mujer malvada en el que se han mirado los personajes femeninos más viles del cine.

A partir de un argumento sencillo y sin complicaciones, construye un relato divertido, tierno y entrañable, que fija algunos de los parámetros de Disney. Entre ellos, su estética cursi, remilgada y almibarada, hecha a la medida de los gustos del público mayoritario de los años 30.

Son escenas memorables la conversación a la reina con el siniestro espejo mágico (en la tradición oral, el sol o la luna, ya que el espejo como mueble es del XVI), el regreso a casa de los enanitos (en la tradición oral, duendes o guardianes del bosque), la transformación de la reina en bruja disfrazada de labradora anciana, el primer encuentro de los enanitos con Blancanieves, etc. De acuerdo con el cuento original, la narración incluye elementos de otros cuentos (“La bella durmiente”, “La Cenicienta”...), convenciones muy arraigadas (los espejos dicen siempre la verdad, las palomas anuncian la paz...) y partes de narraciones de gran difusión, como la del Paraíso terrenal (la reina se equipara a la serpiente diabólica, la manzana envenenada evoca la que Eva toma del árbol de bien y del mal, el mundo es concebido como un Edén, la bíblica maldad femenina...). Refleja los prejuicios sociales del momento (reparto de labores entre Blancanieves y los enanitos), prácticas crueles medievales o anteriores (extracción del corazón de un oponente para comérselo).

La banda sonora, de Frank Churchill, Leigh Harline y Paul J. Smith, ofrece una partitura jocosa y descriptiva, a las que acompañan 11 canciones originales, que fueron dobladas en la edición de 2009, como “El pozo de los sueños”, “Silba mientras trabajas”, “Cavar, cavar”, “Ay Ho”, “Mi príncipe vendrá”, “Primer beso de amor”, etc. La fotografía, de Maxwell Morgan, en color (technicolor de tres colores), ofrece un gran dinamismo, un ritmo intenso, abundante humor visual, pasajes de tensión y terror, un acertado diseño de los personajes no humanos y una magnífica caracterización de la maldad de la reina.

Blancanieves es un prodigio de la técnica y un auténtico hito en la historia del cine. En ella Disney aplicó su descubrimiento: la cámara multi-plano, que proporcionaba a los fondos mayor dimensión y realismo. La denominada rotoscopia (rodar primero con actores de carne y hueso para luego dibujar sus movimientos) aún sigue impresionando (fíjense en la cojera de la bruja o en los delicados ademanes de la protagonista). Incluida en la lista de las 100 mejores películas de la historia realizada por el American Film Institute en junio de 1998.

El antecedente literario de esta obra lo tenemos en  el siglo XVI, en el libro de Giambattista Basile llamado Pentamerone o Lo cunti de li cunti aparece la historia de Lisa, una niña que con siete años se clava un peine mágico y queda inconsciente. Toda su familia la da por muerta y la ponen en un ataúd de cristal. Con el paso de los años, todos ven como la joven inconsciente crece hasta ser una bellísima adolescente. Una prima lejana, celosa de la belleza de Lisa, decide acabar con ella. Rompe el ataúd y agarra a Lisa del pelo, pero sin querer le arranca el peine, y la joven retorna a la vida. A esta versión aún le faltan elementos como el príncipe, los enanos y el espejo, pero tiene otros que serán importantes e inspirarán la versión que hoy se conoce: La pariente celosa, el peine envenenado, la joven que parece muerta pero duerme...

Sin embargo, hubo una historia real de Blancaniieves. Gracias a la investigación del historiador de Lohr, Dr. Karlheinz Bartels, sobre el cuento de Blancanieves y los Siete Enanitos, la pintoresca localidad, a orillas del río Meno, en la Franconia alemana, puede sentirse orgullosa de haber visto nacer, en 1729, a Maria Sophia Margaretha Catharina von Erthal, personaje real que inspiró el literario de Blancanieves. Muchas evidencias y puntos de conexión con las características de Lohr y sus alrededores prueban, desde 1986, esta peculiaridad del famoso cuento de los hermanos Grimm; lo que hace que destaque frente a la mayoría de los relatos infantiles.

El padre de la niña que, por diversas circunstancias, devino en la ficción Blancanieves, fue Philipp Christoph von Erthal, entre 1719 y 1748, Condestable del territorio de Kurmainz, en Lohr. Por sus dotes diplomáticas, viajaba frecuentemente como enviado en misiones especiales, una especie de ministro de Asuntos Exteriores del Ducado. Por eso, tuvo la oportunidad de relacionarse con Emperadores, Reyes y Reinas de toda Europa. De ahí que, en el imaginario de los habitantes de Lohr, los “von Erthals” tuvieran todas las características de una familia real.

La residencia familiar era el castillo de Lohr. Tras la muerte, en 1741, de la madre de Maria Sophia, el padre se casó el 15 de mayo de 1743, con Claudia Elisabeth Maria von Venningen, nacida Condesa Imperial de Reichenstein. La madrastra de Blancanieves, de carácter autoritario, aprovechó las frecuentes ausencias de su marido para favorecer a los hijos de su primer matrimonio. El hecho de que Philipp Christoph von Erthal no estuviera casi nunca en Lohr explicaría el evidente papel pasivo del Rey en el cuento, según han concluido las investigaciones.

La principal prueba de que Blancanieves sería natural de Lohr es el “Espejo Mágico que hablaba”. El impresionante y rico espejo de 1,60 metros de altura aún se puede admirar en el museo del Spessart, en el castillo de Lohr que perteneció a los padres de Blancanieves. El espejo procede de la Manufactura de Cristal de Lohr, fundada en 1698, que adquirió fama y prestigio en toda Europa, no sólo por su delicada y refinada artesanía, sino porque las materias primas que utilizaba para la fabricación del vidrio procedían - además de la propia región- también de España. En efecto, el carbonato sódico, conocido como ceniza de soda o sosa, era importado de Alicante, a orillas del Mediterráneo español.

El espejo fue un regalo del padre de Blancanieves a su segunda esposa y hablaba como muchos de los espejos fabricados en Lohr, sobre todo por las leyendas que figuraban en sus marcos, especialmente, a través de sus aforismos. La clara referencia a su egoísmo – en el medallón de la derecha se lee “Amour Propre”- debió de herir mucho la vanidad de la madrastra.

También se han comprobado las referencias locales en el área de Lohr. El “bosque virgen” en el cual fue expuesta Blancanieves, era naturalmente el Spessart. En la actualidad, Lohr, incluso, recibe el nombre de “la Puerta del Spessart”. El camino de huida de Blancanieves “sobre las siete montañas” era el Höhenweg, mencionado ya en el siglo XIV – la llamada “Wieser Straße”. Desde Lohr, a través de este trayecto, por las siete montañas del Spessart, se podía alcanzar el pequeño reino “de los siete enanitos”. Asimismo “los siete enanitos que picaban y cavaban en busca de mineral”, eran mineros de talla pequeña o niños que trabajaban en las minas de Bieber. Alrededor de 1750 picaban allí unos 500 mineros en busca de plata y cobre.

Respecto a “la manzana envenada”, la investigación de Bartels ha descubierto, citando bibliografía competente en la cual se describe el veneno, que la mitad de la manzana fue sumergida por la malvada madrastra en zumo de belladona, fruto que se encuentra también en el Spessart. Sus bayas contienen la Atropa Belladona utilizada hoy, incluso, en medicina. Su narcótico produjo en Blancanieves una rigidez tal como si hubiera fallecido.

El “sarcófago transparente de cristal” y las “zapatillas de hierro”, con las cuales, en castigo, “la madrastra debía bailar hasta caer muerta en la tierra”, se producían habitualmente en la Manufactura de vidrio, el primero, y por herreros, gracias a los minerales de hierro maleables del Spessart.

Debido a las cualidades de Maria Sophia, la población de Lohr la había convertido en una especie de hada. El cronista de la familia Erthal, M.B. Kittel, describía a Maria Sophia como una joven noble y llena de virtudes, “un ángel caritativo y bondadoso”, “activo contra la pobreza y la indigencia” que demostraba “su amabilidad personal”. Para el “imaginario colectivo” de la población de Lohr y el Spessart, la niña de los Erthal representaba la imagen ideal de la hija de un Rey.

Estos hechos que, a lo largo de la historia no ocurren con frecuencia, debieron llegar a oídos de los hermanos Grimm que vivían cerca, en Steinau. Así, pocos años después de la muerte de Maria Sophia siguió la redacción y, al final de 1812, la primera publicación del cuento de Blancanieves y los siete enanitos.

Escrito por recursosghaverroes el 22/01/2012 21:42 | Comentarios (0)

Haciendo el indio

Gerónimo no es sólo el grito que lanza de vez en cuando el Doctor Who, también es el nombre propio de un histórico jefe indio de los apaches chiricahua.

Este último año ha visto en un par de ocasiones la película dirigida por Walter Hill  Geronimo, una Leyenda Americana que cuenta en su reparto a un grupo importante de reconocidos actores como son Wes Studi como Gerónimo o los militares Jason Patric como el teniente Gatewood, Gene Hackman como el general George Crook o Lobo gris como le llaman los apaches o  Matt Damon como el teniente Britton Davis, que actúa de narrador de la película,  y el explorador Al Sieber interpretado por Robert Duvall.

Se trata de un western de casi dos horas de duración (1 hora y 55 minutos), realizada en el año 1993 en el que intervienen en la producción estadounidense y franceses. Estuvo nominada a los oscars de ese año por el mejor sonido, aunque me sorprende que no lo hiciera por la mejor fotografía, la de Lloyd Ahern,muy terrosa, casi amarrillenta y con buenos travelling como el del tren que se lleva a los apaches a Florida, al final de la película. La música es muy acertada con grandes intercambios entre la tensión y la tribalidad, y fue obra de Ry Cooder.

La sinopsis de la película nos cuenta que acabada la Guerra de Secesión norteamericana, unionistas y sudistas trabajan juntos en el mismo ejército frente a un nuevo enemigo, los indios. Y es el teniente Britton Davis y el teniente Gatewood los que pretenden poner orden y legalidad al pueblo apache Chiricahua convenciendo a su gran guerrero, Gerónimo, de que se rinda junto a sus guerreros y se dirija con su tribu a la reserva de Arizona que les tienen asignada. Los indios apaches acceden a su pesar a recluirse en una reserva. Pero no todos los apaches son capaces de adaptarse a su nueva vida como cultivadores de maíz; uno en particular, Gerónimo, se opone a las condiciones de rendición impuestas por el Gobierno de los Estados Unidos. Un día, cansado de promesas incumplidas, Gerónimo, junto con otros treinta guerreros, prepara un ataque contra los blancos El asesinato del brujo de la tribu desencadenará la rebelión de Jerónimo que huye con su hombres de la reserva declarando la guerra al ejército de los Estados Unidos, una lucha desigual en la que cinco mil soldados se enfrentaron a un audaz Gerónimo que resistió todo lo que pudo con tan solo treinta y cinco guerreros en busca de la libertad.

Walter Hill es en este caso director, aunque también ha destacado en muchas facetas como guionista, como productor (intervino en Aliens : Resurrección o Alien versus Predator) , como asistente de dirección, como productor delegado o como productor ejecutivo. Es una persona que ha trabajado también en series como el primer capítulo de Deadwood. Con todo en esta película el guión está escrito por John Milius.

La película fue criticada por lenta, y eso es cierto, desde mi punto de vista. No obstante, hay acción auqne eso es lo menos representativo. Hill optó como hizo más tarde en Deadwood por naturalizar el western. Pese a todo, ni el esforzado guión ni las esmeradas interpretaciones hizo que la película fue tremendamente convencional.

El dibujo de Gerónimo que hace Hill es el de un hombre resignado pero no abatido, el último reducto de una civilización tratada injustamente y a la que quieren arrebatarla el origen de su cultura y costumbres. Hill se basta con menos de dos horas para trasmitir el significado de una leyenda sin sucumbir en el aburrimiento, la maravillosa fotografía, la excelente música y las buenas interpretaciones ponen de manifiesto un poderío visual más que aceptable. De lo que nadie tiene duda es del empeño, cariño, respeto y pasión que Walter Hill siente por el Western

Gerónimo” está basado en un libro de 1929, escrito por Britton David, que se encarga de adaptar John Milius.  Pero sí su espíritu, la esencia última de toda obra cinematográfica, que aquí refleja las contradicciones morales de unos y otros, y la perfecta ambigüedad moral de las partes del litigio, donde no hay buenos ni malos, sino ganadores y perdedores. “Vencimos, eso es todo...” le dice un General al Teniente en un momento del metraje.

Tampoco hay que olvidarse de la belleza e impacto de sus imágenes, colosales. Pocas veces en el western contemporáneo, se ha logrado captar con tal maestría esas tierras y cielos de Utah y Arizona, de forma y manera tan bella como en esta.

Y si además tienes a Gene Hackman y Robert Duvall haciendo lo que mejor saben hacer, actuar, creo que merece echarla un vistazo. Hasta el actor que hace de Gerónimo, Wes Studi, es convincente, debe ser porque nació en Oklahoma, el mismo lugar donde murió el gran jefe apache.

Los exteriores hablan por sí solo, ese desierto de Moab en Utah con un Monument Valley explotado hasta la saciedad, será siempre un lugar mítico para el rodaje de películas de este tipo. Se respira western en cada escena, ese calor insoportable, polvo en suspensión constantemente, cielo completamente despejado... ¡¡¡ una maravilla !!!. El vestuario es impecable, recuerdo haber leído cuando se estrenó en su época, que hasta las plumas que llevaban los indios, fueron contadas al mínimo detalle en su estructura y forma para hacerlo lo más real posible a la historia real. El reparto es de lujo, Gene Hackman está soberbio en su papel de amigo-jefe de Gerónimo. Robert Duvall, su presencia sola encumbra la historia que se cuenta. Jason cuaja una espléndida actuación. Wes Studi aún siendo el protagonista, en mi opinión le faltó la garra y la maldad que mostró en su personaje en El último mohicano.

Imagen real del apache Gerónimo.

Una historia épica, con tintes clásicos, además de brochazos made in Peckinpah con esas muertes y ataques a cámara lenta adecuados para un western que ha sido injustamente menospreciado demasiado tiempo.

Para completar esto de hacer el indio estuve viendo igualmente un reportaje sobre el fotógrafo E. S. Curtis, el fotógrafo que permitió con su cámara que ciertas tradiciones milenarias no terminaran en el olvido, gracias a su fotografía, su film - es autor de la primera película antropológica sobre los indios de Vancouver - antes que la de Anuk de Flaggerty - y sus veinte volúmenes sobre los indios de norteamérica.

Escrito por recursosghaverroes el 22/01/2012 13:14 | Comentarios (0)

Un asunto de guerra

El asunto Tornasol (L'affaire Tournesol) es el decimoctavo álbum de la serie Las aventuras de Tintín, escritos e ilustrados por el artista belga Hergé. Apareció primero en las páginas de la revista Tintín entre el 22 de diciembre de 1954 y el 22 de febrero de 1956. La primera edición en álbum se publicó en 1956. La anterior fue “Aterrizaje en la Luna”, mientras que la posterior fue “Stock de Coque”.

Esta historia de animación belga que dirigida por Ray Goossens en 1964 e inspirándose en la obra de Hergé, aunque con el guión de Charles Shows. La producción estuvo a cargo de Belvision. La historia comienza con Tintín y el capitán Haddock de vuelta a Moulinsart, cuando son interrumpidos por una tormenta. Ésta provoca la rotura de espejos y jarrones en todo el palacio. La extraña tormenta resulta ser las pruebas de un generador de ultrasonidos desarrollada por el profesor Tornasol.

Tornasol acaba de dejar a punto una nueva y terrible arma de ultrasonidos. De viaje a Suiza para asistir a un congreso, es secuestrado por los bordurios que quieren apoderarse de su invento..

Tintín y Haddock se reunen en Ginebra para poder seguir su pista y rescatarlo, y justo cuando están a punto de liberarlos de los bordurios Tornasol es de nuevo secuestrado, esta vez por los syldavos. Su avión es interceptado y Tornasol es recapturado de nuevo por Borduria.

Sin embargo los espías de Syldavia no son capaces de retener a Tornasol que vuelve a ser secuestrado por Borduria y trasladado a Szohôd. Tintín y Haddock vuelan a Szohôd, capital de Borduria.

Con la ayuda de la Castafiore, se apoderan de unos documentos del general Sponsz, jefe de la policía, lo que les permitirá liberar a Tornasol. Tornasol, quién decide destruir los planos de su invento para evitar que se convierta en un arma. Conseguido esto y tras una fuga a través de la frontera, llegan de regreso a Moulinsart, donde Tornasol destruye sus planos.

Finalmente con la ayuda de Bianca Castafiore consiguen rescatar a En esta historia vuelve a reflejarse la tensión y rivalidad existentes entre Syldavia y Borduria, como reflejo de la situación vivida entre los bloques comunista y capitalista en esa época. En la película de animación se habla en los minutos finales como la destrucción de la máquina de Tornasol puso fin y aquí viene lo interesante a la guerra fría.

Se trata de una de las primeras adaptaciones de Tintín al cine de animación. Está basada en “El asunto Tornasol” , aunque no fidedignamente, considerado uno de los mejores álbumes de la serie. , aunque yo habría hecho una adaptación de “El secreto del unicornio” y “El tesoro de Rackham-El Rojo”. El esquema de la película es “perseguir” y “huir”.

La calidad de la animación era adecuada para la época, estamos en los 60 del siglo XX, y con un presupuesto (no era demasiado alto), aunque se echan en falta algunos gags propios de la serie, como aquellos relacionados con la sordera de Tornasol. Otra virtud de la película es su duración clásica de 40 minutos.

Escrito por recursosghaverroes el 22/01/2012 10:41 | Comentarios (0)

Excursión al espacio

No tengo muy claro cuando fue, aunque sí se dónde. Fue en la filmoteca de Andalucía en su ciclo dedicado al cine para niños donde vi esa película por primera vez. Creo que fue en el 2009, un sábado por la tarde de un otoño en el caían chusos de punta. La película fue una sorpresa para mí, para Esther y sobre todo y lo más importante para los niños. Se llamaba Space Chimps: misión espacial  una muy simpática película de animación, que he vuelto a ver estas navidades y hoy, mientras escribo esto, vuelven a ver mis hijos.

Es una película norteamericana del año 2008. Dirigida por Kirk De Micco. Persona que participó igualmente en el guión conjuntamente con Robert Moreland. La música es de Blue Man Group, David A. Stewart. La fotografía de Animation .aunque Jericca Cleland  aparece en los títulos de crédito. Los colores son realmente atractivos en el film. La productora era Vanguard Animation . La duración no superaba los 90 minutos, 81 en concreto.

La película va de los siguiente. Cuando la NASA pierde una sonda en el espacio, decide reclutar a un grupo de monos para ir en su búsqueda. La agencia deposita sus ojos en Ham III, el nieto del primer mono en ser lanzado al espacio. Ham es una de las estrellas de un decadente circo que vive más interesado en sus vuelos de gravedad cero que en alcanzar las ilustres hazañas de su antepasado. Finalmente es reclutado por la agencia, donde aprende el valor del coraje al lado de sus compañeros: Luna, una apuesta chimpancé; y el tenaz Titan. Juntos viven increíbles aventuras y lo arriesgan todo en su esfuerzo por lograr derrocar al malvado dictador que gobierna en un lejano planeta.

Es una película amena y divertida de principio a fin.  Me he enterado que las voces en español del doblaje  fueron el vocalista de Pignoise y Amaia Salamanca. He leído críticas tan positivas con negativas. Utilizan chistes baratos y algo infantiles, pero adecuados para la película.

A mi particularmente me gustó y lo que es más importante amis hijos también. Según he leído coste unos 3’7 millones de dólares y recaudó  67 millones. Vamos un negocio, más aún, existe un juego de DS e incluso una segunda parte Space Chimps 2.

Escrito por recursosghaverroes el 21/01/2012 23:01 | Comentarios (0)

La dictadura de los autores

Esta mañana el mundo entero ha amanecido con la noticia de la detención de los responsables de la gestión de la página web “Megauploap”, página web que contenía o alojaba, al parecer, contenidos protegidos por derechos de autor en sus servidores.

Esta es la ironía de la vida, pues  en  defensa de los supuestos derechos de autor, o sea, en defensa del enriquecimiento exponencial de una persona o una multinacional por algo que hizo en su momento, se le priva a mucha gente de acceder a ciertos contenidos culturales que, de otra forma, no conocería o, simplemente, no estaría posiblemente interesado en los mismos. El problema está en que, por ejemplo, los derechos de autor de los Beatles los disfrutan los hijos y padres de Michael Jackson, o que los de Stieg Larsson, enriquecen al padre y al  hermano con los que el sueco ni se hablaba. ¡¡¡Autor, autor!!!.

Nadie niega que uno debe recibir un dinero por el trabajo realizado. Por ejemplo, si das un concierto ese dinero le corresponde al artista por el esfuerzo realizado. Nadie lo niega, insisto. Sin embargo, si ese mismo autor compuso una  canción un día ¿por qué ha de vivir eternamente de ella? El común de la gente no vive de las rentas. La mayoría nos levantamos a diario para ir a  trabajar un día tras otro. Es terrible, pero es así. Y el día que no trabajas, no cobras.  Los que viven de los derechos de autor sospecho que se levantan un día para trabajar, llámese escribir, componer, dirigir o actuar, pero otros muchos días estoy convencido lo que hacen es llamar a su agencia de distribución de beneficios para ver los generados por su autoría (léase SGAE, IAE, la que sea), para saber cuánto contiene el sobre que le corresponde por haber compuesto hace quince años esa canción que fue un “pelotazo”, y de la ya se forró. Pero claro, estos personas piensan que deben seguir forrándose por qué compuso un día hace muchos años y, por supuesto, le pertenece. En definitiva exigen sus rentas, como si de latifundistas se trataran. ¡Qué pena que yo no pueda vivir de la aquella clase magistral que un día dí!, aunque casi todas las clases lo son y sólo me compensa por mi labor DIARIA. Creo que eso es lo justo.

Escrito por recursosghaverroes el 20/01/2012 23:38 | Comentarios (0)

Una historia épica

Escrito por recursosghaverroes el 18/01/2012 21:01 | Comentarios (0)

A "good" film

Las noches de los lunes pueden dar agradables sorpresas desde el punto de vista televisivo. Ayer fue uno de ellos con la proyección – me gusta ese inapropiado término para la televisión – de la película germano británica “Good”. Se trata de una película del año 2008 dirigida por el desconocido para mí Vicente Amorim. Un drama sobre sobre un buen hombre que está ciego ante los horrores del régimen nazi. Durante los 96 minutos del metraje  se nos presenta el drama generado en parte de la población alemana  ante el ascenso y triunfo del nacional- socialismo en este país por la omisión o desinterés ante lo que estaba pasando. El guión es obra de  John Wrathall; y está basado en la obra teatral de C.P. Taylor. La producción estuvo a cargo de  Miriam Segal, Sarah Boote, Kevin Loader, Dan Lupovitz y Billy Dietrich.

La película está interpretada por los muy acertados Viggo Mortensen (John Halder) y Jason Isaacs (Maurice). Estos están acompañados por Jodie Whittaker (Anne), Mark Strong (Bouhler), Steven Mackintosh (Freddie), una magnífica Gemma Jones (madre de Halder), Anastasia Hille (Helen), Ruth Gemmell (Elisabeth), David de Keyser (Mandelstam).

La música tanto la clásica como la popular (esa que escucha en sus alucinaciones Halder), muy destacada en la película, es obra de Simon Lacey. Afortunada igualente es la fotografía de  Andrew Dunn, donde saca partido a las bellas calles de Budapest- lugar donde fue rodada, el montaje correspondió a John Wilson, mientras que el diseño de producción a Andrew Laws y el vestuario al húngaro  Györgyi Szakács.

La película se presentó en el Festival Internacional de Cine de Toronto en septiembre de 2008, aunque se estrenó  en el Reino Unido el  17 Abril 2009,  pasando a las pantallas españolas con más pena que gloria el  22 Mayo 2009. Tuvo un presupesto de $15,000,000 (estimated) $ 15.000.000.

La película nos cuenta la historia de John Halder (Viggo Mortensen), un profesor de Literatura y ejemplo de es un "buen" (good) ciudadano, sin convicciones políticas en la Alemania de los años 30. Al  publicar una novela en la que explora sus circunstancias familiares (una mujer neurótica, dos hijos que requieren atención y una madre que sufre demencia senil) y defender en ella la eutanasia por compasión. Su obra tras ser leída por algunos jerarcas nazis será utilizada como coartada para llevar a cabo una limpieza étnica. Varios políticos usan el libro para apoyar la propaganda gubernamental, y la carrera de Halder como escritor despega. Pero este cambio de suerte, surgido en parte de su afiliación al partido nazi, le hace tomar decisiones aparentemente sin importancia, pero con devastadoras consecuencias para las personas que le rodean. Especialmente sufrida es la experiencia de su amigo el psiquiatra judío Maurice Israel Gluckstein y su progresivo deterioro, llegando finalmente al abandono. Al final Halder acaba trabajando para la SS de Adolph Eichmann. Por ejemplo, trabajará en el servicio que revisaba la eutanasia de aquellos que el régimen consideraba débiles mentales. En la actualidad hay una exposición en Berlín sobre la labor "científica" que afectó a multitud de niños/as que presentaba, según los jerarcas nazis alguna "tara". Con el pretexto del trabajo para los ingenieros realiza una visita a un campo de concentración en Silesia, en donde cree que está Maurice, Al ver llegar a los presos y las condiciones en las que se vive en el campo de concentración se da cuenta de la barbaridad que ha hecho apoyando al nazismo.  

Actores y director en el Festival Internacional de Cine de Chicago durante la promoción de la película

La productora Miriam Segal estaba decidida a llevar la obra de C.P. Taylor a la gran pantalla desde que la vio en los ochenta, siendo aún universitaria. Considerada como una de “Las 100 mejores obras del siglo” por la National Review, “Good” se estrenó en Londres, en el Donmar Warehouse, en septiembre de 1981. Con Alan Howard en el papel protagonista, la producción fue muy aclamada por la crítica. El Daily Telegraph la calificó de “obra profunda que implica al espectador obligándole a reflexionar sobre cuál habría sido su reacción si hubiese vivido en la Alemania de los años treinta”. La obra se estrenó en Broadway en 1982, y Frank Rich, el crítico del New York Times, escribió que era “sin duda una obra provocativa… escrita con inteligencia y con una ligereza muy imaginativa”. Clive Barnes, del New York Post, dijo que era “triunfal, maravillosa e incandescente”. A pesar de las alabanzas, nadie se atrevía a llevar la obra de C.P. Taylor a la gran pantalla. El dramaturgo nació en Glasgow en 1929 y fue una de las figuras que encabezó el movimiento artístico-social londinense en los años sesenta y setenta. “Good” fue la última de sus casi setenta obras producidas, justo antes de su fallecimiento a los 52 años, una semana después de su estreno en el Donmar Warehouse. La revista Time Magazine no se equivocó en cuanto al contenido estilístico y temático de la obra al decir que “la historia es la pesadilla de un antihéroe sonámbulo”. El autor no intentaba disfrazar la gravedad de su trabajo: “Los temas que escojo tienen que ver con los conflictos entre los ideales humanos y sus limitaciones”, dijo en una ocasión. Miriam Segal recuerda: “La obra me cautivó, y supe inmediatamente que haría todo lo posible para producir la adaptación cinematográfica”. Cuando consiguió los derechos, en 2003, habían transcurrido algo más de veinte años desde su estreno. A continuación, hubo que guiar el proyecto a través de muchas manos durante varios años hasta que, en 2007, coincidieron las personas adecuadas - Viggo Mortensen había visto la obra teatral en su juventud en Londres (1981) - y todos los elementos necesarios. “Siempre sentí una tremenda responsabilidad”, reconoce la productora, “y eso me ayudó a perseverar hasta conseguirlo”.

Un pequeño “glups”: En la escena en la que Halder da un paseo con su ex esposa en el cementerio tras enterrar a su madre, que se supone que están en Berlín, son visibles las lápidas en húngaro. De todas manera una película correcta y con un tema interesante como la cobardía de la "buena" gente. Con todo la película parece ser que fue mal recibida por la crítica y por el público, de ahí su limitada trayectoria.

Escrito por recursosghaverroes el 17/01/2012 06:57 | Comentarios (0)

De la noche al día

Uno tiene derecho a ver lo que le da la gana. Tras verlo puede enjuiciarlo, valorarlo. Anoche opté por ver una película estadounidense del año 2010, que llegó a España en este verano pasado. La película tenía un nombre conocido, Piraña, y recordaba que existía una película de 1978 del mismo nombre. Sin embargo, no era la película de Joe Dante, además tenía un complemento al título 3D, Piraña 3D, es su título completo. Tras verla, lógicamente en 2D, sólo puedo decir que es una auténtica castaña. A su favor, que es cortita en duración, aunque creo que también en sus planteamientos.

La película es el  segundo remake de la película de 1978, y , en esta ocasión, ha sido dirigida por un director francés que trabaja en EE.UU, Alexandre Aja autor de la película “Las colinas tienen ojos”. Este participa igualmente en la producción acompañado de Mark Canton, Grégory Levasseur y Marc Toberoff. Para su realización contó con todo un elenco de conocidos actores que son presentados como un reparto coral. Entre los actores me ha llamado la participación de actores con una trayectoria de cierto peso por sus trabajos cinematográficos o televisivos como Richard Dreyfuss , Elisabeth Shue , Christopher Lloyd (el científico de ) , Ving Rhames ( el actor negro de La Milla Verde), Ricardo Chavira (sí, Carlos el de Mujeres desesperadas), Adam Scott, o Jerry O'Connell (actor de múiltiples películas teenagers). Como señalamos ayer todos los actores y actrices tienen derecho a trabajarpara comer. A estos se le unen otros más jovencitos como el ¿héroe? protagonista ,  Steven R. McQueen,  o los/as  jóvenes  Kelly Brook, , Riley Steele o Eli Roth. El guion fue escrito por Josh Stolberg y Pete Goldfinger, guionistas de Sorority Row  (2009). La película parece ser que se estrenó en EE.UU  20 de agosto de 2010 en Estados Unidos, y con un, para mí incomprensible, éxito de taquilla y de público, incluso ¡¡¡ojo!!! de crítica.

La película empieza cuando el solitario pescador  Mathew Boyd (Richard Dreyfuss ) se encuentra pescando en el lago Victoria, en Arizona. Yo de inmediato lo he vinculado  con Tiburón, película que protagoniza él. El inicio prometía, cuando de repente un pequeño temblor ocurre, agrietando el suelo del lago y ocasionando un torbellino por el cual Boyd cae. El hombre posteriormente es devorado por unas pirañas que salen del abismo y asciende a la superficie. A partir de aquí el delirio.

Tras esto nos encontramos con que ese espacio lacustre es, puntualmente, un espacio vacacional similar a Miami, por las chicas y chicos que aparecen. Así que un sinnúmero de descerebrados adolescentes llegan a la bahía con ningún otro propósito más que divertirse. Hecho que atormenta por completo a Jake (Steven R. McQueen) un joven adolescente hijo de la Alguacil que día a día debe de cuidar de sus hermanos menores, sin ninguna posibilidad de zafarse. No obstante cuando Jake recibe una invitación para grabar una película por parte del excéntrico director ¿de cine porno por internet? Derrick Jones (Jerry O'Connell). Así como también contar con la presencia de su antiguo amor platonico: Kelly. Jake decide dejar a un lado sus responsabilidades y divertirse. Esa misma noche la alguacil Julie Forester (Elizabeth Shue) junto al comisario Fallon (Ving Rhames) inician una búsqueda por el desaparecido pescador, cuyo cadáver mutilado y bote no tardan en encontrar. Al día siguiente Jake se compromete a pasar un día de libertinaje en un barco. Para ello soborna a sus dos hermanos pequeños, Laura y Zane, para que ellos se queden en casa y así Jake podría asistir a la filmación de Derrick , y sin levantar sospechas a su madre.

Sin embargo los niños intentan pescar antes de cumplir el trato, perdiéndose en una pequeña isla por un descuido de ambos. Mientras tanto Jake se dirige al bote de Derrick: La Barracuda. Lugar donde Jake conoce a las guapísimas Crystal (Riley Steele) y Danni (Kelly Brook) las dos actrices de Derrick y por ultimo a Drew el camarógrafo del pornógrafo. Kelly es invitada a formar parte del rodaje y la chica acepta.

La sheriff Julie, por otra parte, contrata a unos sismólogos para estudiar las grietas en el lago, entre los que se encuentran Novak (Adam Scott), Sam (Ricardo Antonio Chavira) y Paula (Dina Meyer). Estos dos últimos descienden hasta el abismo buscando la fuente del sismo, pero allí mueren devorados violentamente por las pirañas. Novak, que se lanza a salvarlos, consigue atrapar una piraña. El trío de sobrevivientes lleva el pez ante el Sr. Goodman (Christopher Lloyd) un biólogo marino que les explica que la Piraña es un pez prehistórico devora hombres que se le creía extinto miles de años atrás.

Julie, Novak y Fallon intentan evacuar la playa pero sus advertencias son ignoradas hasta que las pirañas atacan a unos turistas salidos, borrachos y drogados. El desastre se avecina y se produce. Durante el fragor de la masacre, varios turistas se suben a un escenario flotante el cual colapsa y mata a más personas aún. En el barco Jake se da cuenta de que sus hermanos están atrapados en una isla. Sin embargo el barco tras salvar a los pequeños encalla, dándole la oportunidad a las pirañas de matar a tres de los descerebrados del barco Drew, a Crystal y a  Derrick. En el ataque Kelly se queda atrapada en el interior del barco sin poder escapar. Alterando a Jake quien le pide ayuda desesperadamente a su madre.

Al saber que su hijo esta en dificultades Julie y Novak se dirigen hasta la Barracuda. Fallon consigue asesinar buena parte de las pirañas, muriendo en su lucha. Una vez que Julie llega hasta el bote, Novak y Jake crean una especie de “puente” con una cuerda para darle la oportunidad a los chicos de transportarse sanos y salvos al bote de Novak. Mientras cruzan la cuerda, las pirañas atacan a la bella chica  que  finalmente acaba siendo devorada. Zane, Laura y Julie consiguen cruzar con éxito. Sin embargo Jake se niega a cruzar sin Kelly. De manera que una vez que todos han cruzado la cuerda, Jake la ata a su cuerpo y utilizando el moribundo cadáver de Derrick, consigue distraer a las pirañas lo suficiente como para escapar junto a Kelly del bote y hacerlo explotar, acabando con ¿todas? las pirañas.

En ese momento Julie recibe una llamada por el Sr. Goodman (Christopher Lloyd) quien le revela que las muestras tomadas por los peces indican que no están todavía  maduras, por lo que existen progenitores mayores. Siendo en ese momento Novak atacado por una enorme Piraña. Fin de la locura paranoica de Alexandre.

Ante mi sorpresa he leído que en la página de Internet americana, Rotten Tomatoes, la película obtuvo un 75% de comentarios positivos, llegando a la siguiente conclusión: "Da justo lo que promete, una película sobre peces asesinos fuera de control, "Piraña 3D" es gore, desternillante y con desnudos gratuitos." Vamos para alucinar, eso sí, está claro que los protagonistas descerebrados, así como el director tienen un público que pide 80.000 litros de sangre falsa, violencia extrema, gore, diálogos terriblemente cursis, alta tensión, estrellas porno y concursos de camisetas mojadas en 3D, combinado con cuerpos descuartizados, desastres acuáticos, pues que disfrute, yo no lo he conseguido. Veré si las de Ed Wood son realmente peores.

La película recaudó sólo en EE.UU el mismo presupuesto invertido: 24 millones de dólares. Sumando las recaudaciones internacionales la cifra asciende a 83 millones.

Dijo Alexandre Aja en las notas de producción de “Piraña 3D” que con su último trabajo deseaba «recuperar ese aire de los ochenta, esas películas que te hacían sentir aquel placer culpable que tanto molaba cuando eras niño, esas películas que te daban miedo y a la vez eran divertidas».  Dicen en las críticas que la película “Parida con la única excusa del amor y el entretenimiento sin coartadas intelectuales, la película se constituye como un gran festival de rápido empacado —apenas hora y veinte de duración— que se divierte mostrando carne —memorablemente indecente la aparición de la actriz porno Gianna Michaels— para despedazarla después, cortesía de los artistas Gregory Nicotero y Howard Berger. Gamberra hasta lo ofensivo, cafre hasta la extenuación, esta pequeña ¿joya? –indico yo-  revitaliza un subgénero relegado al ostracismo de sobremesa.

La banda sonora se editó en el año 2010 y está a cargo de Michael Wandmacher. Está compuesta generalmente de canciones de género hip hop, danza, rap y R&B junto para mí desconocidos.

La cinta se rodó íntegramente entre mayo y julio de 2009 en el Lago Hayas, en el estado de Arizona. Habrá  secuela debido al éxito comercial y a las críticas positivas en su primera semana de estreno, Dimension Films ha anunciando que trabajaran en una secuela. Se agradece su corta duración (88 minutos). Por cierto, esperar el final de los títulos de crédito para ver una calavera devorada por estos bichos.

Por otro lado, durante la mañana de hoy hemos visto en Boing la película de animación conocida como La ciudad de Daisy o Daisy Town. Se trata de una aventura de  Lucky Luke  escrita en francés por Goscinny y Morris e ilustrado por Morris. Siendo en este caso el cómic una adaptación de la película de 1971.

Una carreta recorre la pradera, se encuentran con una solitaria margarita que crece en medio del inmenso desierto. El que guía la carreta se la toma como una señal, y decide construir su comunidad aquí, dándole el nombre "Ciudad Daisy.

Sin embargo, tan pronto como el pueblo ha terminado, entonces es atacado por bandidos, forajidos y ladrones de caballos. Un día, un siempre solitario Lucky Luke llega a caballo a la ciudad encima de su caballo, Jolly Jumper. Dirigiéndose hacia el salón Luke causa un gran revuelo cuando saca a toda la gente de mal vivir del bar. Varios de los hombres tratan de matar a Luke, pero él se hace cargo de ellos. Varios de los ciudadanos han notado las habilidades de Lucas, y este informa al alcalde. Al día siguiente, el alcalde y varios de los habitantes del pueblo van a reunirse con Luke, y le ofrecen el puesto de sheriff de la ciudad de Daisy. Luke acepta, y se dedica a sus deberes, antes de haber tomado el cuidado de los criminales. Sin embargo, con la cárcel de lleno a capacidad, Lucas se niega a ceder a un linchamiento público de uno de los criminales. En cambio, varios son embreados y emplumados, antes de ser expulsado de la ciudad.

Llegan rumores de la presencia de los hermanos Dalton, que están en la vecindad. Los cuatro hermanos finalmente llegan a  Daisy Town. Luke les advierte que han de salir de la ciudad, pero ellos permanecen. Los cuatro roban todas las tiendas locales, antes de que la voladura de un hotel.

Luke se indignó cuando la gente del pueblo parecen estar dispuestos a dejar que los Dalton hagan lo que quieran, y renuncian a su puesto de Sheriff. Es entonces cuando Joe Dalton incita a sus hermanos a presentarse como cargos electos. Joe dice que se presentará a alcalde, William Dalton declara que se presentará a juez, y Jack Dalton desea ejecutar para el sheriff. Esto deja el último de los hermanos Averill, que se pone a cargo de las campañas de los hermanos.

Luke utiliza esto para su ventaja, y provoca un enfrentamiento de  hermanos entre sí, antes de enfrentarse con Luke. Éste gana, con los hermanos están cubiertos de alquitrán y plumas, y luego son expulsados de la ciudad.

Sin embargo, una vez que han quedado limpios, los Dalton prometen vengarse. En el camino, son abordados por los indios. Originalmente van a ser  quemados en la hoguera, aunque Joe convence al jefe de  que los colonos de Daisy son sólo el comienzo, y que más estarán haciendo su camino hacia el oeste para expulsar a los indios de sus tierras.

El jefe de los indios declara la guerra a Daisy, y Joe piensa que él y sus hermanos están finalmente en libertad. En cambio, el jefe dice conocer a los Dalton, y los envía a la prisión estatal para obtener una recompensa por su captura.

Luke tras informarse acerca de los planes de los indios alerta a la gente del pueblo. Varios tratar de enviar mensajes a través de la caballería, pero los indios no le permiten salir a nadie.

Finalmente, Luke diseña una estratagema perfecta: que fingan que están abandonando la ciudad, pero llenar todos los vagones con hombres armados. La caravana es atacada y Luke lucha con inteligencia contra los indios hasta que la caballería llega.

Una conferencia de paz pone fin al conflicto. Las dos partes volverán a reunirse en salón principal de Daisy Town, donde el alcalde, gracias Lucky Luke, y habla del futuro brillante para la ciudad.

En ese momento, un buscador de oro se precipita en el salón, declarando que el oro se ha encontrado en las montañas. Todo el mundo de la ciudad corre hacia las colinas para buscar fortuna, abandonando la ciudad.

Luke es el último que queda, con calma saliendo del salón y sube al lomo de Jolly Jumper. A su alrededor, la ciudad ha tomado ya el aspecto de una ciudad fantasma. A medida que pasan por el signo de la ciudad, Lucas arranca la solitaria  margarita de la tierra y la coloca en la melena de Jolly Jumper. A medida que cabalgar hacia el atardecer, la señal de identificación de "Daisy Town ' cae, señalando el final de la pequeña ciudad.

Una buena película de animación para que tus hijos descubran la obra del ahora, entiendo, gran desconocido dibujante belga que es, a día de hoy, el otro gran dibujante Morris, a diferencia del reivindicado Hergé.

Escrito por recursosghaverroes el 15/01/2012 13:54 | Comentarios (0)

Una monería de película

Mapas en google maps

Estoy realizando un curso sobre las Ciencias Sociales y la Web 2.0 y acabo de ver unos materiales fantásticos para la clase. Los enlazo para vuestro conocimiento.

• Plano Urbano de Córdoba

http://maps.google.es/maps/ms?ie=UTF8&hl=es&oe=UTF8&msa=0&msid=116054019322439831582.000485888a0c6475b530d

• Plano Urbano de Barcelona

http://maps.google.es/maps/ms?ie=UTF8&hl=es&oe=UTF8&msa=0&msid=116054019322439831582.00048539ea580fc90b8b6

• Plano urbano de Teruel

http://maps.google.es/maps/ms?ie=UTF8&hl=es&oe=UTF8&msa=0&msid=116054019322439831582.000485887c1edf4a8134e

Escrito por recursosghaverroes el 27/03/2011 12:56 | Comentarios (0)

¿En dónde me hallo? Cuarta parte

Las calles de las ciudades cambian de nombre. Los avatares políticos  e históricas han permitido que, por ejemplo, en Córdoba, una de las vías principales en la misma, la Avenida de Canalejas, pasara a ser durante la dictadura la Avenida del Generalísimo y, actualmente, sea la de Ronda de los Tejares.

Imagen de la Plaza de toros de los Tejares en la Avenida de Canalejas, hoy Ronda de los Tejares en Córdoba

Como en todos lados cuecen habas, en la ciudad que mostramos en estas dos imágenes actuales , también ha ocurrido, y la calle que vemos en su momento tuvo un nombre muy significativo para nuestro país, y hoy tiene otro que nos invita a la reflexión.

Se trata de una ciudad bonita y bien ordenada urbanísticamente hablando. Ciudad portuaria en sus inicios, de poca trascendencia en la Edad Media, adquiere protagonismo como fortaleza militar entre los siglos XV y XIX. En 1863 pierde sus murallas, pues limitaban el desarrollo de la ciudad, y se comienza la construcción de un ensanche que terminará de materializarse en 1913.

En 1955 comenzó un segundo ensanche en un área cercana a unas marismas. Este ensanche se termina en 1993 con la construcción de un estadio de fútbol en el que el Córdoba CF se jugó alguna vez la permanencia. Competidora de nuestra ciudad en el proyecto de futuro más importante que tenemos, no sólo ha apostado por el turismo y la cultura – la gastronómica , la cinematográfica y la musical , incluidas- , sino que en su crecimiento urbanístico pretende apostar por el cuidado del medio ambiente y la lucha a escala municipal contra el cambio climático y la sostenibilidad. En definitiva, apuesta por lo mismo que nosotros.

¿De qué ciudad hablamos? ¿Quién realiza su primer ensanche? ¿Cómo se llama el ensanche del año 1955? ¿A qué proyecto de futuro para la ciudad nos referimos? ¿Podrías dar el nombre de la Avenida?

Escrito por recursosghaverroes el 05/03/2011 10:54 | Comentarios (0)

Es...Par o Impar

Es cierto que la pasada semana estuvimos viendo en clase como el tráfico se ha convertido en uno de los principales problemas urbanos debido no sólo a su enorme volumen que colapsa las vías de las ciudades y las entradas a la mismas, sino también a los problemas medioambientales que conllevan (polución por el humo de los vehículos, contaminación acústica, etc).

Es un problema la necesidad y, a veces, la hiperdependencia que tenemos los seres humanos de los coches, aunque también es una solución para aquellos que viven en un área metropolitana y que sólo pueden acceder a sus puestos de trabajo en vehículo privado, ya que a veces el transporte público (autobús, metro, trenes de cercanías) no  llega a todos los puntos de la ciudad.

Es una realidad que una gran parte de las familias españolas tienen entre uno y dos vehículos tanto para uso personal como laboral. El parque automovilístico español ha  crecido extraordinariamente en paralelo a la década de bonanza vivida entre 1996 y el año 2006.

Es una triste pena que muchas personas utilizan el coche para todo, incluso para desplazarse en distancias cortas. Pensemos en una ciudad como la nuestra. ¿Tendría sentido que un cordobés de Ciudad Jardín o de Santa Rosa – por citar dos barrios - fuese el centro en coche? Cuando llegue al centro ¿dónde lo aparca? Los espacios disponibles en el centro de la ciudad son escasos, y los que hay son de pago, y no precisamente baratos.

Es una necesidad buscar soluciones a los graves problemas urbanos y de tráfico, pero hay medidas que no parecen muy afortunadas. En la reunión de 1 de marzo que llevaron acabo el ministerio de Industria con el presidente de la Federación Española de Municipios y Provincias (FEMP), Pedro Castro, éste último llegó con la idea de plantear la  limitación de la entrada de vehículos en las ciudades en función del número de matrícula y la fecha, si es par o impar. En palabras del también alcalde de Getafe horas antes de la reunión, era "una gran apuesta porque permite menos gastos de recursos de petróleo" y, al mismo tiempo, permite a los ciudadanos "ganar en calidad de vida". Nada más publicarse el avance del planteamiento de Pedro Castro saltaron las alarmas. Se sabe que en las ciudades donde se ha aplicado esta medida, por ejemplo en la capital colombiana, en Bogotá, el parque automovilístico se duplicó , ya que las personas que vivían en la periferia de la ciudad decidieron comprarse otro vehículo a fin de entrar en la misma para poder desarrollar su trabajo. En paralelo el aire de la ciudad se vició mucho más , con lo que el remedio resultó mucho peor que la enfermedad.

Pedro Castro, alcalde de Getafe

Edad media del parque automovíslico en algunos países

Es cierto que esta medida ha quedado relegada finalmente ante el lógico y sensato compromiso del ministerio en   fomentar el transporte público. También es cierto que se rechazó la idea de aplicar una tasa de entrada en las ciudades, como ocurre en Londres.

Es posible que algunos concesionarios de coches habrán tirado cohetes de alegría ante las declaraciones del presidente de la Federación Española de Municipios y Provincias (FEMP), pero creo que la ciudad agradecerá tener menos vehículos, unos máquinas que poco a poco nos han quitado las plazas públicas, nos han recortado el acerado y que, progresivamente, nos han ido arrinconando poco a poco a los ciudadanos, o sea, a las personas que viven en la ciudad.

Escrito por recursosghaverroes el 01/03/2011 22:54 | Comentarios (0)

Urbanismo, amnesia y dislexia

El empresario Rafael Gómez con la ex-alcaldesa de Córdoba, Rosa Aguilar

Antes de comenzar debemos manejar tres conceptos básicos: el de amnesia, el de dislexia y el de urbanismo, que aunque parezcan ajenos entre sí, están muy relacionados.

La amnesia es un trastorno del funcionamiento de la memoria, durante el cual el individuo es incapaz de conservar o recuperar información almacenada con anterioridad.

La dislexia es una deficiencia de la lectura, la escritura y el aprendizaje. Su causa es una alteración de las zonas cerebrales que controlan el lenguaje. Se le atribuye una base genética y no está relacionada con la inteligencia. Sus manifestaciones son muy variadas porque se pueden afectar funciones relacionadas con la memoria, el vocabulario, las áreas motrices y el habla. Esta alteración de los hemisferios cerebrales podrían ser los causantes de la enorme dificultad que tienen los disléxicos para distinguir entre derecha e izquierda.

El Urbanismo es una ciencia que estudia la ciudad en relación con la organización física de los elementos que la componen. Para ello se sigue un plan regulador eficaz, basado en la densidad, la zonificación, los usos de suelo, la funcionalidad o las áreas verdes.

Muchas de las ciudades en la actualidad tienen una gran cantidad de problemas por no haber considerado un plan de construcción serio desde sus inicios, olvidándose de que el urbanismo da soluciones prácticas a estos problemas. A esto se le puede sumar un contexto histórico para la ciudad que no ayuda en nada.

En la creación del suelo urbano - según los manuales de geografía - intervienen diversos agentes sociales y cada uno de ellos defiende sus propios intereses. Entre éstos destacan los propietarios de suelo, los empresarios industriales, la ciudadanía, el poder político y los promotores e inmobiliarias.

El alcalde de Córdoba entregando un premio a Rafael Gómez

Los propietarios del suelo pretenden que el crecimiento urbano se dirija hacia sus terrenos con el fin de revalorizar el terreno, mediante recalificaciones (de suelo rural a suelo urbano). Frente a ellos, los empresarios industriales que junto con los anteriores, se enfrentan con los propietarios del suelo (que prefieren el uso residencial) y con la ciudadanía (que no quiere la instalación de industrias cerca del casco urbano). Por su parte, la ciudadanía que se organiza en asociaciones para defender sus intereses (viviendas, equipamientos y servicios), pero que acaba pagando el precio que le marca el mercado. Y para terminar, el poder político que interviene mediante la planificación urbana y en la resolución de conflictos de intereses. Por su parte, los promotores e inmobiliarias tratan de crear suelo urbano para la edificación con el fin de enriquecerse. La suma de estos dos últimos protagonistas han dado lugar, en algunas ocasiones, a escándalos de corrupción en diversos municipios de toda España.

Alrededor de estos agentes pululan una fauna variopinta con intereses contrapuestos formada por bancos, que intentan hacer de una necesidad – la vivienda- un negocio, y con tal fin prestan (mejor dicho, prestaban), pensando que esta gallina de huevos de oro estaría permanentemente activa; los especuladores  privados (pertenecientes muchas veces a la ciudadanía, en general), también participan, pues adquieren viviendas con el fin de encarecer el mercado y vender cuando entienden que el precio es óptimo o máximo; los empresarios de la construcción y promotores inmobiliarios que, por supuesto,  no respondían a la idea de empresario modelo cuyo fin fuese la creación de empleo y riqueza. Algunos de ellos apostaron exclusivamente por lo último (la riqueza), y para este fin, a veces, y con el fin de la obtención de licencias o terrenos recalificados, medraron y porfiaron ante aquellos que  tenían esa potestad, léase políticos con competencias en materia de urbanismo.

Es de todo el mundo conocido como el poder político y el del empresariado de la construcción se entrelaza. A veces para bien, y otras para mal. Casos como el de Marbella es un clásico. Un empresario ligado a la construcción, Jesús Gil, con intereses inmobiliarios en  la ciudad y con un discurso eminentemente populista, decide presentarse a alcalde de este municipio malagueño. Tras su legítima victoria, el resultado urbanístico es bien conocido, para desgracia de los marbellíes y de su imagen pública.

Jesús Gil - a la derecha - como alcalde de Marbella con Juan Antonio Roca, -en el centro- su teniente de alcalde de urbanismo.

En Córdoba, al igual que en otras muchas ciudades del resto de España, las cosas jurídicamente son diferentes, aunque podrían darse situaciones análogas. Me explico. Los agentes sociales con intereses en el suelo urbano han sido los mismos. La ciudad ha disfrutado en estos últimos veinte años de una enorme cantidad de suelo procedente de propietarios individuales y de suelo público (por ejemplo, el Plan Renfe entregando las mejores parcelas – la manzana de oro - al mejor postor). Igualmente la ciudad ha tenido importantes empresarios ligados al mundo de la construcción, que han sido presentados y reconocidos públicamente por su éxito económico, personal y social. Sólo tenemos que mirar la nómina de los últimos propietarios del Córdoba CF para ver la importancia económica de determinados grupos empresariales locales (Arenal 2000, Prasa, Marín- Hilinger, etc…) ligados a la construcción.  La ciudad ha dispuesto igualmente de un capital importante a través de varias entidades bancarias y, especialmente, de alguna caja local, que ha prestado e invertido en el sector de la construcción. El poder político no ha sido ajeno a los “cantos de sirena” procedentes de estos agentes, repitiéndose las fotos entre los afortunados empresarios, con los políticos o con las entidades bancarias.

La ex-alcaldesa de Córdoba con el ex-presidente de Cajasur

Pues bien, es aquí cuando se entrelazan estos tres conceptos. Es necesario tener en cuenta todo esto para que cuando hablemos de urbanismo en la ciudad de Córdoba sepamos en qué lugar  ha estado cada uno de estos agentes. Finalmente, y ante esa extraña combinación de agentes sociales vinculados con el urbanismo, sería importante que el pueblo de Córdoba, la ciudadanía, que ha pagado sus pisos a precios de oro, no se vea afectada por la amnesia y, menos aún, por la dislexia.

Escrito por recursosghaverroes el 28/02/2011 18:49 | Comentarios (0)

Tenemos un Plan

Municipios que integran el área metropolitana de Córdoba

El área metropolitana de Córdoba está compuesta, además de por la capital cordobesa, por los municipios de Almodóvar del Río, Guadalcázar, La Carlota, Obejo, Villafranca de Córdoba, Villaharta y Villaviciosa de Córdoba, según el Plan de Ordenación del Territorio de la Aglomeración Urbana de Córdoba aprobado en 2009 por la Consejería de Vivienda y Ordenación del Territorio de la Junta de Andalucía. Esto hace que esta área metropolitana cuente con una población oficial en 2010 de 362.377 habitantes y una superficie de aproximada de 2333,77 Km².

La redacción del Plan de de Ordenación del Territorio (POT) de la Aglomeración Urbana de Córdoba se realizó a lo largo de 2009. Inicialmente se pensó en la posibilidad de integrar hasta 16 municipios, aunque la cifra se redujo a la mitad. En la redacción de dicho documento se incluyó una Evaluación Ambiental Estratégica del Plan.

La Junta de Andalucía valoró en el momento de constituir esta área metropolitana las “singulares características” que pueden distinguir esta área dada la enorme extensión de término municipal de Córdoba capital, la fuerte concentración de funciones administrativas y dotaciones de primer nivel y la distancia a otras ciudades medias.

Para responder a este nuevo agrupamiento urbano en mayo de 2009 espacio se concretó la creación del consorcio de transportes que gestionará y adaptará todas las concesiones de líneas de autobús para uniformar tarifas, marquesinas y señalización, además de estudiar otras posibles opciones como el tren de cercanías.

¿Qué otros pueblos de la provincia podrían haberse integrado en el área metropolitana de Córdoba? ¿Por qué? ¿Qué otras características singulares tiene el término municipal de Córdoba capital? Existen en Andalucía otras área metropolitanas ¿Describe alguna de las existentes? (Municipios que la integran, "singularidad", red de transportes,etc...)

Escrito por recursosghaverroes el 25/02/2011 08:25 | Comentarios (0)

¿En dónde me hallo? Tercera parte

No estamos ni en Ecuador ni en Colombia, aunque lo parezca. La ciudad de la que hablamos hoy forma una gran conurbación con el territorio que la rodea. Sin embargo, es una ciudad que ha ido creciendo de manera espasmódica. Uno de sus mayores impulsos urbanísticos lo vivió coincidiendo con el mandato del general Miguel Primo de Rivera. En esta época se embellecerá de manera notable la ciudad. El otro gran impulsó lo vivirá entre finales de los ochenta y principios de los noventa del pasado siglo. El emplazamiento de la ciudad es prácticamente llano, eso sí, como en la mayor parte de las grandes ciudades españolas un río la separa, y en su momento, dio lugar a una barriada muy singular en la ciudad. Posee un caso histórico no muy extenso, aunque sí bien delimitado y conservado en el que aparece en la zona noreste de la ciudad parte de los lienzos de su muralla . Esto no le impide tener igualmente grandes avenidas y eficaces rondas, que ahora permiten desplazar el tráfico hacia las afueras. Se le considera una de las ciudades más bonitas de España.  

Averigua de qué ciudad hablamos, indicando igualmente que dos hechos históricos del siglo XX la condicionaron, y en qué medida. ¿Qué barriada es esa tan singular?

Escrito por recursosghaverroes el 23/02/2011 21:56 | Comentarios (0)

La guerra vista por un niño

He visto esta película con ésta en dos ocasiones. Hay momento en que la película me parece fascinante, aunque el exceso de metraje le lastra en el total de su desarrollo. La película, “El imperio del sol” responde a la estética bélica de los filmes producidos y dirigidos por Steven Spielberg. Buena ambientación, buenas historias, mensajes directos a las conciencias y , en ocasiones, protagonistas infantiles o juveniles.

La película está basada en el libro homónimo y autobiográfico de J. G. Ballard escrito en el año 1984. Parece ser que David Lean estuvo igualmente interesado en este proyecto. Con todo Spielberg se llevó el gato al agua y finalmente esta producción estadounidense fue estrenada en 1987.

Está protagonizada principalmente por el joven actor Christian Bale. Este lleva el peso de la película. Le acompañan en el reparto John Malkovich, Joe Pantoliano, Miranda Richardson, Nigel Havers, Leslie Phillips, Masato Ibu, Emily Richard, Rupert Frazer y un joven Ben Stiller.

La fotografía es de Allen Daviau y la música de John Williams. El guión es de Tom Stoppard inspirándose como hemos dicho anteriormente en la obra de  J.G. Ballard. En la producción, además de Spielberg, están Kathleen Kennedy y el también director Frank Marshall. Fue  distribuida por la Warner Bros.

La película comienza con un travelling del agua en la que una embarcación poco a poco va encontrándose con ataúdes. Sobreimpresionadamente se nos cuenta como antes del inicio oficial de la segunda guerra mundial en Asia existía guerra entre Japón y China, por el control de este último espacio. Nos comenta este texto como los japoneses no habían todavía invadido las ciudades, especialmente Shanghai, una ciudad que vivía bajo la influencia occidental con una población europea de enorme peso. Sin embargo, en diciembre de 1941, el ejército japonés ocupa Shanghaiy la vida de una familia británica acomodada que vive en un exclusivo barrio de Shanghái , llevando un vida idílica y con unos empleados chinos que mantienen su modo de vida cambia con la  ocupación japonesa. La familia tiene un hijo, James, un chico muy ingenuo pero inteligente que adora los aviones japoneses, y su curiosidad lo mete en más de un problema. Desde ese momento la privilegiada vida de James Graham, un niño inglés malcriado y ególatra de clase alta toca a su fin.

El encuentro con el ejército japonés tiene lugar durante una fiesta de disfraces para expatriados británicos en la que el niño disfrazado de mago oriental topa con un zerosen japonés derivado en las cercanías de la casas. Tras lanzar su maqueta de avión esta cae tras un terraplén encontrando allí parapetados a los japoneses que dejan al niño. Curiosamente cuando se desplazaba la familia a la fiesta una multitud de chinos intentaba entrar en la ciudad huyendo del invasor. En el desplazamiento hacia la mansión la familia opta por pernoctar en un hotel de la ciudad. A la noche cuando todos duermen el niño se asoma a una ventana y observa un mensaje en forma de código con luces, el responde como si de un juego se tratara y la respuesta es un cañonazo. Comienza así la toma de Shangai.

Tras apenas encontrar una mínima resistencia por parte del ejército del Kuomintang, el imperial japonés se impone y obliga a todos los extranjeros a abandonar China en un plazo determinado, tras el que pasarían a ser considerados como enemigos. Con la toma de la ciudad por el ejército japonés la familia tiene que abandonar la ciudad y no sólo pierde sus posesiones durante la toma de Shanghai por los japoneses, sino que extravía a su hijo James durante el éxodo.

La separación es traumática pues una turbamulta separa al padre de la madre y el hijo, y a James de ésta. El chico regresa a casa tal y como le pidió su madre en el último segundo.

Allí ve que la casa al igual que las otras de la colonia británica ha sido tomada por el ejército imperial. Tras pasear por la misma encuentra a su cuidadora, persona que soportaba las humillaciones del insoportable niño, y en vez de protegerlo le abofetea. El niño queda sólo durante una larga temporada hasta que se agota el agua y la alimentación que había en la casa.

El hambre le obliga  a salir y se desplaza a la ciudad. En su desplazamiento en bici descubre que la ocupación japonesa es completa. Ve como retiran las imágenes de Chang Kai Chek y como por mucho que se rinda ante los soldados éstos le ignoran.

Después de pasar muchos periplos James, tras escapar de su joven que le quiere robar sus zapatos, se encuentra con Frank Demarest y Basie un par de americanos buscavidas (Joe Pantoliano y John Malkovich)  y de dudosa calaña que viven en un barco abandonado y que tienen como primer oficio el robo. James, que busca la protección de los mayores como sea, intenta evitar que los estadounidenses lo expulsen del grupo, y les indica que su casa está llena de valiosos objetos. Al ir al lugar descubren que está ocupado por japoneses y son hechos prisioneros.

Tanto los estadounidenses como James van a una gran nave con otros muchos civiles británicos. Allí mueren victima de la malnutrición y de la disentería permanecer allí es apostar por morir. Así que se las ingenian para ser trasladados y lo serán al campo de concentración de Soo Chow, cercano a un aeropuerto militar chino ocupado por los japoneses.

Basie (John Malkovich), unos de los estadounidenses, se erige como líder de los anglodescendientes del campo y utiliza a James como estafeta, donde tiene que usar su astucia y audacia para ganarse la confianza no sólo de este líder sino del oficial japonés, el sargento Nagata (Masato Ibu) que está a cargo, para mantenerse con vida en esas condiciones inhumanas.

Igualmente cuenta con la colaboración del Doctor Rawlins y con una pareja, el señor y la señora Victor (Peter Gale y Miranda Richardson) que actúan como si fuesen sus padres. Con el tiempo, James se gana el respeto y reconocimiento de todos en el campo, incluido Nagata. La película muestra el dolor de los prisioneros, sus penalidades e incertidumbres, su incomunicación, el escaso espacio vital, la insuficiencia de alimentos y medicinas y el trato vejatorio que soportan. Jim, a lo largo de su reclusión, desarrolla una actividad febril: atiende a pequeños y mayores, toma clases, intercambia objetos, cumple recados y sueña con aviones. Entabla amistad con un personaje singular, Basie (John Malkovich), líder de un grupo de pilotos norteamericanos, que estimula su curiosidad y su fantasía. La narración se presenta desde la mirada inocente de Jim.

El final de la guerra está cerca y los japoneses abandonan el campo con sus prisioneros, que son llevados a un estadio. James despierta una mañana y ve una luz blanquecina en la lejanía, es la mañana del 6 de agosto de 1945. Lo que es piensa que es un mensaje divino es la llamarada de las bombas atómicas.

Finalmente, después de haber pasado por toda una epopeya, James es acogido por la Cruz Roja. Poco después se reencuentra con sus padres, pero ha dejado de ser el niño que era, tras el impacto de lo que ha vivido. Hacia el final, cumplidos los 15 años, su capacidad de comprensión le vuelve más cauto y menos espontáneo. La obra hace un elogio apasionado de la infancia, puesta a prueba en situaciones extremas. Sus andanzas, correrías, peripecias y ocurrencias, aportan encanto y simpatía. En este ambiente dominado por la tristeza y la miseria más extrema se verá obligado a madurar prematuramente, y esto condicionará su visión del mundo.

Cabe destacar como dato anecdótico que una buena parte de la película fue rodada en China, Reino Unido  y en España, en las marismas de la localidad andaluza de Trebujena (Cádiz), y buena parte del reparto de extras y de los exteriores es gaditano y sevillano donde se rodó la película pertenecen a ese lugar.

La película fue nominada a 6 Premios Óscar incluyendo Dir. artística, Fotografía, Vestuario, BSO, y consiguió ganar varios otros premios como 3 Premios BAFTA: Mejor fotografía, BSO y Sonido. 6 nominaciones, y National Board of Review: 3 Premios: Mejor película, Director y Actor joven (Bale). Para los Globos de Oro consiguió  2 nominaciones: Mejor película drama, Banda  sonora.

Aquí como en el resto de sus películas contemplamos la enorme capacidad de trabajo de Spielberg, así como el interés que presta a todos sus proyectos, incluso a éste que no está considerado por los críticos como uno de sus grandes trabajos. Y es que sabemos que Spielberg es capaz casi siempre de los mejor, pero esa excelencia siempre es difícil, y esta película junto a “Amistad”, al igual que “1941” o ‘El color púrpura’ está entre las menos reconocidas, aunque la que menos pienso que es la de “Hook”.

La pérdida de la inocencia es sin duda el tema de esta película, que de manera obvia impregna todas las secuencias en las que un jovencísimo Christian Bale. En realidad, es uno de los temas mayores de su director, junto a nuestra fragilidad frente a los caprichos de la naturaleza y a nuestra imperfección moral. Adaptando la novela semi-autobiográfica de J.G. Ballard, el director se acerca por primera vez, con un estilo ambicioso y serio, a una tragedia de proporciones globales pero personalizado en la figura de un chaval privilegiado que, de pronto, se verá completamente solo en un entorno absolutamente hostil, al que tendrá que adaptarse o morir.

John Williams volvió a trabajar con el director (y le dio uno de sus más sentidos y menos recordados trabajos), y Allen Daviau, el director de fotografía, lo hizo por última vez. El director le pidió que emulara la luz y la densidad de las imagenes propias de un filme de los años 50, y para ser justos hay que decir que lo consiguió plenamente. No en vano este proyecto ya había pasado por las manos del gran David Lean (y era una historia ideal para él), un director tan admirado por Spielberg que cuando él tomó las riendas le ofreció a su ídolo dirigirla, aunque ya era demasiado tarde.

El director estadounidense es un fanático irredento de ‘El puente sobre el río Kwai’, y, en este caso, es imposible observar un tratamiento respetuoso tal y como le dio  Lean a los soldados japoneses en esta película, a pesar de usar aquí los ojos de James Graham, y que en este caso admira a algunos de los japoneses del campamento con quien incluso puede iniciar una corta amistad o respeto.

Christian Bale debutaba en esta película, después de algunos trabajos televisivos. Después de la excelente dirección de actores infantiles que Spielberg desplegó en ‘E.T.’, parecía muy seguro de sí mismo a la hora de guiar a un chico con un potencial evidente, pero tendente a interpretar en exceso sus secuencias. Bale es, hoy día, uno de los más sólidos actores norteamericanos y de mayor proyección del mundo. Y Spielberg puede presumir de haberle descubierto, pero no quizá de haberle ayudado a componer una gran interpretación.

Hay un gran mérito en hacer recaer todo el peso de la historia a un chaval casi sin experiencia, y salir vivo de ello. Bale se dejó literalmente la piel en este difícil trabajo, pero hemos de decir que, aunque muy esforzada su presencia, son demasiados los altibajos que la jalonan, y es cierto que por momentos está insufrible. Para entendernos: Bale es un chaval tan brillante como actor, intenta interpretar tan bien, que se pasa varios pueblos muchas veces, por lo que su interpretación es demasiado obvia. Le ha pasado en otras películas posteriores, ya adulto. A este muchacho hay que contenerle. Destaca los puntos de mayor atención del niño: el avión de juguete, la bicicleta, los aviones japoneses. El guión desarrolla la acción a un ritmo intenso, similar al de la vida de Jim. La interpretación de Christian Bale, en su debut en cine, es acertada, natural y desenvuelta. Le abrió las puertas de una nueva interpretación casi inmediata.

A su lado, John Malkovich da vida a uno de sus personajes más apasionantes. El hombre está muy bien, aunque quizá, por contra, demasiado contenido. Pero es uno de los aspectos más notables de la película, pues siempre le observamos con los ojos del chaval, y el aura, finalmente, que obtiene este personaje es indescriptible, casi mística. Spielberg se muestra magistralmente inteligente a la hora de dirigirle, y siempre que está en pantalla la película sube varios enteros. Malkovich borda un papel singular y difícil. La dirección construye una obra próxima a la perfección formal, que complace y deleita, aunque queda algo corta de emoción y fascinación.

Bienintencionada, con un punto de autocomplacencia incontestable, al final le acaban pesando a este buen ‘Empire of the Sun’ su irregularidad y su excesiva duración. Son escenas destacadas las de la multitud aterrada por la invasión japonesa, la separación de los padres, la marcha a través de una ciénaga a la captura de un faisán con peligro de la vida.

Spielberg pidiera filma con talento, muchísimo, pero sin convicción, con timidez, como si los grandes logros obtenidos hasta entonces, más que refrendarle, le lastraran. Y esta sensación aún duraría un tiempo con sus películas más ambiciosas.

La música comienza con el tema "Suo Gan", cantado por un coro de voces blancas, y concluye con el "Exultate iusti", de Ludovico Grossi da Viadana. Añade temas originales, como "Cadillac of the Skies" y "Toy Planes, Home and Heart", que reiteran el motivo principal. La orquesta (viento, prcusión y cuerdas) se complementa con solos de piano y de flautas orientales.

La fotografía hace gala de los recursos más gratos al director: contraluces, primerísimos planos, contrapicados, travellings espectaculares y movimiento de multitudes.

Entre las curiosidades señalar algunas cosillas. La película comienza con una imagen del mar en la que poco a poco van apareciendo ataúdes, acabando con una escena similar, mientras suena la música.

En la escena de la batalla calle de Shangai, algunos signos de negocios contiene nombres romanizados con el Pinyin en lugar del sistema Wade-Giles o de los sistemas tradicionales que se estaban utilizando en ese momento.

En la caótica escena de la calle donde Jim es perseguido por un rufián de su misma edad, pasan por una fachada con la publicidad de la película Lo que el viento se llevó. La película que se  estrenó en 1939, no publicitó ese cartel. Y ese cartel en particular y los más famosos no aparecerán hasta 1967, durante su reestreno.

Los modelos de aviones que a los que Jim prendió fuego son los modelos de plástico de Aurora. Estos modelos no fueron creados hasta 1957, unos 16 años después la historia se lleva a cabo.

El barco de guerra japonés al que Jim hace señales en el puerto es un destructor que se puso en marcha a mediados de 1950, unos 14 años después de la película tiene lugar.

En una escena en la parte estadounidense del campo de prisioneros, un preso se oye tocar la canción "I Left My Love" en la armónica. La canción es de la película The Horse Soldiers de 1959 y fue compuesta específicamente para la película por el compositor Stan Jones , quien también tuvo un cameo en ella.

En una de las primeras escenas donde la madre de Jamie está sentada al pie de su cama, la madre enciende un cigarrillo. Cuando se pone de pie para salir de la habitación, el cigarrillo ha desaparecido.

Cuando el camión abandona el hangar para el campamento de internamiento de Suzhou, no tiene marco para la cubierta trasera. Cuando llegan a Suzhou, el marco está claramente presente.

Jim no pudo haber presenciado la explosión de una bomba atómica en Japón, con nada que se acerque el detalle se muestra en la película. La distancia entre la parte continental de China a Nagasaki, en su punto más cercano (aproximadamente 475 millas), es más allá de la distancia desde el lugar de la prueba Trinity en Nuevo México a Denver, Colorado (aproximadamente 450 km.) La distancia desde la parte continental de China a Hiroshima aún es mayor (aproximadamente 640 millas.) Aun teniendo en cuenta no haya obstáculos del terreno, la curvatura de la Tierra a una distancia impide algo más que un breve resplandor tenue en el horizonte.

Cuando Jim se realiza la RCP en la mujer en el hospital, que está presionando hacia abajo cerca de la zona de la clavícula, en lugar de varios centímetros más bajo, como hubiera sido correcto.

Cuando Jamie se acerca al primer Zero que se estrelló cerca del lugar de la fiesta de disfraces el timón en la cola está recta. Cuando su modelo de avión desaparece en la colina y él sale y va tras él, el timón en el cero está marcando hacia la izquierda. Sin embargo entre estos dos disparos fotográficos el niño ha jugado con los controles, y lo más probable es que ha presionado los pedales del timón.

Escrito por recursosghaverroes el 20/02/2011 19:23 | Comentarios (0)

Cinco elementos

El quinto elemento es una película francesa (con co-producción de EE.UU.) de 1997, dirigida por Luc Besson, y que a lo largo de los 127 minutos se combinan con la ciencia ficción, la acción y la comedia “frikie”.

El quinto elemento dirigida y guionizada por Luc Besson (ayudado porRobert Mark Kamen) y protagonizada por Bruce Willis (Korben Dallas), Gary Oldman (Jean-Baptiste Emanuel Zorg), Milla Jovovich (Leeloo), Luke Perry (Billy), Ian Holm (Sacerdote Vito Cornelius), Chris Tucker (Ruby Rhod), Brion James (General Munro).

La fotografía es de Thierry Arbogast. La película está coproducida por la Gaumont francesa y por la Columbia Pictures. La música es de Eric Serra.

Cada 5.000 años se abre una puerta entre dos dimensiones. En una dimensión existe el Universo y la vida. En la otra dimensión existe un elemento que no está hecho ni de tierra, ni de fuego, ni de aire, ni de agua, sino que es una anti-energía, la anti-vida: es el quinto elemento.

En el año 1914, un arqueólogo italiano y su joven ayudante se encuentran en el desierto de Egipto estudiando unas grabaciones en las paredes de un templo antiguo, muy cerca de hacer un gran hallazgo. Los grabados indican que cada 5000 años llega a la Tierra un ser llamado El Maligno. Un clérigo está a punto de descifrarlo cuando aparecen los Mondoshawah, una raza alienígena que busca ayudar a los seres humanos mediante 4 piedras, los 4 elementos de la naturaleza.

Aparecen para llevarse las piedras a un lugar más seguro, debido a que no confían mucho en la raza humana a pesar de que quieren ayudarla, por lo cual deciden dárselas a “la diva” (cantante alienígena de ópera en el Paraíso Fhloston. Antes de marcharse y llevarse las piedras, esta raza alienígena le dice al clérigo que las custodia que transmita su información a otra persona, hasta el retorno de El Maligno, pero que en ese momento igualmente regresarán ellos con el fin de ayudarles. Le anuncian que esto ocurrirá en un futuro próximo: en 300 años. 300 años después, en marzo del año 2263, El Maligno vuelve a amenazar la Tierra con la ayuda de Zorg (un empresario mesiánico) y con ellos también regresan los Mondoshawah, como habían prometido, cuya comitiva sufre un ataque al cruzar la frontera de la confederación planetaria y terminan estrellándose en la Luna, creyendo así el sucesor del clérigo, el sacerdote Vito Cornelius, que las piedras fueron destruidas. Del impacto por el ataque sólo “sobrevive” una mano de un Mondoshawah, a la que llevan a un centro científico de Nueva York. Una vez allí los científicos reconstruyen al “superviviente” a partir de la mano del alienígena. De la mano surgirá Leeloo , una bella alienígena con un cuerpo reconstruido en forma humana. Ella  despierta asustada y confusa. Leeloo no sabe hablar el actual idioma, debido a que ella habla el idioma divino el que se hablaba antes, mucho antes, “antes de que el tiempo fuera tiempo” y al no entender la situación escapa.

Ella (el ser supremo) llega a una gigantesca ciudad, en la que los automóviles vuelan, al igual que otros elementos urbanos, y, sin encontrar otra opción se ve obligada a saltar al vacío, ya que la policía la está persiguiendo. Al saltar Leeloo cae en el taxi de Korben Dallas (él es un taxista, a el cual solo le quedan 5 puntos en su licencia de conducción) quien la ayuda a escapar de la policía.

Más tarde, Leeloo antes de desmayarse por el golpe, le menciona a Vito Cornelius, un sacerdote. Luego de escapar de la policía Korben lleva a Leeloo a casa del sacerdote. Cuando llegan el sacerdote se da cuenta de que está al frente del Quinto elemento, el ser supremo que salvará al la humanidad. Esa misma tarde, Korben lo lleva a su apartamento.

Allí llega el sacerdote Vito Cornelius y su ayudante, personas que enseñan a Leeloo a hablar bien el idioma, ya aprender todo su pasado y el de la Tierra mediante una pantalla-computador de esos 5000 años en que ella no estuvo.

Descubren que Korben posee unos billetes para ir al “Paraíso Fhloston” pues los ganó en un concurso de croquetas Géminis. Esto será aprovechado por el sacerdote Vito Cornelius quien golpea a Korben y le roba los billetes con el fin de viajar con Leeloo  a Fhloston  y realizar desde allí el salvamento de la tierra por las piedras.

En el aeropuerto, Korben se presenta como el esposo de Leeloo. Allí Korben es entrevistado por Ruby Rhod (D.J famoso) y que promociona el viaje. Tras partir al Planeta Fhloston a cumplir su misión (que es la misma: encontrar las piedras y salvar al mundo). Allí Korben y Leeloo y luchan contra el ejército de Zorg y del Maligno “shadow” (sombra), los cuales desataron un ataque terrorista buscando las piedras, pero lo que ellos no saben es que éstas están dentro de la Diva.

Accidentalmente ella recibe un disparo en el estómago, por lo cual cae al suelo casi muerta. Korben saca las piedras (que están dentro de ella) y se dirige a buscar a Leeloo y a Vito.

Mientras ellos llegan a Egipto, muy apresurados porque el planeta se acerca grandes velocidades…El ejército del presidente de las confederaciones continúa luchando contra el planeta, el maligno o shadow. Ya en Egipto, Korben, Leeloo, Ruby, Vito y su asistente buscan la forma de que las piedras funcionen. Cada piedra o elemento con su respectivo elemento, pero falta Leeloo, el quinto elemento. Ella dice no querer salvar el mundo ya que cuando, en la pantalla-computador, pasó por la W vio “War” (guerra) y no le gustó para nada, todo lo malo que hacen los seres humanos. Korben insistiéndole en que podía salvar el amor, la convenció…Se besaron y... encontraron cual era el quinto elemento: El Amor. Leeloo hace un gran rayo de luz, con el que detiene el planeta que viene a grandes velocidades y salva la Tierra, el maligno es destruido y se convierte en una segunda Luna. El presidente y su “gente” celebran muy felices. El presidente quiere ver a Korben y a Leeloo para felicitarlos y celebrar con ellos, pero el científico (el de la reconstrucción) dice que están en reposo y se asoma y ellos están haciendo el amor, por lo cual le dice que aún no están listos.

Principalmente situada en una futurista Nueva York, la mayor parte de la película fue filmada en los estudios Pinewood de Inglaterra tales como las escenas interiores de la nave espacial, tiroteo,  aunque algunas escenas se rodaron en Mauritania e Islandia. La escena del concierto fue filmada en la Royal Opera House de Covent Garden, Londres.

El diseño de producción fue desarrollado por dos grandes autores de cómic franceses, Jean Giraud (Moebius) y Jean-Claude Mézières. El diseño de vestuario a su vez fue creado por el famoso diseñador de moda Jean-Paul Gaultier.

La película fue bien recibida por la crítica. Fue elegida para la apertura del Festival de Cannes de 1997, y se convirtió en un éxito en taquilla, recaudando 263 millones de dólares cuando su presupuesto fue de 80 o 90 millones de dólares.

El Quinto elemento fue nominada a los premios Oscar de la Academia de 1998 en el apartado de Mejor edición o efectos de sonido. Ganó el BAFTA a los mejores efectos especiales, y ganó 3 (Fotografía, diseño de producción, director) . 8 nominacionesde las 7 nominaciones a los premios César, incluyendo el de mejor director para Luc Besson. Aunque también recibió dos nominaciones a los Premios Razzie: Actriz sec. (Jovovich) y nueva estrella (Tucker).

Esta película fue denunciada por plagio ante juzgados de París por parte de Moebius y Alejandro Jodorowsky, pues su argumento lo consideraban un plagio del célebre cómic El Incal.

Luc besson comenzó a escribir el guión de esta cinta cuando tenía 15 años, escribía para escapar de su realidad y vivir aventuras en su mente. Al final tenía un texto de casi 5.000 páginas. Lo que vemos en la película es sólo un resumen de todo lo escrito por él. Luc Besson quería que Jean Reno fuera el protagonista y que la película se desarrollara en tres parte. Los productores impusieron a Bruce Willis.

La historia es así: un antihéroe, Korben Dallas que debe proteger el Quinto Elemento, clave para salvar al mundo; para ello, Besson rodea a su héroe por un lado de los buenos, como los simpáticos sacerdotes (Cornelius), la loca superstar de la radio, Ruby Rhod , la extraordinariamente bella Leeloo, compendio de la perfección, o la soprano alienígena Diva Plavalaguna (sorprendente canción la que canta, con voz de Sarah Brightman), y por el otro lado, los malos, desde el esbirro Jean-Baptiste Emmanuelle Zorg, los mercenarios Bangalore, opuestos a los buenos y un tanto memos Mondoshawan, todos al servicio del malvado, que lo es a lo grande, un planeta oscuro y malo por excelencia.

La película es gran medida es un delirio con sus coches volando, los taxis con todo tipo de artilugios inimaginables  o con McDonalds flotando. La poca seriedad de la película se refleja en una de sus primeras secuencias, durante el prólogo situado en el Egipto de 1914, en la que el arqueólogo italiano que se topa de súbito con un mondoshawan mantiene la compostura y le pregunta: “¿Es usted alemán?”

Lo mejor de la película descansa en su originalidad en la que tienen un enorme peso el diseño conceptual de los dibujantes Méziéres y Moebius (algunos realizados expresamente para la película por ellos y otros tomados libremente por Besson) visibles en la nave mondoshawan, la diva Plavalaguna, el “Transatlántico” del paraíso “Fhloston”, la policía de asalto, la oficina de Zorg, el denso tráfico "aéreo", la recargada Nueva York... Un mundo futurista de una riqueza visual desbordante. Otros elementos menores se retratan como la pasión por la comida rápida, las estrellas de la comunicación sumidas en la divismo, militares y científicos obsesos con la chica. Por lo tanto estamos no ante una película de ciencias ficción, sino ante una comedia espacial o delirio cómico lleno de tiros, extraterrestres y armas.

Y a ello se le pueden sumar algunas citas inolvidables como el "¡Multi-pase!" y "¡Se le ha restado un punto a su licencia!" "Las piedras están... en mí...", "El señor Zorg no quiere que le llame nadie salvo el señor Sombra, y es... el señor Sombra, señor" o  "Con esta pequeña destrucción... ¡estoy fomentando la vida!"

A veces la película llega a  lo grotesco y lo circense, con situaciones estrafalarias o personajes estrambóticos inspirados en Prince. La película es un despropósito constante.

Otras curiosidades del filme son la de ser una de las pocas películas, sino la única en donde el héroe y el villano no tienen contacto de ningún tipo, o la de ser en su momento la película más cara que se había rodado fuera de Hollywood.

La lengua hablada por Leeloo fue inventada por el director Luc Besson y perfeccionado por Milla Jovovich. Al final de la filmación fueron capaces de mantener conversaciones completas en este idioma.

La explosión principal en la sala Fhoston fue la mayor explosión jamás filmada en interiores.

Oldman en una escena de la película dice una frase atribuida a Nietzsche “Lo que no te mata, te hace más fuerte”. Todo una sentencia que pasará al cine en otras ocasiones.

Cuando el presidente planetario le dice al clérigo que tienen 20 segundos para trasmitir su mensaje lo hace en ese tiempo.

Los parásitos se desinfectados del tren de aterrizaje del avión (con destino a Fhloston Paraíso) por un equipo con trajes sellados son en realidad Boglins, los juguetes de títeres de 1980. Con ellos es una bola de Bumble, una bola de pilas temblando y vibrando cubierta con botones de goma.

Cuando a Willis le notifican que ha perdido su licencia le dice “Notificación de la resolución de su contrato a partir de hoy debido a la violación de los códigos HFGY56, 74HVB, 00JGHY, MNH356585, MCNH485757, 0478N. Su compromiso con esta empresa termina de inmediato. Firmado: Zorg.

Por último, indicar que la película está llena de frases, algunas de ellas dignas de reflejar como :

El soberano cabreo de Zorg cuando descubre que el estuche que le han traído sus guerreros esta vacío.
-Pidió un estuche y se lo hemos traído
-¡¡Un estuche con cuatro piedras dentro. No una, ni dos, ni tres sino cuatro, cuatro piedras!!, ¡¡¡¿¿¿ Qué como pretendes que haga con un estuche vacío???!!!
-Somos guerreros, no mercaderes.
-¡¡Pero sabéis contar!! ¡¡Mira es fácil!!, ¡¡Mira mis dedos!! (y señala) ¡¡cuatro piedras, cuatro cajones!! ¡¡¡¡Cero piedras, Cero cajones!!!!

-"Aa-a-a-auto-to-to-tolavaa-do"

-"Yo no he venido a hacer de pumba en la radio"

-"Superverde"

"¡¡¡Ko-Ko-Ko-Korben!!!... Korben, machote, no tengo fuego, no tengo cerillas, no habría dejado de fumar de haber sabido...¡¡¿Padre, usted fuma?!!"

"Yo solo hablo dos idiomas: normal y con tacos"

"Leeloo Dallas multipase"
"Mul-ti-pa-se, multipase, muuuuultipase"

PD: Preparando esta entrada he encontrado estos dos enlaces que os pueden interesar para ver la evolución de la ciudad de Córdoba y su estado actual.

Los caminantes

Durante el otoño de este año he disfrutado con unas de las series del año: The Walhing Dead. He visto las dos primeras temporadas. Bueno, realmente la primera al completo con sus seis capítulos, y los seis primeros capítulos de la segunda temporada. La primera resultó más espectacular que la segunda, con más acción. A veces, como en el capítulo inicial como en algún otro realizaban "flash - backs" explicativos sobre el origen del holocausto o de los personajes. Estos seis primeros capítulos están llenos de acción y de sustos. La segunda temporada es más pausada en sus planteamientos en parte por la búsqueda de Sophie y la llegada y cobijo en el rancho de los Herschell. 

El 20 de enero de 2010, AMC anunció oficialmente que habían ordenado un argumento para una posible serie adaptada del cómic The Walking Dead, con Frank Darabont y Gale Anne Hurd como productores ejecutivos y Darabont como guionista y director. La serie entera está basada en las dos primeras temporadas en el material original, los guiones de televisión, y la participación de Darabont. Se comenzó a filmar en Atlanta, Georgia el 15 de mayo de 2010 después de que AMC había ordenado oficialmente un sexto episodio de la primera temporada. Los episodios restantes de la serie comenzaron a filmarse el 2 de junio de 2010 con Darabont de productor ejecutivo. El 17 de julio de 2010, Darabont reveló quién estaría escribiendo y dirigiendo los seis episodios de la primera temporada. Darabont escribió y coescribió los primeros tres episodios y dirigió el primer episodio.

Michelle MacLaren dirigió el segundo episodio. Charles H. Eglee, quién hace de productor ejecutivo, y Jack LoGiudice coescribieron el tercer episodio con Darabont que fue dirigido por Gwyneth Horder-Payton. El cuarto episodio fue escrito por Robert Kirkman, quién creó y escribió el cómic, y fue dirigido por Johan Renck. El quinto episodio fue escrito por Glen Mazzara y dirigido por Ernest Dickerson. El sexto episodio fue escrito por Adam Fierro y dirigido por Guy Ferland. La serie es filmada completamente en película de 16 mm. David Tattersal y David Boyd sirven como directores de fotografía de la serie. El diseño de producción está hecho por Greg Melton y Alex Hadju. El equipo de efectos incluyen a Gregory Nicotero como maquillaje de efectos especiales, el coordinador de efectos especiales Darrell Pritchett, y los supervisores de efectos visuales Sam Nicholson y Jason Sperling.

Los derechos internacionales de transmisión para el show fueron vendidos y anunciados el 14 de junio de 2010. La serie comenzó con un episodio piloto, de sesenta minutos de duración, y que fue estrenado por la cadena AMC el 31 de octubre de 2010. La segunda temporada se estrenó el 16 de octubre de 2011 en los Estados Unidos, y días más en Latinoamérica y España.

La serie cuenta la participación de un elenco de personajes principales y otro variado de secundarios que van cambiando por episodios o temporadas. Siete actores son los que han sido confirmados como los protagonistas principales de la historia. Los cuales son la familia Grimes: conformada por Rick, Lori y Carl. Shane Walsh el líder de la comunidad sobreviviente, Glenn un ex repartidor de pizza, Andrea hermana mayor de Amy y Dale un anciano dueño de la camper en la que viajan los sobrevivientes.

Entre los actores principales están Andrew Lincoln en el papel de Rick Grimes , John Bernthal en el de Shane Walsh, Sarah Wayne Callies  como Lori Grimes , Chandler Riggs (Carl Grimes) , Steven Yeun como Glenn o Norman Reedus como Daryl Dixon. Igualmente aparecen  varios actores que ya conocidos para Frank Darabont, incluyendo a Laurie Holden (Andrea), Jeffrey DeMunn (Dale Horvath) y Melissa McBride.

En los seis capítulos de la primera temporada se centra en Rick Grimes, quién recibió un disparo y terminó en un coma por un tiempo indeterminado. Cuando se despierta del coma, se encuentra en un escenario apocalíptico con muertos vivientes.

Él se va del hospital y descubre que su esposa e hijo están desaparecidos. Rick se arma y, después de oír un rumor sobre una "zona segura" de un sobreviviente, comienza un viaje peligroso a Atlanta, donde se dice que los Centros para el Control y Prevención de Enfermedades están en una zona segura en la ciudad y donde su familia quizás pueda estar escondiéndose. Durante su viaje, Rick ve la devastación de la sociedad y la infraestructura dejada por los "caminantes" (un apodo dado a los zombis). Tras llegar a Atlanta, pronto descubre que la ciudad está invadida por caminantes y no está en una zona segura.

A unos pocos kilómetros de la ciudad, la esposa de Rick, Lori y su hijo Carl, se han estado escondiendo de los caminantes con Shane Walsh, el ex-compañero de trabajo de Rick y su mejor amigo. Han establecido un campamento con un pequeño grupo de sobrevivientes del país.

Después de ser rescatado de Atlanta por un grupo y de haberse reunido con Lori y Carl, Rick asume una posición de mando con Shane y debe tener responsabilidad no sólo para su familia, sino para la supervivencia del grupo. Parte del grupo va a Atlanta para recuperar armas, donde tienen un conflicto con los otros supervivientes, pero Rick pronto alivia las tensiones.

Sin embargo, en su regreso al campamento, encuentran que ha sido casi invadido por los caminantes. Esperando encontrar un tratamiento médico para un miembro lesionado, el resto del grupo decide regresar a Atlanta y buscar ayuda del CDC.

En la "zona segura" del CDC, todos menos un miembro del personal, el Dr. Edwin Jenner, se han ido o se suicidaron. El Dr. Jenner explica que su investigación para la causa del "apocalipsis zombi" no ha dado los resultados que esperaba. Pero el edificio de CDC no es seguro. Al día siguiente, la falta de gasolina de los generadores provoca que los protocolos de seguridad se inicien. La explosión resultará en la destrucción del CDC; y fue hecho para prevenir el escape de enfermedades mortales. El Dr. Jenner explica que los franceses quizás tienen la cura, ya que sobrevivieron más tiempo en sus laboratorios. El Dr. Jenner y Jacqui, un miembro del grupo de Rick, eligen quedarse en el CDC a pesar de la inminente explosión. Antes de que el grupo huya, el Dr. Jenner le susurra algo desconocido en el oído a Rick. El grupo escapa mientras Jenner y Jacqui son asesinados por la autodestrucción del edificio. Con esto acaba la primera temporada.

El 31 de agosto de 2010, Darabont había informado que The Walking Dead tendría una segunda temporada de trece episodios, con la producción que comenzaría en febrero de 2011. Además del rumor de la segunda temporada, de acuerdo con la productora Gale Anne Hurd, todas las temporadas futuras tendrán trece episodios. Darabont, quién escribió y dirigió el comienzo, habló de sus planes en introducir a Michonne tempranamente en la segunda temporada. También le gustaría incluir parte de "los elementos del ambiente" que toman lugar en el Volumen 2 del libro de Kirkman. Esta segunda temporada se grabó en Georgia y en ella se introducen entre otros, el granjero Hershel, su hija Maggie y el capataz Otis, que tendrá un protagonismo fugaz.

La segunda temporada se estrenó en los EE.UU el 16 de octubre de 2011 y tiene 13 episodios. La filmación comenzó en junio de 2011 en el área metropolitana de Atlanta.

Escrito por recursosghaverroes el 15/02/2011 18:45 | Comentarios (0)

A manchas

101 dálmatas: ¡Más vivos que nunca! en España o 101 dálmatas: ¡Ahora la magia es real! en Hispanoamérica es una película estadounidense del año 1996, basada en la película homónima de la compañía Disney y en los libros del escritor Dodie Smith. El guión fue escrito por John Hughes correspondiendo la música a Michael Kamen. El montaje fue obra de Larry Bock.

La película fue dirigida por Stephen Herek y protagonizada por Glenn Close, Jeff Daniels, Joely Richardson -hija de Vanessa Redgrave- , Joan Plowright, Hugh Laurie y Mark Williams en sus principales papeles. La fotografía es de Adrian Biddle. La producción recayó en Buena Vista, la filial de Disney.

Tras un encuentro fortuito, Roger y Anita se enamoran. Cada uno de ellos tiene un perro dálmata y los perros caen enamorados también. Anita es diseñadora en la casa de modas De Vil, dirigida por la cadavérica y malvada Cruella De Vil, cuya máxima ilusión es tener un abrigo de piel de dálmata. Obsesionada por obtener la auténtica piel de dálmatas para crear su nueva línea de moda, Cruella de Vil no se detiene ante nada. Cuando Anita, una de sus mejores diseñadoras, le cuenta lo contentos que están ella y su marido Roger, porque su pareja de dálmatas, Pongo y Perlita, van a tener cachorros, la mente de Cruella empieza a maquinar para hacerse con los pequeños. Cruella se presenta en la casa dispuesta a comprarlos. Ante la negativa de la pareja, contrata a dos poco inteligentes ladrones, Gaspar y Horacio, para que roben los perritos. Los delincuentes consiguen su propósito tras asaltar a Nanny y se llevan los cachorros a una granja abandonada. Allí les espera Cruella, ansiosa por su abrigo. Pero los perros de Roger y Anita siguen el rastro de sus cachorros y una vez que llegan a la granja dan su merecido a Cruella, tendiéndole trampas, donde un pájaro le roba el sombrero más tarde cae en un bidón de melaza y luego en un charco de barro de cerdos, que finalmente es detenida por la policía.

Basada en la película de Disney de 1961, esta versión con personajes humanos tuvo mucho éxito de público, y la crítica unánimemente destacó la interpretación de Glenn Close como Cruella De Vil. El personaje de Close fue incluido en la lista de los 50 peores villanos de la historia del cine confeccionada por el American Film Institute. El éxito de la película, provoca varias producciones de continuación. Una secuela cinematográfica, 102 dálmatas, estrenada el 22 de noviembre de 2000.

La película fue premiada en varias festivales, incluso en algunos de prestigio dada principalmente la interpretación de Glenn Close. Su actuación en la película le valió una nominación a la mejor actriz de comedia en los Globos de Oro de 1996, o premios en los Satellite Awards y para la Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films, así como candidaturas diversas para los BAFTA británicos de ese año (Candidatura al mejor maquillaje para Martial Corneville y vestuario para Rosemary Burrows).

En cuanto al número de perros en principio eran 15 perritos a los que luego se les unían otros 84 (si no se me ha olvidado contar) que Cruella de Vil había comprado. Sumando los dos padres hacen 101; de ahí el título. La película es un  fiel remake de la versión animada, que a su vez está basado en un cuento infantil de Dodie Smith.

Excelente labor de Glenn Close que incluso llegó a dañarse la garganta intentando imitar la terrible voz de Cruella. Close se muestra divertida, sarcástica y con un humor muy negro. Ella es la película, hace una magnifica interpretación. Es pasablemente entretenida en sus 108 minutos por su vestuario, maquillaje y peluquería idóneos. Las partes de los golpes de los dos colaboradores de Cruella Devil son muy divertidas y graciosas.

Escrito por recursosghaverroes el 08/02/2011 23:51 | Comentarios (0)

¡Qué malo es el alcohol!

Un sabor de boca agridulce me deja esta película. Es la segunda vez que la veo y todavía no siento una gran atracción total hacia ella, y especialmente hacia su protagonista. Sospecho que el tema del suicidio alcohólico no me parece atractivo. Me parece más bien, repulsivo. Y el producto final no me atrae mucho. El trabajo de actores, bien, pero, sinceramente, mejor ella que él.

Leaving Las Vegas es una película norteamericana de 1995 dirigida por el británico Mike Figgis, y protagonizada en sus papeles principales por Nicolas Cage y Elisabeth Shue. A estos se le unió Julian Sands en un breve papel como proxeneta letón de Sera, así como otros secundarios como Richard Lewis, Steven Weber, Valeria Golino.

Nicolas Cage y Elisabeth Shue  fueron reconocidos internacionalmente por sus  interpretaciones, y ambos actores resultaron nominados al óscar al mejor actor, aunque sólo Nicolas Cage consiguió ganar el premio. Estuvo producida por Lila Cazès para Lumière Pictures e Initial Production. El guión está escrito por el propio director y John O'Brien. La fotografía de tonos principalmente oscuros es de Declan Quinn, mientras que el montaje correspondió a John Smith. La escenografía y el vestuario fueron obra de Barry Kingston y Laura Goldsmith, respectivamente. La música fue obra del propio director y a la misma se suman las canciones lánguidas de Sting.  La película está basada en la autobiografía de John O'Brien, que se suicidó pocos meses antes del estreno de la película. Este es uno de los escasísimos casos en que el guión supera con creces a la novela, autobiografía de John O'Brian, que escribió los dos y se pegó un tiro antes de que la película viese la luz.

La película es un drama que se desarrolla durante 112 minutos y se rodó en escenarios reales de California (L.A., Burbank, Santa Mónica...), Nevada (Las Vegas) y Canadá (Halifax) y en estudio, con un presupuesto ajustado de 4 M USD. Nominado a 4 Oscar, gana uno (al mejor actor, Nicolas Cage). Además ganó un Globo de oro el actor, aunque igualmente obtuvo 4 nominaciones. Tres fueron las nominaciones para los BAFTA (actor, actriz y guión adaptado). El círculo de críticos de New York le otorgó el primer premio a la mejor película´

Se proyectó por primera vez en público el 15 de septiembre de 1995 el el Toronto Film Festival.

La película tuvo un presupuesto $4 millones y generó por venta de taquillas la cantidad de $49,8 millones, además recibió 43 nominaciones a diferentes premios y/o festivales de cine, de los cuales ganó 26 de ellos, incluyendo un Oscar para Nicolas Cage como mejor actor (estuvo nominada para Mejor director (Mike Figgis). - Mejor actriz (Elisabeth Shue). - Mejor actor (Nicolas Cage). - Mejor guion adaptado (Mike Figgis). El festival de San Sebastián le otorgó 2 premios al mejor director y mejor actor (Nicolas Cage) y la National Board of Review concedió el de mejor actor a Nicolas Cage.

La acción dramática tiene lugar en Hollywood y Las Vegas, a lo largo de unas semanas, en 1995. Benjamin “Ben” Sanderson (Nicolas Cage), guionista, pierde el trabajo a causa de su adicción al alcohol. Recibe la noticia de su despido sin sorpresas y sin hostilidad. Ben cae en una espiral autodestructiva después de que su esposa lo abandone. Esta autodestrucción le lleva a la bebida y de ahí al tobogán. Tras perder también su trabajo en Los Ángeles y ser repudiado por sus amigos y compañeros de trabajo por su dependencia del alcohol. Se traslada a Las Vegas la ciudad del juego, del pecado y la malicia decidido a beber sin freno hasta morir. Elige la ciudad de Las Vegas porque en ella los bares permanecen abiertos las 24 horas del día. Allí conoce a Sera (Shue), una joven y atractiva muchacha, que trabaja como prostituta.

Él es un hombre desesperado, solitario, sin familia y con deseos de que su vida acabe en poco tiempo. Ella es dulce, amable, sensual, sensible y comprensiva. y entablan una relación marcada por el amor y el alcohol en donde ella depende de él y él depende de la botella Como le pide él a ella en un momento “Pídeme lo que quieras, pero nunca que deje de beber” muestra de su idea autodestructiva. Será la prostituta Sera la que lo redimirá y le dará amor. Mike Figgis nos regaló un retrato demoledor y durísimo sobre dos personas al borde del abismo que intentan redimirse una a la otra. Por donde se la mire esta historia de amor bizarra que para unos puede ser maravillosa y para otros sumamente angustiosa y sombría sin esperanza alguna.

Es una película para escuchar, con buena música y buenas frases, algunas lapidarias en medio de luces y acariciantes sonidos de Jazz, una película que se sostiene por la perfecta dirección de Figgis y por la monumental actuación del genio que es Nicolas Cage, sin duda en su trabajo más premiado, quién dota de una intensidad increíble a su criatura, no hay palabras para describir a los momentos que tiene este con la hermosa y maravillosa Elisabeth Shue, que con un trabajo consagratorio, emocionó e hizo vibrar a muchos, aunque no a todos.

Como ya he dicho es una película de frases. En un momento dado él le dice a ella: Beber es mi forma de matarme ó matarme es mi forma de beber. Sin duda con esa frase se resume esta historia de amor en la que Nicolas Cage que decide morir bebiendo, a lo largo del camino contemplamos con desasosiego su actitud hacia un mundo al que ya no pertenece y del que se encuentra muy lejos, su breve estancia en la ciudad del juego, se convierte en una especie de purgatorio donde su espíritu se libera, se trata de la libertad que te proporciona el no tener ya nada que perder por que ya está todo perdido de antedicho y pasar por encima de todos los convencionalismos que nos encadenan a este mundo, eso sí, siempre pagando religiosamente su tributo a la bebida, todas las bebidas. Es desencadenante se nos presenta en breves fotos de su matrimonio, de su hijo o de la bicicleta de su hijo. La decisión se toma cuando quema todo lo que tiene antes de su salida de Los Angeles. Al entrar en la ciudad de Las Vegas topa con la prostituta. Iniciándose por parte de ella tras la negociación un cariño cercano al que le daría una madre a un hijo cuando se hace una herida, de ahí la hermosura de la historia, aunque existen algunas frases dirigidas por Cage a Shue cercanas al bochorno como la de 'Gatita, eres luminosa!' "He venido a Las Vegas a matarme bebiendo". Otras de cierto calada como la de "No sé si empecé a beber porque mi mujer me dejó, o si mi mujer me dejó porque empecé a beber" o la tremenda "Aparte del olor a alcohol y de algún babeo ocasional, algunas veces dices cosas muy interesantes."

Dos personas olvidadas o rechazadas por cualquier sociedad decente unen su vidas de la manera menos prevista en el mejor lugar del mundo acorde para dicho evento, Las Vegas, uno toma sin un aparente porque y la otra trabaja como puta para mantener su estilo de vida y el de su proxeneta, quien para variar debe mucho dinero.  La película está salpicada del buen gusto auditivo de escuchar a Sting en My one and only love hasta su apasionado final. LO dicho, magnífica la Banda Sonora, compuesta por Mike Figgis (que no es otra cosa que un músico de jazz metido a director de cine en sus ratos libres) a la que acompaña la voz de Sting, suave y melancólica cantando la estrofa de Angel Eyes, que da título a esta crítica.

Elisabeth Shue juega con la dureza inicial visible en su relación con su chulo, Yuri (Julian Sands), un inmigrante letón, que desaparecerá súbitamente y con la dulzura al tratar con delicadeza a Cage y la fragilidad notoria cuando es violada y vejada por una panda de jóvenes que la destrozan. Ella encarna a la perfección el ángel protector lleno de ternura y sexualidad que es necesario desechar para inmolarse apestando a alcohol de 40 grados. Ella acaba por acompañándole en su tristísimo descenso hacia los infiernos y la muerte. Ben por momentos se pierde y es Sera quien lleva el mando de la película, siendo ella la auténtica protagonista, aceptando  la decisión de Ben de morir bebiendo, en la misma medida que el acepta la prostitución de ella.

- Voy a salir a trabajar, dice ella.

- Voy a matarme bebiendo, dice él.

No, no es Río Bravo

Uno cree haber visto muchos western, casi todos los western. Sin embargo, uno se planta ante el televisor para ver uno de los clásicos y, vergonzosamente, descubre que no. Hace poco reconocía que me había pasado con “El álamo” de John Wayne, pero hoy me ha ocurrido con “El dorado” del director Howard Hawks.

Es una película del año 1966. Fue interpretada en sus papeles principales por John Wayne y Robert Mitchum, acompañados de James Caan, Arthur Hannicut y Charlene Holt. La película fue distribuida por la Paramount Pictures.

La película se rodó, según comentaron José Luis Garci y Eduardo Torres Dulce en aquel buen programa de cine que había que se llamaba ¡Qué grande es el cine! entre los años 1965 y el 66. Se rodó en los exteriores de Kanobe (Utah) y Tucson (Arizona) así como en los estudios de Old Tucson (Arizona), en los que ya se había filmado "Río Bravo" ocho años antes. Producida por H. Hawks, se estrenó en EEUU el 7de junio de 1967.

Está basado en un relato escrito por Leigh Brackett, quien adapta una novela de Harry Brown titulada "The stars in their courses”. El relato y la película recibe su nombre del pueblo donde tienen lugar la acción.

Desde mi punto de vista se trata de la segunda entrega de una trilogía dirigida por Hawks sobre la idea de un sheriff defendiéndose de los delincuentes de la ciudad, aunque sea cada película diferente. Las otras dos películas fueron sus dos clásicos ríos: Río Bravo (1959) y Río Lobo (1970). Hawks realizó “El dorado” con 70 años, por lo culminará Río Lobo con 74. Durante la película y en contraposición a otras como Río Bravo aquí no existe un cantante – en las otras dos estaban presentes dos Ricky Nelson y Dean Martin que entonaban la canción principal. Por el contrario en esta lo que sí existe en un buen recitador de poemas como vemos en el personaje que interpreta James Caan cuando recita un poema que le había enseñado un amigo jugador de cartas y borrachín. Este poema se titula El Dorado y es de Edgar Allan Poe. No obstante, no nos engañemos no estuvo en  la obra final, ya que parece ser que lo musical no estuvo ajeno a la película y que se filmó una escena en la que colectivamente cantaban los protagonistas, los amigos Mitchum y Wayne, pero que finalmente no aparecerá en el montaje final dada, cuentan las lenguas que de estos saben, hubo una crítica por parte del montador, el hijo de Hawks, al hecho de que en sheriff cantara. El caso es que existen fotografías de las escenas pero no aparecen en el film.

La historia que vemos responde a un relato clásico de los western clásicos. Responde a una historia bastante de venganza y amistad (más de lo segundo que de lo primero).

El protagonista de la historia es Cole Thorton (John Wayne). Es un famoso pistolero a sueldo pero con principios que llega a una ciudad, El Dorado, ciudad cercana a la frontera mexicana de mítico nombre que evoca un paraíso de oro y placeres eternos (y constante metáfora de ese lugar tranquilo y plácido en que los curtidos pistoleros puedan llegar algún día a retirarse y que las armas callen para siempre), para ponerse al servicio de un terrateniente ganadero, Bart Jason (Ed Asner), que tiene problemas de pastos y agua con sus vecinos, los McDonald, que poseen el bien más preciado: la fuente para dar de beber al ganado. Allí se encuentra con un viejo amigo, el sheriff John Paul Harrah (Robert Mitchum), antiguo compañero de aventuras de Thorton y también un pistolero rápido y con Maudie la protagonista femenina en esta ocasión interpretada por Charlene Holt. Harrah y Thorton hablan del asunto y finalmente el sheriff le disuade de prestar su revólver a un canalla que busca eliminar la competencia de sus vecinos contratando pistolas, para quitarles el agua a la familia pionera que 30 años antes había apostado por ese territorio. Pero cuando regresa de rechazar el trabajo oye un tiro, reacciona con su destreza acostumbrada y hiere mortalmente a un muchacho, que resulta ser el joven McDonald que había sido enviado por su padre a vigilar. El muchacho se remata él mismo para no sufrir y Thorton lleva su cadáver a los McDonald, asegurándose que él no se siente culpable y que se iba a retirar de la lucha.

Cuando ya se marcha del lugar y va dejando el pueblo, la hija de los McDonald para vengar a su hermano le dispara, no le mata, pero le hiere en la espalda cerca de la médula, esta herida tendrá dramáticas consecuencias durante toda la película, pues el médico del pueblo no se la puede extraer, y de vez en cuando le irá causando dolores e inmovilidad del lado derecho.

Meses más tarde mientras Thorton está en una taberna, entra un muchacho ataviado con un extraño sombrero de copa y desarmado con la intención de vengar a un antiguo amigo suyo, realmente su mentor - un jugador de poca monta - John Diamond, jugador que había muerto dos años atrás asesinado en una partida de póker. El asesino a instancias de su jefe se levanta para dar satisfacción al muchacho, pero antes de que pueda desenfundar su revólver, el joven le mata con un certero lanzamiento de cuchillo. Uno de los amigos del muerto intenta matar al joven, pero Thorton interviene para evitar el asesinato. Allí se establece una conversación entre Thorton y Nelse McLeod un afamado pistolero, que ha aceptado el trabajo que Thorton había rechazado en el Dorado, además le informa de que su amigo el Sheriff Harrah, se ha dado a la bebida y ya no es el que era.

Thorton acompañado del muchacho al que ha salvado la vida y que se llama Alan Bourdillion Traherne, pero que llamarán Mississipi el resto de la película, regresa al Dorado para ayudar a su amigo y unirán sus fuerzas cuando sepan que el mercenario contratado para acabar con los ganaderos es el asesino de John Diamond y que el sheriff Harrah se halla inmerso en una depresión de alcohol – que dura ya dos meses - a causa de su abandono por una mujer y que se hará matar, que no podrá hacer frente a la guerra por los pastos si lucha en esas condiciones. Juntos, Cole, Mississippi, Harrah en plena resaca y Bull, un viejo ayudante experimentado en la guerra con los indios, se enfrentarán a los pistoleros que pretenden liberar a Bart Jason de la celda donde el sheriff lo ha encerrado. El sheriff sólo necesita de sus colaboradores, el viejo amigo lisiado, el anciano y trompetero Bull Harris (Arthur Hannicut) y un muchacho imberbe (Caan) para solucionar sus problemas, dejando al margen al pueblo que para eso lo eligió. Una historia es similar a la de Río Bravo, en la que el malvado cacique del pueblo acorrala a los defensores de la ley en la comisaría, en la que cada callejón, cada recoveco, cada ventana o cada tejado son un escondrijo para los rifles que apuntan a los hombres de la ley. Tras varias hazañas y heridas los buenos conseguirán vencer a los malos.

John Wayne, protagonista en Río Bravo, tras leer el guion de El Dorado, pidió interpretar a J.P. Hara, pero finalmente el papel se lo dieron a  Robert Mitchum. El primero recibiría por la película 1 millón de dólares, mientras que el segundo recibirá 300.000 mil.  La película tuvo un coste total de 4 millones de dólares, pero recaudará unos 10 millones, siendo todo un éxito, además, inesperado. En esta época, el western clásico competía duramente ya con el spaguetti western.

Robert Mitchum reveló en una entrevista que cuando Howard Hawks le pidió actuar en la película, Mitchum preguntó por cómo era la historia que se iba a representar. Hawks le respondió que la historia era lo de menos, que la película tenía "grandes personajes". Evidentemente Hawks decía la verdad.

Una curiosidad, el camarero al que el personaje de Robert Mitchum dispara en el saloon está interpretado por su hermano, John Mitchum. Este al ser disparado por su hermano en la vida real se queda con parte del mostrador astillado y enganchado en la mano como ocurrirá años más tarde en la última película de Wayne, “El último pistolero”.

Igualmente llama la atención que John Wayne, volverá a apellidarse Thornton tras haber dado vida a Sean en El hombre tranquilo de John Ford. He leído que en el capítulo 72 de la serie "Las Vegas" Ed Deline (James Caan) utiliza un pasaporte falso para entrar en Marruecos con el nombre de Alan Traherne, que es un guiño al personaje que interpretó en esta película: Alan Bourdillon Traherne.

Con la voz de George Alexander se inicia este clásico de las bandas sonoras del western, todo ello regado por la inolvidable banda sonora de Nelson Riddle  y con unos títulos de crédito que en su evocación del romanticismo y el legendario sabor del viejo oeste alcanzan la categoría de obra de arte. Así da comienzo uno de los más grandes westerns jamás filmados, obra de ese genio de la dirección llamado Howard Hawks, para muchos el director más capaz y más completo de la historia del cine, y desde luego, el más versátil de la época clásica; lo hizo todo y todo lo hizo bien: cine de aventuras, dramas, musicales, westerns, cine negro, comedias…

La película logró revitalizar este género del western en 1966 cuando el mismo vivía ya en una crisis. Tiene en su reparto al inefable John Wayne, acompañado de otro peso pesado como Robert Mitchum y de secundarios tales como Arthur Hunnicut, Ed Asner y un joven James Caan.

Pero la acción, los disparos, las muertes, las luchas de venganza, los duelos a pistola (o rifle en este caso), el uso del pistolón que llena de perdigones la pantalla y al propio Thorton, o el espacio para el romance de toda cinta del oeste no son aquí lo principal. Lo importante, en la senda de los mejores westerns de John Ford, es la historia de camaradería y de amistad que se tienden entre los personajes principales. En los rostros de todos ellos podemos leer legendarios hechos del pasado, vivencias únicas, peligros y dramas tremendos, oportunidades perdidas, retos cumplidos y cicatrices producto del fracaso. Y en todos ellos vemos la entrega, la amistad desinteresada, la que se sostiene más en silencios que en preguntas o palabras vanas, la renuncia a la conservación de la propia vida por la defensa, no ya de una causa noble (en el oeste tanto da, no hay causas nobles), sino de un amigo que se juega la piel por algo en lo que cree. Ese canto a la amistad se fundamenta en escenas bellísimas en las que sin palabras se sugieren todas estas cosas, y en la utilización sublime del sentido del humor. Es un western irónico y ácido como pocos, y explota las cualidades humorísticas incluso de John Wayne en su relación, por un lado, con el joven inexperto que le saca de quicio, y por otro, con el veterano borracho al que da de sartenazos para que se espabile o con el que compara sus “heridas de guerra” (inolvidable la escena en la que ambos caminan por el centro de la calle, cuando todo ha terminado, cada uno con su estrella de plata en el pecho, arrastrándose renqueantes con sus respectivas muletas, mientras se atacan cínicamente uno al otro, o también aquella en la que el joven doctor abandona a Mitchum, herido de un rasguño en la pierna y con el dedito taponando la sangre, para atender las molestias de Wayne en la columna por una bala recibida y que no le fue extirpada: cálmese sheriff, su herida también es muy bonita, le dice el guasón médico…).

En resumen, un film mítico, del lejano y legendario oeste puesto en fotogramas y repleto de acción, amor, aventuras, amistad, camaradería, buen rollo y gotitas de romance, algo más de dos horas de entretenimiento puro a la manera artesanal con el enorme talento de Hawks y que incluso deja buen sabor de boca a quienes no son especialmente seguidores del género.

Discrepo de la crítica que he leído sobre que "El Dorado" es una de las producciones menos satisfactorias del gran director Howard Hawks, ya que este western no es una revisitación de su estupenda película "Río Bravo", dirigida ocho años antes.

El Dorado de Howard Hawks aunque contenga muchos elementos de la anterior gran obra del director no es un remake de otra pelí­cula del mismo director dirigida casi 10 años antes llamada Rí­o Bravo. Tanto el tema como la casi totalidad de los personajes de la primera pelí­cula están presentes en ella. John Wayne en esta pelí­cula interpreta a Cole Thornton, un pistolero a sueldo pero con principios, en la anterior versión era el sheriff John T.; Robert Mitchum es el sheriff J. P. Harrah mientras que en la anterior versión era Dean Martin el que interpretaba al (también un borracho) ayudante del sheriff Dude. El otro personaje principal en la pelí­cula es James Caan (Mississippi) cuando en la versión inicial era Ricky Nelson (Colorado); en cuanto a la protagonista femenina en esta ocasión es Charlene Holt, que interpreta a Maudie mientras que anteriormente era la genial Angie Dickinson la que interpretaba un papel casi igual. Por copiar se copia incluso el personaje del viejo ayudante del Sheriff que en Rí­o Bravo era Walter Brennan y en El Dorado es Artheu Hunnicutt. Pero no sólo los personajes son los mismos sino que además la situación es idéntica, un puñado de hombres que quieren liberar de prisión al terrateniente poderoso por la fuerza, y un grupo reducido de hombres (4 en ambas pelí­culas) tienen que hacer frente a toda la fuerza que el dinero puede llegar a comprar. El conjunto del film carece de la fuerza que presidía las conexiones emocionales y situacionales de "Río Bravo". El poderío estelar del dúo Wayne/Mitchum no está suficientemente explotado e incluso se añora la presencia del ebrio Dean Martin de la primera cinta.

En El Dorado el ritmo es mucho más acelerado y a la vez la pelí­cula va como a tirones, las secuencias se suceden de una manera mucho más deslavazada y no hay tanta unión entre unas y otras sino que en muchas ocasiones las cosas suceden y no hay imágenes que nos lo muestren sino que son los diálogos ya a toro pasado los que nos ponen al corriente. Pongamos por ejemplo un punto común en ambas versiones. En la primera Dean Martin empieza la pelí­cula siendo un borracho (por cierto, genial secuencia en la que nos muestran el estado de Martin sin ningún diálogo justo al comienzo de la pelí­cula) y lo que muestra la pelí­cula es toda la evolución de ese personaje desde el principio hasta el final de la misma, mientras que en El Dorado su personaje análogo Robert Mitchum no es ningún borracho cuando empieza la pelí­cula pero sin embargo nos enteramos con un diálogo entre Nelse y Cole que se ha convertido en un borracho, han pasado unos cuantos meses sin imagen ninguna imagen y la estructura de la pelí­cula ha cambiado por completo. No digo que una cosa sea mejor que la otra porque por ejemplo ese esquema lo utilizó Ford en una de sus obras maestras llamada Centauros del desierto (aunque las secuencias se separaban por mucho tiempo los personajes siguen una evolución paulatina y continua), pero en este caso Hawks no ha conseguido el mismo nivel de intensidad, quizás por un guión menos elaborado y profundo que el de Ford. Sigamos con lo que comentábamos antes, mientras que la primera versión era mucho más constante y equilibrada en esta ocasión la pelí­cula vive de la fuerza de cada secuencia en particular, se ha construido una pelí­cula mucho más hacia momentos puntuales que a mantener una lí­nea clara. Es decir se opta más por incluir picos de gran interés sacrificando la estructura interna que por lo que abogaba la primera versión que se basaba en una estructura interna ejemplar en la que quizás no habí­a tantos momentos culminantes fácilmente apreciables en favor de conservar una lí­nea argumental constante y sostenida, sacrificando a veces algún momento pero consiguiendo deslumbrarnos gracias a esa tensión sostenida con alguna secuencia de un poder enorme como por ejemplo el momento en el que sitiados en la cárcel Martin y Nelson empiezan a cantar. El intento de conseguir una mayor fuerza en las secuencias de El Dorado a costa de perder el ritmo narrativo no sólo conduce a una pelí­cula con más altibajos que Rí­o Bravo.

Las interpretaciones comparando las dos versiones son en general son favorables a la primera. El personaje que interpreta John Wayne es el más regular, en ambas pelí­culas está a muy buena altura, como siempre en estos papeles que él tanto domina, aunque sólo sea por escuchar la voz de Wayme merece ya la pena la escucha de la versión original. Fijaros en como sale a caballo del rancho de Jason, marcha atrás con un domino del espacio magní­fico, da toda la impresión de ser todo un jinete del oeste. El personaje de Robert Mitchum pierde bastante en comparación con el de Dean Martin, no porque sea un mal actor sino porque la profundidad que desde el guión se le ha dado al personaje de Martin es infinitamente mayor a la que ha tenido el de Mitchum. Donde más se nota el bajón para mi gusto es en el personaje femenino principal que pierde todo el talento y la fuerza de Angie Dickinson que lo bordaba en Rí­o Bravo. En cuanto al viejo simpático ayudante del Sheriff en la primera ocasión era Walter Brennan y ahora Arteu Hunnicutt, y aunque a simple vista no cambien mucho hay que tener en cuenta que en El Dorado este personaje resulta del todo forzado, como introducido con calzador mientras que en Rí­o Bravo todo iba sobre raí­les, y además Brennan es un pedazo de actor, muy pero que muy superior a Hunnicutt.

Para destacar una parte de la pelí­cula me gustarí­a recordar la escena en la que Wayne y Caan montan juntos a caballo mientras se dirigen hacia El Dorado para ayudar a su amigo mientras Caan recita un poema, seguidos por un suave pero elegante travelling de cámara. Magní­fica escena

Lo que me gusta es la forma sólida de la pelí­cula, los colores intensos del atardecer de Arizona, la atmósfera densa. Se huele el humo de la pólvora, el polvo de la calle, la música del pianista, los disparos, el whisky, las camisas azul impecable de Wayne, los caballos salvajes o la camiseta rota de Mitchum.

Un excitante western con muchos de los códigos del viejo cine del oeste, pero con efectivos toques de humor, que enriquecen una emocionante historia de lucha por la recuperación de la dignidad perdida. Tensión en "crescendo" y algunas secuencias con lo mejor del género acaban por completar una entretenidísima obra maestra.

En conjunto, la película, que diatriba de manera cínica sobre la vejez, la degeneración física y la autoestima personal en la que los enamorados del cine y sobre todo los amantes del western podrá dedicarse a disfrutar de la interpretación de los personajes sin distraerse con los movimientos de cámara; y el aficionado, en general, seguro que va a pasar un rato entretenido junto a una película narrada al estilo clásico, lejos de las innovaciones que se imponían en el mundo del cine en los años sesenta.

Con todo existen elementos típicamente hawksianos. En la cinta se dan cita las constantes del género: la exaltación de la amistad, la lucha por la dignidad, los héroes errantes, la defensa de los débiles, los pistoleros profesionales, el sheriff honesto pero humano y con problemas, mujeres decididas, enfrentamientos a tiros, humor e ironía, etc.

Lo esencial es la pertenencia a un grupo de amigos unidos frente al peligro. La amistad en letras mayúsculas es uno de los grandes temas que Howard Hawks analizó a lo largo de su carrera. John Wayne, con el que trabajaría en cinco ocasiones, interpreta al héroe hawksiano por excelencia, el líder que no duda en ayudar a su amigo.

Hawks igualmente puesta por unos escenarios acertados tanto interiores como exteriores. En El Dorado los personajes se mueven en un entorno cerrado, la película es más claustrofóbica y no existen esos tantos rodajes de exteriores que dan un aire más épico a las anteriores producciones.

Técnicamente se aprecia su “mano invisible” en el manejo de cámara, que en el filme de Hawks, prácticamente no se nota. Él no quería por nada del mundo que extraños movimientos del operador -la mayoría para lucimiento del director de fotografía o del propio realizador- estropeasen o desviasen la atención del espectador. Así no es de extrañar la profusión de planos generales, planos fijos a la altura de los ojos o planos americanos con ligeros movimientos sólo usados para encuadrar a los actores. De esta forma cuando Hawks usaba un travelling o una panorámica resaltaba la acción mucho más que cualquier otro director con la misma técnica. Ejemplos de este travelling lo tenemos en algunas escenas como en la entrada a la finca del magnate en la que se nos muestra la cuadrilla de indeseables que lo rodean, o tras renunciar a la colaboración y el caballo de Wayne recula con el fin de protegerse. Igualmente visible cuando trae al joven MacLean tras morir en sus manos, o en las escenas finales de las muletas de los dos viejos protagonistas.

Por último, los actores se encuentran muy identificados con los personajes. Es lo que buscaba el realizador a la hora de hacer un casting, y a la hora de escribir un guión. Supeditaba la parte escrita al actor en cuestión y no dudaba en variarla o en improvisar si con ello lograba esa perfecta unión personaje-actor. Así Robert Mitchum logra hacer uno de los mejores papeles de su vida al interpretar a un complejo personaje hundido en el alcohol. Este actor da aquí muestras de hasta donde puede llegar una estrella de cine si se encuentra bien dirigida. Cole es un pistolero profesional rudo, sobrio, decidido, honesto y de edad madura. Harrah, de la misma edad que Cole, es honrado, noble, alcohólico y depresivo.

Otro clásico en la temática de Hawks es la existencia de un joven aprendiz en este caso Mississippi (James Caan).

Esta película, junto a otras, supondrá el colofón del género western como cine clásico. Presentaban vaqueros, héroes del oeste con edades avanzadas y con un entorno que ya no les daba cabida (eran héroes que no tenían compañía al margen de sus recuerdos y vivían de su fama, de su pasado).Suponían, en fin, una revisión desmitificadora de la figura tradicional del vaquero como héroe romántico en el cine, pero que con el paso de los años son verdaderos mitos. No, no estamos ante un remake de Río Bravo, estamos ante otro clásico: El dorado.

Escrito por recursosghaverroes el 05/02/2011 17:59 | Comentarios (0)

Pimienta en una banda de corazones

En 1978, el productor Robert Stigwood estaba en la cima del mundo, pues suyos eran dos de los grandes éxitos de taquilla, Fiebre del sábado noche y Grease. La productora Stigwood había apostado por los filmes musicales, y le había ido bien. Con  “Fiebre del sábado noche” lanzó al estrellato a John Travolta y a los Bee Gees, llevando a los altares a la música disco; y con otro de sus filmes musicales, “Grease”, una película que emulaba las películas y el ambiente de los 50, el éxito había sido arrollador. En ambos fue John Travolta el que asumía el papel protagonista.

Pero eso no impidió que Robert Stigwood se equivocara en una nueva apuesta por el género musical, cuando intentó realizar la adaptación del popular álbum de los Beatles. Ahora realmente partía de ciertas limitaciones. El álbum de The

Beatles duraba únicamente 40 minutos,  y sólo tenía trece canciones. Apostar por llevar a la pantalla ese disco, realizando para ello una dramatización y transformación en imágenes era un riesgo. Stigwood decidió añadir a este álbum, el  The  Sargeant Peppers Lonely Hearts Club Band (1967), otras muchas procedentes del Abbey Road (1969) , y convertirlo en un largometraje de 113 minutos.

Stigwood intentó que Paul McCartney se involucrara en el proyecto  para interpretar el papel principal de Billy Shears, pero McCartney parece ser que se negó.

¿Qué posibilidades tenía Stigwood para  involucrar a una estrella? En su lugar, se conformó con la segunda mejor opción, el grupo de moda en ese momento:The Bee Gees. Pero los miembros de los Beatles eran cuatro, y sólo había tres hermanos Gibb. Así que el elegido fue un guitarrista, Peter Frampton, para  asumir el papel principal , el de Billy Shears, Frampton era en ese momento muy popular con su exitoso álbum "Frampton Comes Alive". Stigwood creía que  los nombres más grandes contribuyen a las grandes empresas, por lo que añadió al proyecto al legendario locutor de radio y actor George Burns, al grupo Aerosmith, al cantante Alice Cooper, al cómico Steve Martin, al grupo funkie Earth Wind & Fire, así como al conocido como quinto Beatles, el pianista y cantante, Billy Preston. Eligió al productor de The Beatles, George Martin, como productor musical, director musical, y arreglista. Parecía que el proyecto prometía.

El resultado fue un desastre espectacular, uno de los mayores  desastres de la historia del cine. Una película absurda y tonta en sus planteamientos, a la par que divertida y entretenida. Es diferente a cualquier película que hayamos visto, y no creo que nunca habrá otra película como ésta. Algunos la incluyen entre las peores películas de la historia del cine.

La historia de esta película era muy simple: una alegoría de las multinacionales de la música frente a la música sencilla y popular, y que que habla básicamente del amor, que tenía en 'Heartland', la ciudad natal de la banda de club de corazones solitarios, su sede principal. Ellos, tanto los Bee Gees (que hacen todos los números impecables) como Peter Frampton son los protagonistas llamados a luchar contra el mal.

La película se presenta en una forma similar a la de una ópera rock siendo las canciones de los Beatles las que ofrecen el  "diálogo" para llevar la historia, sólo con George Burns con  un mínimo protagonismo hablado,  que actúa para aclarar la trama y proporcionar una narración más. Como ya he dicho, la película nos viene narrada a través del Sr. Kite (George Burns), y por medio de las letras de las canciones de los Beatles, eso es todo. No hay diálogos hablados por cualquiera de los Bee Gees, Peter Frampton, ni a nadie, a excepción de George Burns, sólo cantar.

Al final de la Primera Guerra Mundial, fue el sargento Pepper y su banda, el Club de los corazones solitarios, son  los que tocando su música pusieron fin a la gran guerra , empezando así la paz entre los contendientes. El sargento fue galardonado con el más alto honor para un soldado de la guerra y regresó como un héroe a su ciudad natal de Heartland. El sargento y su grupo harán un recorrido musical por los años 20, la Depresión, el New Deal y la Segunda Guerra Mundial. Tras la muerte del Sargento, dejó que su medalla la asuma su nieto Billy Shears, a pesar de los celos de Billy Dougie. Ahora Billy Shears (Peter Frampton) ha madurado y formado su propia banda con sus amigos de la infancia  Mark, Dave, y Bob Henderson (Barry, Robin y Maurice Gibb), con Dougie (Paul Nicholas) como su manager.

La banda será escuchada por un productor BDHoffler (Donald Pleasance), quien les propone ir a Los Angeles a grabar un álbum. Una curiosidad, BDHoffler, aparece en los créditos de la película como BD Brockhurst, parece que por error.

Una vez que la banda llegue a la ciudad angelina se dejan seducir por las drogas, alcohol, mujeres, dinero, y los demás elementos negativos en el negocio del rock and roll. Sin embargo, llega a Heartland, un magnate de bienes raíces Mr. Mustard (Frankie Howerd) que roba los instrumentos originales del sargento. La ciudad idílica se convierte la ciudad en lugar cutre completa con galerías, casinos, prostitutas, con los proxenetas, y un moteles hora con videos para adultos.

La novia de Billy, Strawberry Fields (Sandy Farina) abandona la ciudad y se dirige a Los Angeles para pedir ayuda de la banda. Mr. Mustard que se ha enamorado de ella y la sigue a Los Angeles. Un aliado de  Mr. Mustard, el Dr. Maxwell Edison (Steve Martin), un médico que convierte a las personas de edad en jóvenes adultos corruptos actuará contra los protagonistas. Su actuación como el Dr. Maxwell Edison, cantando " Silver Hammer de Maxwell ", prefigura su estrafalario papel de dentista en la tienda de los horrores . El otro socio es Marvin Deep "Padre Sol" (Alice Cooper) un  gurú que lava el cerebro a los fieles seguidores. Y todo esto deshilvanado. Este delirio llega a su culmen con la muerte y resurrección de  Strawberry Fields y Billy Shears gracias al trompetista veleta de Billy Preston.

Como he dicho antes, esta película debe ser vista para ser creída, pero también para pasarlo bien.  Puede que la película no sea buena, pero es entretenida, pasando esas dos horas admirando el espectáculo de los 70 en estado puro.

¿Por qué me gusta esta película? En primer lugar está la música. Los Beatles son uno de mis bandas favorita de todos los tiempos, y si bien Frampton y los Bee Gees no están a la altura de The Beatles, y, sin embargo, hacen buenas versiones de canciones de los Beatles. "Good Morning, Good Morning", "A Day In The Life", "Golden Slumbers / Carry That Weight" y "Nowhere Man" se encuentran entre los más destacados.

Otros invitados especiales también hacen buenas versiones como los  Earth, Wind, & Fire que hacen una versión buena de "Got to que entres en mi vida." Alice Cooper es una versión muy inquietante. Aerosmith como banda Villano Futuro (FVB),  dará un excelente rendimiento con "Come Together". Incluso Steve Martin hace un buen trabajo con su versión de "Silver Hammer de Maxwell."

En segundo lugar, el aspecto visual de la película es increíble. Ver la moda y la estética de 1978 y es un lujo.  Además, la película se convierte en una cápsula del tiempo de finales de 1970 de la cultura pop. Ejemplo visible en las prostitutas en shorts dorados con pelucas rubias. Ver una “orgía” durante el clímax de "I Want You" con algunos de los Bee Gees moviendo las manos alrededor de las luces estroboscópicas, como Peter Frampton y Steinberg Dianne hacer sobre una cama de agua en forma de un disco de vinilo disco que gira. Y viendo el comediante Steve Martin cantando algo más.

En tercer lugar, es el ritmo. El ritmo de la película es muy rápido y no arrastra. Cada escena se las arregla para ser rápido y no hay realmente ninguna de las escenas que se prolongan o son demasiado lentos. La edición es buena, se hace rápida esta película de casi dos horas cortas.

En cuarto lugar, si uno es un fan de Peter Frampton, de los Bee Gees, Alice Cooper, Steve Martin, y Aerosmith, entonces siempre es divertido verlos actuar y actuar en una película. Los Bee Gees no son actores de Shakespeare, pero son más tolerables que otros muchos como Steven Seagal, Don Johnson, Mariah Carey, y Chris Klein.

En quinto lugar, esta película en el momento trataba de ser grande, y no lo era. Es una de esas películas que puedes ver por ti mismo con alegría, o ver y reír con un grupo de personas.

Hay algunas desventajas en esta película, y lamentablemente lo que la mayoría de la gente recuerda con esta película es lo de menos. En primer lugar está George Burns y Donald Pleasence cantando canciones de los Beatles. Aunque George Burns puede resultar hasta tierno cantando "Fixin 'A Hole" en la misma medida que Donald Pleasence lo hace con "I Want You". Casi se me olvida mencionar al cómico británico Frankie Howerd cantando " Sixty Four" que se lleva el premio para el canto más irritante.

En segundo lugar, está el humor bufonesco que se produce. Dado que no se habla de diálogo el único medio del humor es físico, y no más triste de los chistes. En tercer lugar la trama, que es débil y papel fino, pero de nuevo ver esta película como un vídeo de dos horas de música, entonces debería estar bien.

Un punto de júbilo se presenta al final de la película, que es bastante divertido. Creo que Robert Stigwood y el director Michael Schultz querían que los grandes nombres de la música participaran en el canto de la repetición final de la película. Y en su lugar Stigwood y Schultz consiguen un número reducido de grandes nombres. Esa cápsula del tiempo de finales de 1970 y de la cultura pop llega a su clímax con la última escena en la que se unió al elenco de " músicos y amigos de Heartland" para cantar la repetición de la canción que da título, por lo pronto se presenta como una formación en pie y frontal que imita a los Beatles  y su portada del álbum. La escena fue filmada en los estudios MGM el 16 de diciembre de 1977, en efecto, de acuerdo con Carel Struycken. Esta  fue la última película que se hizo en la MGM con los entonces gestores existentes de ese estudio.

Sin embargo, algunos de los "amigos" son talentosos y respetados en la industria de la música como: Ann y Nancy Wilson, Curtis Mayfield, Donovan, Bruce Johnson, Dr. John, Wilson Pickett, Shannon Del, Bonnie Raitt, Tina Turner, Frankie Valli, y Hank Williams Jr., George Benson, Sarah Dash , miembro de Patti LaBelle, John Mayall, Jonnhy Winter. Otros han pasado al olvido musical:  Peter Noone, Keith Carradine (siendo famoso en el momento de su "yo soy fácil" canción ganadora del Oscar de Nashville), Channing Carol, José Feliciano, Edna Dame, Robert Palmer, Helen Reddy, Johnny Rivers, Wolfman Jack, y Sha-Na-Na (incluyendo Bowzer), Leif Garrett...

Esta película que fue calificada por muchos críticos de cine como la de la "muerte del musical de Hollywood". Parece exagerado. Si usted puede sentarse a través de visionados de varios de Tommy, entonces usted puede por lo menos sentarse y darle una oportunidad al Sargeant Pepper.

La película fue un desastre económico - pues tuvo un presupuesto estimado de $18,000,000 , frente a una recaudación de $12,900,000 (USA) -, pero un desastre que no reclamó ninguna vida, sólo algunas carreras.

Recibió críticas muy negativas de la mayoría de los críticos y apenas logró el equilibrio en la taquilla. La película tiene actualmente una calificación de 15% en Rotten Tomatoes. Fue durísimamente criticada en su momento.

De acuerdo con el historiador de cine Leonard Maltin, el cuadro "... va de tolerable para vergüenza y simplemente no funciona. Janet Maslin del "The New York Times" escribió de la película "Los números musicales se encadenan juntos para sin pensar que la película tiene la sensación de un interminable espectáculo de variedades ", mientras que puede haber sido" concebida en un espíritu de alegría. En Newsweek David Ansen la califica de película con un parecido peligroso para fondo de pantalla". En la revista Rolling Stones el escritor Paul Nelson destrozó prácticamente todos los aspectos de la producción, de las estrellas Peter Frampton (de quien escribió que no tenía "absolutamente ningún futuro en Hollywood") o del director Michael Schultz ("parece que necesitamos una dirección sólo para encontrar el juego, y mucho menos la cámara "). La revista  Allmovie dijo que la película es "posiblemente la más tonta película jamás concebida," con un "puñado de  buenos momentos ", con Martin, Burns, Earth, Wind & Fire, Aerosmith, y Billy Preston, que" de alguna manera superar la sorprendente inanidad que envenena el resto del elenco ".

Sinceramente no era para tanto, pues si su fin era entretener lo hace, aunque sea sin sentido alguno.

Escrito por recursosghaverroes el 04/02/2011 19:51 | Comentarios (0)

¡Qué frío en Invernalia!

A lo largo del mes de noviembre estuve viendo la Primera Temporada de la serie “Juego de Tronos”. Game of Thrones (titulada en España Juego de tronos) se trata de una serie de televisión estadounidense de fantasía con reminiscencias de la Europa medieval en el que la magia y las criaturas míticas del pasado han quedado en el olvido. La serie de sesenta minutos cada capítulo ha sido creada por David Benioff y D. B. Weiss para la siempre acertada cadena por de televisión por cable HBO. Está basada en la serie de novelas Canción de hielo y fuego, del escritor George R. R. Martin y su trama se centra en las violentas luchas dinásticas entre varias familias nobles por el control del Trono de Hierro del continente de Poniente.

La serie fue estrenada el 17 de abril de 2011 en Estados Unidos, aunque en España lo hizo durante el mes de mayo. La segunda temporada se estrenará el 1 de abril de 2012 en Estados Unidos.

Game of Thrones sigue las múltiples líneas argumentales de Canción de hielo y fuego. La mayor parte de la historia tiene lugar en Poniente, un continente ficticio donde las estaciones pueden durar años, y se centra en las violentas luchas dinásticas que surgen entre varias familias nobiliarias por el control del Trono de Hierro. Se acerca el final del largo verano.

La primera temporada está basada en la primera novela de la saga, Juego de tronos, que además da nombre a la serie. Su trama transcurre quince años después de la guerra civil conocida como la Rebelión de Robert Baratheon (Mark Addy) o la Guerra del Usurpador, en la junto con  que Eddard Stark  , que liderando a los nobles rebeldes, expulsaron del Trono de Hierro a la dinastía de los Targaryen, los reyes dragones,  proclamándose el primero rey de los Siete Reinos de Poniente. Sin embargo, las pugnas por el poder entre las principales casas nobiliarias salen cada vez más abiertamente a la luz.

Eddard «Ned» Stark- recordado como Boromir por su papel en el señor de los anillos- será el Señor de Invernalia, reino al norte de Poniente, y que sirve de frenos a los bárbaros habitantes y seres que sobreviven más allá del muro, espacio en el que comienza la serie. Stark se ve obligado a aceptar el cargo de Mano del Rey por temor a rechazar la oferta y que la seguridad de sus hijos se viese afectada y descubrir la verdadera razón de la muerte de su predecesor, Jon Arryn de la Casa Arryn. Una vez en Desembarco del Rey, la capital de los Siete Reinos, Ned se verá envuelto en una enrevesada trama de secretos.

Mientras tanto, al otro lado del mar, el heredero al trono exiliado Viserys Targaryen casa a su hermana Daenerys con el líder de los Dothraki, Khal Drogo, una nación bárbara y guerrera, para formar una alianza que le permita recuperar el Trono de Hierro.

En el norte, como tercer hilo argumental, un inmenso muro custodiado por la Guardia de la Noche separa el continente de Poniente de los territorios del exterior, en los cuales se empiezan a suceder una serie de extraños acontecimientos, acrecentados por la llegada del invierno. Además, inquietantes sucesos acontecen en el norte, más allá del gigantesco muro que separa los siete reinos de las tierras salvajes. Todo hace pensar que el equilibrio en Poniente está a punto de romperse de nuevo.

La primera temporada, que constó de diez episodios, comenzó el 17 de abril de 2011 con «Se acerca el invierno» y finalizó el 19 de junio de ese mismo año con «Fuego y sangre».

El 19 de abril de 2011, con tan solo un episodio emitido, HBO anunció la renovación de la serie por una nueva temporada. Al igual que la primera, está previsto que la segunda temporada tenga diez episodios y se estrene en abril de 2012.

El escritor George R. R. Martin, autor de la serie de novelas Canción de hielo y fuego, recibió un par de propuestas para llevar su obra a la gran pantalla. Él se negó al considerar que, por su extensión, no podría adaptarse bien a una película. También sopesó la posibilidad de realizar una serie de televisión, pero las numerosas escenas de sexo y violencia supondrían un problema y creyó que HBO era la única solución. El 16 de enero de 2007, la revista Variety informó que la cadena de televisión había adquirido los derechos de la novelas de Martin con la intención de convertirlas en una serie y que David Benioff y D. B. Weiss serían sus guionistas y productores ejecutivos.

Originalmente cada temporada abarcaría uno de los volúmenes de Canción de hielo y fuego y todos los episodios serían escritos por Benioff y Weiss, excepto uno por temporada, que estaría en manos del autor y quien también se desempeñaría como coproductor ejecutivo.

Europa y Nueva Zelanda fueron citados inicialmente como localizaciones para el rodaje. HBO contrató al creador de lenguas David J. Peterson de la Language Creation Society para desarrollar el idioma dothraki —«que posee su propio sonido único, un extenso vocabulario y más de 1800 palabras y una compleja estructura gramatical»— con el fin de usarlo en la serie.

 El primer y el segundo borradores del guion del episodio piloto, escritos por Benioff y Weiss, fueron presentados a la HBO en agosto de 2007 y junio de 2008, respectivamente. Aunque la cadena encontró ambos borradores de su gusto, el episodio no fue aprobado hasta noviembre de 2008. La huelga de guionistas en Hollywood de 2007-2008 posiblemente retrasó el proceso. Si bien la idea inicial era que Benioff y Weiss escribieran todos los episodios salvo aquel ofrecido a Martin, el actor Michael Goldstrom, a día 9 de marzo de 2010, anunció a través de su página web que Bryan Cogman, con quien había trabajado recientemente, escribiría el cuarto episodio de la serie. El diario Chicago Tribune informó, una semana después, que HBO había confirmado a Jane Espenson como guionista del sexto episodio.

El rodaje principal de la primera temporada dio comienzo el 26 de julio de 2010. Las localizaciones principales fueron el Paint Hall Studio de Belfast (Irlanda del Norte), y Malta, que sustituyó a Marruecos. Carncastle, Shane's Castle, Castle Ward, Magheramorne y Tollymore Forest Park en Irlanda del Norte, y Doune Castle en Escocia, fueron, además, otras localizaciones en las que se filmó el episodio piloto en 2009. Éste costó entre cinco y diez millones de dólares, y la primera temporada completa entre cincuenta y sesenta millones.

Stephen Warbeck fue elegido para componer la banda sonora de la serie, pero finalmente fue sustituido por Ramin Djawadi.

El 19 de abril de 2011, después de haberse emitido un solo episodio, HBO anunció que había renovado Game of Thrones por una temporada más. Al igual que la primera temporada, está previsto que tenga diez episodios y se estrene en abril de 2012, aunque el primer tráiler fue presentado el 30 de enero.

En el primero episodio titulado “Se acerca el invierno” el rey Robert Baratheon de Poniente y su corte viajan al norte para hacerle a su viejo amigo Eddard «Ned» Stark, Guardián del Norte y Señor de Invernalia, una oferta que no puede rechazar.

La esposa de Ned, Catelyn, recibe una carta que puede implicar a miembros de la familia real en un asesinato. Su hijo Bran descubrirá algo totalmente inesperado. Mientras tanto, al otro lado del mar Angosto, el príncipe exiliado Viserys Targaryen forja una nueva alianza para recuperar el Trono de Hierro: dará a su hermana Daenerys en matrimonio al salvaje dotraki Khal Drogo como intercambio por su ejército. 

En el segundo que lleva por título “Camino Real” el destino de Bran se mantiene en duda. Habiendo aceptado su nuevo rol como la Mano del Rey (el confidente mas cercano al rey, jefe de su guardia personal y quien maneja el reino en la ausencia temporal del rey). Ned parte de su casa en Invernalia con sus hijas Sansa y Arya, mientras Catelyn se queda para cuidar a Bran. Jon Nieve, el hijo bastado de Ned, se dirije al norte para unirse a la hermandad de la Guardia de la Noche, protectores del Muro, que evitan que "los Otros" entren a las zonas civilizadas de Poniente. Tyrion Lannister, el hermano de la Reina, decide no ir con el resto de la familia real al sur y decide acompañar a Jon en su viaje a el Muro. Viserys espera su momento de ganar el Trono de hierro llenándose de esperanza, mientras Daenerys centra su atención en aprender como gustarle a su nuevo esposo, Drogo. 

En “Lord Nieve” Ned se une al pequeño consejo del Rey en Desembarco del Rey, la capital de los Siete Reinos, y se encuentra con la mala administración que dirige Poniente. Catelyn decide ir encubierto al sur para alertar a su esposo, pero es interceptada por un viejo amigo, el Consejero Lord Petyr "Meñique" Baelish.

Jon lucha por adaptarse a su nueva vida en el Muro, entrenando con un grupo de reclutas que no se impresionan por su linaje. A Tyrion, tambien visitando el Muro, le pide ayuda el Jefe de la Guardia de la Noche, Lord Mormont, para que le pida al Rey y a la Reina que envie mas homres para que se unan a la Guardia de la Noche. Bran, ahora despierto, no recuerda como cayó. Daenerys, empieza a tomar control como la "Khaleesi" de Drogo y empieza a enfrentarse a Viserys.

En el cuarto de título “Tullidos bastardos …” Ned busca pistas para tratar de explicar la muerte de Jon Arryn, la antigua Mano del rey, en el proceso descubre el hijo bastardo del rey Robert. Robert y sus invitados son testigos de un torneo en honor a Ned. Jon toma medidas para protejer a Samwell Tarly, un muchacho sin amigos, de los abusos de los Guardias de la Noche. Viserys, frustrado, se enfrenta a su hermana. Sansa sueña con una vida como Reina, mientras Arya sueña una vida muy distinta. Catelyn llama a los aliados de su padre para demostrar un punto, mientras que Tyrion se encuentra en el momento y lugar equivocados 

En el quinto y sexto de títulos “El león y el lobo” y “Una corona de oro”, Robert y Ned discuten sobre cómo deben manejar la alianza entre los Targaryen y los dothraki. Catelyn y Tyrion llegan a la casa de Lysa Arryn en el Nido de Águilas.

Las noticias del secuestro de Tyrion llegan a Desembarco del Rey y Jaime Lannister, el hermano gemelo de la reina, le exige respuestas a Ned. Posteriormente, Viserys amenaza la seguridad de Daenerys cuando Drogo se reusa a pagar la "deuda". Ned se queda gobernando desde el Trono de hierro mientras el rey sale de caza, descubre el secreto que Jon Arryn descubrio antes de morir. 

En el séptimo “Ganas o mueres” Ned se enfrenta a la reina Cersei sobre la verdad de la muerte de Jon Arryn, mientras el herido Robert se prepara para nombrar a su sucesor. Jon Nieve toma los votos de Guardia de la Noche. Khal Drogo convoca a su ejército para invadir Poniente después de que Robert conspira para envenenar a Daenerys. Robert nombra a Ned como regente del Trono de Hierro, que gobernará hasta que su heredero sea mayor de edad. Ned trae la declaración del rey ante Cersei, Joffrey (el mayor de los hijos del rey), y el Pequeño Consejo. Ned le pide ayuda a Baelish para asegurar la cooperación de la Guardia de la Ciudad en la eliminación de los Lannister del trono - Ned revela el secreto de que Joffrey no es el hijo de Robert, sino de Jaime, haciendo de Stannis Baratheon (hermano mayor de Robert) el verdadero heredero. Sin embargo, la lealtad de Baelish y la Guardia de la Ciudad se encuentra con los Lannister: Ned es rápidamente capturado y sus hombres son matados. 

En el octavo,”Por el lado de la punta”, como los Lannister se impusieron sobre los Stark matando a sus hombres en Desembarco del Rey, el hijo mayor de Ned, Robb,lleva a su casa y a los vasallos de la misma a la guerra. Sansa suplica a Joffrey para salvar la vida de su padre, mientras que Ned, todavía está cautivo en las mazmorras donde encuentra un aliado inesperado, el Consejero Lord Varys. En el Muro, Jon y Guardia de la Noche se preparan para enfrentarse a un antiguo enemigo del otro lado del Muro, mientras que a través del Mar Estrecho, el ejército de Drogo marcha al oeste hacia los Siete Reinos.

En el penúltimo de la primera temporada “Baelor” Como los ejércitos Stark y los Lannister se preparan para combatir entre ellos, Tyrion lleva a sus aliados bárbaros a la batalla, mientras que Robb y Catelyn negocian para obtener la ayuda de un Lord renegado. Con Drogo muerto a causa de su herida infectada, Daenerys utiliza medidas desesperadas para salvar la vida de su marido a través del uso de la magia de una bruja de sangre, a pesar de que los Dothrakis están en contra de ello. En el Muro, Targaryen le revela a Jon quién fué antes de vestir el negro - y el precio de la lealtad - ya que este está preocupado por los eventos que no conciernen al Muro. En un último intento para salvar las vidas de sus hijas, Ned confiesa falsamente su conspiración y declara a Joffrey como el legítimo heredero al Trono de Hierro. Para el horror - y el placer - de la multitud reunida, Joffrey lo ejecutado sin tener en cuenta su declaración.

El que ponen fin a la primera temporada, de nombre “Sangre y fuego” La noticia de la ejecución de Ned se extiende rápidamente a todos los rincones de los Siete Reinos, lo que provoca la reacción de cada miembro de la familia Stark. El Norte se separa de los Siete Reinos y proclama Robb como su Rey. Con Jaime capturado por los Stark y los hermanos Robert desafiando el nombramiento de Joffrey, Lord Tywin Lannister asigna a su hijo Tyrion como mano del Rey para mantener Joffrey y Cersei bajo control. Jon abandona su puesto en el Muro para vengar a su padre, sus amigos lo persiguen y lo convencen para quedarse, y se une a la Guardia de la Noche en una expedición más allá del Muro. Daenerys despierta y se da cuenta a su pesar de que su hijo aún no nacido ha muerto y su Drogo se encuentra en estado vegetativo debido a la magia de la bruja traidora. Incapaz de soportar la ruina de su marido, Daenerys termina con su vida y prepara una pira funeraria. Ella quema a la bruja viva al lado de cuerpo de Drogo y sus tres huevos de dragón, y luego entra en la misma cuando las llamas y el fuego alcanzan su punto máximo. Cuando se apaga la pira funeraria a la mañana siguiente, Daenerys se eleva, sana y salva, flanqueada por tres dragones recién nacidos. Así de intrigante acaba esta temporada.

Deseoso y a la espera de la segunda nos encontramos.

Escrito por recursosghaverroes el 02/02/2011 15:14 | Comentarios (0)

Todo por un premio

Las Hurdes, tierra sin pan es una película documental de 32 minutos (27 minutos en otras versiones), dirigida por el cineasta aragonés Luis Buñuel y rodada entre el 23 de abril y el 22 de mayo de 1932. Participaron como ayudantes de dirección el francés Pierre Unik así como Rafael Sánchez Ventura.

La fotografía impactante en su momento fue obra de Eli Lotar. El montaje fue del propio cineasta de Calanda.

Originalmente muda, en 1935 obtuvo dinero de la embajada de España en París para sonorizar la película (narrada en francés por Abel Jacquin una voz en off, aunque la versión que he visto pertenece a la Filmoteca Española y la voz del comentarista corresponde con Paco Rabal), de la misma manera que al final en esta misma versión se presenta un texto sobre la organización de campesinos y obreros para hacer frente a los militares rebeldes. Como ayudantes de sonido aunque añadido están Charles Goldblatt y Pierre Braunberger. Para completar la sonorización se añaden fragmentos de la sinfonía nº 4 de Johannes Brahms, especialmente audibles al inicio del documental. Se basa en un guión de Luis Buñuel, Pierre Unik y el afortunado Julio Acín, quien participa en la producción al haberle tocado, según se cuenta, una de los premios en la lotería nacional, cumpliendo así una promesa de este anarquista con Buñuel.

Este documental surge como respuesta a otro previo. Luis Buñuel, once años después del documental de Arnaldo Pou “Las Hurdes, país de leyenda”, que cubre una visita a la región extremeña del rey Alfonso XIII para demostrar su preocupación y así ganar popularidad, realizó este documental para demostrar que la situación era la misma de entonces, la de una región sumida en la más profunda miseria, y sin ningún tipo de ayuda gubernamental.

Tal es la desdicha que se refleja en este documental, que fue prohibido por el Gobierno de la República y no fue estrenado hasta 1937 en París, cuando, como hemos señalado anteriormente, Buñuel recibió el encargo, por parte del Ministerio de Propaganda de la República, de producir películas de apoyo a la causa republicana, destinadas sobre todo a franceses y británicos. A este fin, Buñuel rescató su antiguo documental de 1932 y lo sonorizó. Además incluyó unas letras explicativas al final. Es ésta la versión que analizamos.

Este crudo documental sobre la situación de atraso en que permanecían Las Hurdes está basado en un monumental estudio de antropología humana realizado por el francés Maurice Legendre, quien había estudiado Las Hurdes durante casi veinte años, titulado Las Jurdes : étude de géographie humaine (1927), que por esos años leyó el cineasta.

Con esta película Buñuel da un giro a su obra, alejándose del surrealismo ortodoxo para acercarse a propuestas más sociales y al comunismo. Pero el surrealismo (que en francés es literalmente «super-realismo») siempre aspiró a reflejar la realidad en sus distintas facetas y nunca a darle la espalda. Tanto la «Santa Objetividad», que por entonces preconizaba Dalí, como su «método paranoico-crítico», partían de la realidad para encontrar los elementos nunca vistos convencionalmente para constituir nuevas facetas del surrealismo, que no en vano, era un movimiento de rebeldía contra la sociedad burguesa en todos sus aspectos y que tenía como arma principal el escándalo.

Buena parte de estos objetivos se cumplen en esta cinta de Buñuel, pues consiguió escandalizar a los gobernantes e intelectuales de su tiempo y con ello obtuvo una repercusión que permitió difundir el mensaje social y de denuncia que tenía este documental producido por el intelectual anarquista Ramón Acín . La belleza terrible y amarga de las imágenes de Las Hurdes (el burro devorado por avispas, el entierro del niño en su ataúd blanco cruzando matorrales y un río) encierra tanto surrealismo como los fragmentos documentales de La Edad de Oro. Además, Buñuel utiliza metáforas de la muerte (calaveras, gallos, buitres) para potenciar unas imágenes ya de por sí desoladoras.

En este documental se realiza un recorrido por la comarca y los habitantes de Las Hurdes. La película refleja la situación tercermundista en que se encontraban algunas zonas de España. Es polémica la legitimidad de la cinta como documental antropológico, pues Buñuel, además de rodar los habitantes y las costumbres de esta comarca extremeña, construyó en ocasiones (como muestran fotos fijas del rodaje que se conservan) escenas a la medida de sus necesidades. Puede observarse, en este sentido, que la cabra despeñada fue abatida por una escopeta cuyo humo se observa en la fotografía. Asimismo, el burro comido por las abejas, tiene las patas atadas, y coincide con uno de los motivos más obsesivos para el cineasta, el del carnuz, que ya aparecía en el ambiente de la Residencia de Estudiantes, y se puede documentar en varios cuadros de Dalí  de esa época y en los burros podridos encima de los pianos de Un perro andaluz. Algunos documentalistas, como Pío Caro Baroja le han reprochado esta manipulación de la realidad y el daño ocasionado a los hurdanos, protagonistas de una exhibición truculenta. Empero, hay que pensar en si hay algún documental que no seleccione y manipule en mayor o menor medida – pensemos en el programa de cuatro “Callejeros”, por ejemplo - la realidad objetiva en dirección a los fines perseguidos, que en este caso (no lo olvidemos) eran denunciar ante las autoridades una situación de atraso a la que había que poner remedio, en la línea de los valores comunistas a los que el grupo de André Bretón se había ido acercando en la década de los 30. Cabe preguntarse si hubiera sido tan efectivo como testimonio social de no haber procedido a exagerar unas carencias que, lejos de arremeter contra el pueblo hurdano, ponían en evidencia la dejadez institucional que las habían permitido.

De todos modos pocos han discutido su extraordinaria calidad cinematográfica, pues ha sido elogiada por grandes documentalistas como Joris Ivens, Joseph Losey y Robert Flaherty. Carlos Saura la tuvo como punto de partida para su documental Cuenca, a raíz del cual declararía en 1958: “En el año 1932, cuando Luis Buñuel realizó Tierra sin pan, pudo nacer una genuina escuela del documental, entroncada con las raíces más profundas del temperamento hispánico. Solo se debía seguir el camino que Luis Buñuel nos dejó, pero nadie lo hizo”.

Al estreno del filme, realizado en el Palacio de la Prensa de Madrid, acudió el doctor  Gregorio Marañón – responsable de la mejora de esa comarca- , que se indignó por lo desagradable de la película, y protestó enérgicamente contra ella, opinión que recibió y compartió el Gobierno de la Segunda República, que decidió prohibirla por la mala imagen que ella podía ofrecer de España, en concreto de la negligente actuación en la comarca de la Segunda República. En 1937 el filme se estrenó en Francia donde, también a los pocos días de su proyección, hubo de ser retirada a instancias del gobierno francés y de la prensa.

Es curioso observar que casi veinte años después ocurrió algo parecido con la película que retrataba los barrios más deprimidos de Ciudad de México, Los olvidados cuyo estreno en México provocó reacciones violentísimas, y fue solicitada la expulsión de Buñuel por parte de la prensa, sindicatos y otras asociaciones. Permaneció solo cuatro días en cartel sin que faltaran intentos de agresión física contra el cineasta, solo que en esta ocasión, el premio conseguido en el Festival de Cannes, hizo que la película fuera avalada por el prestigio de este importante certamen, así como por la defensa que de ella hicieron algunos intelectuales mexicanos, entre los que destacó Octavio Paz .

El documental se inicia con una introducción en dónde se nos explica el origen del retraso y el abandono de la comarca. Se resalta que la primera carretera se  traza en 1922 y de cómo a pesar de estar cerca de Salamanca, se vive en la comarca como en el Paleolítico. El viaje se inicia en La Alberca ciudad al norte de la comarca cacereña dominada por la iglesia y sus blasones en las portadas. El día que muestran es festivo: la fiesta de los recién casados durante el año. Consiste en una prueba para  descabezar seis gallos. Posteriormente invitan los casados a vino y obleas. Según el comentarista, a las 7 abandonan el pueblo que presenta a su población embriaga de vino y la brutalidad, visible en los niños y sus amuletos.

Llegan a las Hurdes, comarca áspera y montañosa al norte de Cáceres. Son 52 aldeas con 8.000 habitantes. El recorrido de entrada se realiza por el abandonado monasterio de Santiago de las Batuecas y sus ermitas cercanas. Se muestran en el abandonado lugar sapos y víboras. Más tarde se pasa al primer pueblo Aceitunilla. Se resalta la nula canalización de agua, pues niños y animales beben del arroyo, lo famélicos que se encuentran , la miseria moral y física y el aprendizaje en la escuela con la máxima escrita en la pizarra: “Respetad los bienes ajenos”.

Pasando al segundo núcleo se ven un caparazón de tejados y a los habitantes hurdanos. Nos informan que gran parte de ellos están enfermos de fiebres, bocio y disentería, centrándose en una mujer de algo más de treinta años.

Nos habla el documental de su alimentación escasa, y que es a base de patatas y judías. La carne de algún cerdo de los pudientes y de las cabras que se despeñas.

La principal ganadería es la apicultura que beneficia a los de La Alberca y nos presentan la historia de un burro que es atacado por un enjambre tras un accidente. También se ve inicia la emigración en busca de jornales, o el trabajo para conseguir tierras de labor, o abonos. De las inclemencias se ve el estiaje del río en verano, y la enfermedad del paludismo. Igualmente llamativo es la relación entre hambre enanismo y cretinismo, así como su peligrosidad. El incesto y la consanguinidad son origen del abundante cretinismo. Varios enanos adultos recuerdan a los velazqueños. La muerte de un niño es presentado como la tragedia de una comarca sin pan.

La Dirección de la Semana Internacional del Film de Mannheim (Alemania) organizó en 1964 un referéndum para que los críticos e historiadores señalasen los 12 mejores documentales de la Historia, estando éste de Las Hurdes entre los incluidos, juntos con otros grandes de Robert J. Flaherty, Resnai o Eisenstain.

Tengo que añadir que aparte de las exageraciones o falsedades que se vierten en el documental sí se puede afirmar que para el año 1932 esta situación, al menos, el duro modo de vida no era exclusiva de las Hurdes, sino bastante generalizada en muchos rincones de la geografía española.

Escrito por recursosghaverroes el 29/01/2011 15:35 | Comentarios (0)

Un añejo neverland

La historia es bien conocida, aunque sea a través de la versión de Disney de 1953. Sin embargo, la película tiene el encanto  de ser la primera que se rodó, rompiendo con la tradición teatral de la obra. La película en sí, es muy teatral. De hecho, hay momentos en que se dirigen al público para que este responda. Incluso determinadas miradas a la cámara van encaminadas a un público en su butaca teatral.

Peter Pan en su primera incursión cinematográfica fue dirigida por Herbert Brenon. El director participó igualmente en la producción conjuntamente con The Famous Players-Lasky y Adolph Zukor. El guión lo preparó  Willis Goldbeck, pero parece ser supervisado por el autor de la obra, James.M. Barrie.

Me llamó la atención que la fotografía, lógicamente en blanco y negro, - no olvidemos que estamos en el año 1924, estuviese a cargo  de un norteamericano de origen chino, James Wong Howe, que según he investigado desarroló su labor hasta años antes de su muerte en los 70.

Esta película lógicamente muda, fue distribuida por la Paramount Pictures y estrenada el 29 Diciembre 1924. La duración llamativamente larga, 105 minutos. Se rodó en la isla Santa Catalina, perteneciente a la Islas del Canal (California).

En cuanto la interpretación fue asumida por Betty Bronson. La actriz se hará cargo del papel de Peter Pan. Será el autor de la obra,  James M. Barrie, quien personalmente eligió a la actriz para encarnar a su creación en la pantalla grande, descartando a grandes nombres de la época como Lillian Gish o Mary Pickford. La utilización de chicas en el papel se derivaba de su menor peso para la mejor realización de los efectos de vuelo. Siguiendo una convención de la etapa que se extendería a versiones en película, Peter Pan es interpretado por una mujer menuda, joven Betty Bronson (recogidos a mano por el propio Barrie), que aporta la energía varonil y el guión para el papel. Se contrapunto será asumido por el actor Ernest Torrence como el Capitán Garfio. Los efectos volando sobre el escenario funcionaron igual de bien en pantalla.

Esta película muda, que mantiene una cercanía con la obra teatral que el trabajo de Herbert Brenon no logra distanciar, está enaltecida por la memorable fotografía de James Wong Howe, la asombrosa caracterización de George Ali como la perra Nana (repitiendo un personaje que ya había llevado a cabo en el teatro, con Maude Adams como Peter Pan) y como el cocodrilo. Todo ello en el ambiente mágico e inocente inherente a la historia de esta sencilla y tierna, que hay que contemplar siempre con ojos de niño, ese niño que todos llevamos dentro y que nunca jamás debería crecer.

El matrimonio Darling (Cyril Chadwick y Esther Ralston) se van de fiesta dejando a sus hijos Wendy (Mary Brian), Michael (Philippe de Lacey) y John (Jack Murphy) durmiendo al cuidado de la perra Nana (George Ali), que termina siendo confinada a su caseta por el padre de los tres niños.

En esa noche londinense, reciben una visita inesperada, un niño volador llamado Peter Pan (Betty Bronson), que ha perdido su sombra y su luminosa compañera, Campanilla (Virginia Browne Fire). Wendy, Michael y John se marcharán con ellos hacia el País de Nunca Jamás. Para ello  aprenderán a volar, a creer en las hadas, conocerán a los Niños Perdidos, a los Pieles Rojas y al temible Capitán Garfio (Ernest Torrence) y los demás piratas, con los que vivirán inolvidables aventuras. También llama la atención la  de Wong Anna May, una actriz estadounidense de origen chino, en el papel de la princesa india Tiger Lily.  

Más tarde, los niños se sienten nostalgia y el deseo de volver a casa. Wendy invita a Peter y los Niños Perdidos a ir con ellos para que puedan ser adoptados. The Lost Boys están dispuestos a hacerlo, pero Peter se niega porque no quiere crecer. Wendy y sus hermanos y los niños perdidos son capturados por los piratas, pero rescatado por Peter, que obligará finalmente al Capitán Garfio a caminar por la plancha y ser devorado por el cocodrilo, que con anterioridad le había devorado la mano en la que vimos tenía un garfio.  Wendy y los niños perdidos regresaran al domicilio de los Darling, donde la señora Darling se reúne a Pedro por primera vez y se ofrece a adoptar, pero él se niega por la misma razón que se negó a volver con Wendy y los niños - no tiene intención de creciendo. Peter le pide a Wendy regresar a Neverland con él, y la señora Darling se compromete a permitir Wendy volver una vez al año para ayudar a Peter, básicamente en su limpieza.

Esta película, del cine mudo, me parece una auténtica maravilla para la época, por la utilización de los efectos especiales, la calidad de las imágenes, la fotografía, la caracterización...  La película sigue de cerca el argumento de la obra original, e incluso va tan lejos como para incorporar la mayor parte de su diálogo original en la etapa de intertítulos, por supuesto en inglés. Las escenas añadidas incluyen al perro Nana preparando los medicamentos de Michael y darle un baño, o cuando Nana irrumpe en la casa en la que están de fiesta para advertir el señor y la señora Darling que Peter Pan y los niños Darling están volando alrededor sobre Londres.

Al igual que el libro original y varias otras versiones, ya diferencia de la película de 1953 de Disney, la versión 1924 deja claro que Wendy alberga un apego romántico a Peter, pero Peter, a la molestia de Wendy, sólo piensa en ella como su madre. La película omite la escena de una ocurrencia tardía, que Barrie escribió después de la obra fue puesta en escena, y en el que Pedro vuelve a Wendy, sólo para encontrar que los años han pasado y que ahora es una mujer casada con una hija. Aunque esto si está recogida en la película de "Hook” de Steven Spielberg, que tienen a Robin Williams, a Dustin Hoffmann y Julia Roberts como estrellas.

Tras ver esta película, está clarísimo que ha sido la gran inspiración del cine posterior sobre esta obra, en concreto, encuentro muchísimas similitudes con la adaptación de Disney, se nota que la producción de Herbert Brenon les sirvió para tomar muchísimas ideas, en la misma medida que Brenon tuvo que servirse de la obra de teatro.

A mí personalmente, me fascina el cine mudo y esta adaptación de Peter Pan me ha hecho disfrutar mucho. Yo he visto la versión restaurada en 1999, y que se presentó en el año 2001. En la misma destaca la magnífica fotografía, su gran puesta en escena, absolutamente teatral, destacando la escena en la que Campanilla se ha envenenado para salva a Peter Pan y éste pide al público que la salve) y sus entrañables efectos especiales (la luminosidad de Campanilla, los vuelos de Peter, Wendy, etc…), el vestuario, destacando la adapación tanto de Nana, la perra, como del cocodrilo, . A destacar  la música con toda su orquestación.

Su distribución fue muy limitada. Se sabe que en Alemania, donde el estreno tuvo lugar en diciembre de 1925, el distribuidor fue la UFA. Durante mucho tiempo esta película estuvo descatalogada.  Durante muchas décadas, sólo estaban disponibles copias defectuosas. Será en la década de los 90 del pasado siglo cuando James Card, restaurador de cine de  la George Eastman House quien encontró en Rochester una copia bien conservada que pudo ser restaurada por David Pierce en los Estudios Walt Disney. 

Mención especial en esta versión presentada en 2001 es la música. Será Philip C. Carli, la persona que  compuso la música para la nueva restauración película, que fue realizada por la the Flower City Society Orchestra. Carli, además de dirigir a la Orquesta se encarga del piano.

La versión restaurada fue presentada el 8 de abril de 2001 en el Teatro El Capitán en Hollywood, propiedad de Disney Hollywood. En esa sesión la película fue acompañada por un órgano Wurlitzer. En un comunicado de prensa, Lylle Breier, vicepresidente de Disney de todo el mundo eventos especiales, dijo que la proyección pública también incluirá "una celebración de cumpleaños de Walt Disney ", que incluyó la proyección de dos cortos de animación producidos en 1922, Caperucita Roja y El gato con botas , junto con las películas caseras de la familia.  El comunicado de prensa dijo que la impresión original fue comprada por Disney en 1938 cuando se comenzó a desarrollar la versión animada de la de James M. Barrie, que finalmente se realizó  en  animación en 1953.

Una curiosidad es la americanización de Hollywood descarada del sentimiento británico Barrie, incluyendo el cambio de frases tales como "señores ingleses" a "los señores americanos" y sustituir la “Union Jack” por las barras y estrellas.

Escrito por recursosghaverroes el 27/01/2011 07:57 | Comentarios (0)

Cosecha del 69

Hoy día 11 de enero he empezado a ver una película que recuerdo haber visto en el verano de 1970, junto con mis padres y hermanos. Tenía una lejana idea de cómo era la película, pero son de estas cosas que sacas del disco duro, porque siempre estuvieron allí. La película es Oliver, del director Carol Reed. No lo sabía, en aquella época yo desconocía que existieran los Oscar, pero fue la triunfadora de la gala del año 1969. Se llevó 5 Oscars, entre ellos el de mejor película.

¿Qué recordaba de ella? Pues algunos retazos como que la historia se basada en la obra de Dickens Oliver Twist, que era un musical y que pasaban en un momento de los diálogos a las canciones. Recuerdo que la vi en la Plaza de Toros, así como la mugre de los niños, la maldad de ruin explotador  y que me espantaban cuando cantaban. El protagonista se parecía a mi vecino David, según mi madre. Hay un agravante: en aquella época las películas musicales no se doblaban, así que dado mis cinco años mi nivel de inglés era inexistente. No me enteré de lo que decían, así que no me gustó.

Hoy la he visto con otros ojos. La razón, puede que esté en la nostalgia. La ventaja es la de que en la versión en VHS que tengo – todavía está operativo, debe ser de los últimos- aparecen las canciones subtituladas.

Oliver es un exuberante musical sobre el clásico de Charles Dickens, que ganó seis Óscars de la Academia, más uno honorífico, entre ellos el de mejor director. Precisamente uno de los protagonistas era Oliver Reed, su sobrino. A su vez la película está basada en el musical del mismo nombre de Lionel Bart. Fue la última película musical ganadora del Oscar a la mejor película, hasta el triunfo de Chicago 34 años después. También obtuvo los Oscars al mejor director, la mejor dirección artística (John Box, Terence Marsh, Vernon Dixon y Ken Muggleston) , mejor banda sonora (John Green) y mejor sonido (Shepperton Studio). Tuvo otras seis nominaciones más: mejor actor para Ron Moody; mejor actor de reparto para Jack Wild; mejor fotografía (Oswald Morris); mejor diseño de vestuario (Phyllis Dalton); mejor montaje (John Green) y mejor guión adaptado (Vernon Harris). Nominada a cinco globos de oro ganó dos (película y actor).

La historia es la conocida. Oliver, interpretada por Mark Lester, un niño huérfano huye del orfanato en el que se encuentra recluido y llega a Londres donde es acogido por una banda de niños delincuentes dirigidos por un truhán, Fagin, (Ron Moody) y un ladrón,  Bill Sikes, papel interpretado por  el sobrino del director Oliver Reed.

Escrito por recursosghaverroes el 26/01/2011 18:12 | Comentarios (0)

El sicario del sueño

Uno ve cosas que, a veces, no puede o no sabe describir. La hora no ayudaba, tarde, muy tarde, pero es la única que tengo para ver este tipo de películas. Vi la película, El sicario del Dios, sin prejuicio alguno. No había leído nada sobre ella, nadie me había dicho nada. Basándome únicamente en mis gustos reconozco que la película no consiguió el objetivo mínimo que una película, según yo, debe tener: entretener. ¿Por qué? Es que realmente no tengo claro lo que vi, tanto es así que la película me aburrió, vamos que me dormí al final.  ¿A que se debió? La hora insisto no era la apropiada, el género parecía que sí. Pero claro una película que como género que es calificada en filmaffinity como que combina la ciencia ficción, lo fantástico, las aventuras, el thriller, el western, el terror, el futuro postapocalipco y el cómic puede resultar un cóctel explosivo. En efecto, y para mí, explotó.

De la clasificación de esta web especializada en cine estoy de acuerdo con su adscripción al cómic. De hecho algunas escenas, sobre todo, las que siguen al inicio para describir la guerra que aconteció entre humanos y vampiros tiene la estética de un cómic. Del resto alguna pose, y poco más.

Se trata de una película corta – es de agradecer- de sólo 87 minutos y de este año. Está dirigida por Scott Stewart y se basa en el guión de Cory Goodman, inspirándose a su vez en la novela gráfica de Min-Woo Hyung. La banda sonoro es de Christopher Young, pero no soy capaz de enjuiciarla y, eso sí, una buena fotografía, muy terrosa, la de Don Burgess. Interpretada por Paul Bettany, Cam Gigandet, Maggie Q, Karl Urban, Lily Collins, Stephen Moyer, Mädchen Amick, Christopher Plummer- en un papel estelar ¡¡¡confesor del protagonista durante ¿1 minuto?!!!!, Brad Dourif. Producida por un conglomerado formado por Sony Pictures / Buckaroo Entertainment / Michael De Luca Productions / Screen Gems / Stars Road Entertainment / TOKYOPOP, aunque desconozco como participa tanta gente en una cosa como esta.

La sinopsis de esta web dice lo siguiente. En un mundo asolado por siglos de guerra entre el hombre y los vampiros, un legendario guerrero (Bettany) que destacó durante la última Guerra del Vampiro, se ha convertido en un sacerdote que vive en comunidad en las amuralladas ciudades controladas por la Iglesia. Sin embargo, cuando su joven sobrina es secuestrada por un grupo de vampiros que viven en los páramos, el sacerdote rompe sus sagrados votos y emprende su búsqueda decidido a vengarse de ellos, especialmente de su brutal líder (Karl Urban). En esta aventura lo acompaña el novio de la chica (Gigandet), un sheriff y una sacerdotisa (Maggie Q) que pertenece a la legión de asesinos de vampiros y posee habilidades de combate sobrenaturales.

En definitiva, entiendo que es una película con virtuosismos, no resuelta y prescindible, en la que el sicario no era de Dios, sino del sueño.

Escrito por recursosghaverroes el 25/01/2011 21:11 | Comentarios (0)

Tintín, cumple años

Hoy día 10 de enero han comentado en Onda Cero que se cumplen los 82 de la presencia de Tintín en nuestro universo cultural. El 4 de enero de 1929, las páginas de 'Le Petit Vingtième' anunciaba la partida del reportero Tintín con destino a la Unión Soviética. El 10 de enero aparecían publicadas las primeras viñetas de 'Las aventuras de Tintín', protagonizadas por el periodista más famoso de la historia del cómic, con guión y dibujos de Hergé, que tenía entonces 21 años. Indica que de este periodista  únicamente conocemos un reportaje periodístico, concretamente el que daba origen al personaje.

El belga Hergé, su creador, había nacido como Georges Prosper Remi en el barrio de Etterbeek, Bruselas, en el círculo burgués y católico de la sociedad belga. En 1918 se afilió al movimiento scout, primero en los Boy-Scout de Bélgica, grupo laico, pero al cambiarle su padre a un colegio católico, el Saint-Boniface, ingresó en La Federación de Boy-Scouts Católicos. La filosofía del escultismo le marcó profundamente a él y a su personaje Tintín. Cuando en una entrevista, recogida en el libro 'Conversaciones con Hergé', Numa Sadoul afirma que «¡Tintín es un tenaz boy-scout!» el autor no duda en responder: «¿Y por qué no?... ¿Cree usted que es tan ridículo hacer una buena acción, amar y respetar la naturaleza y los animales, esforzarse en ser fiel a la palabra dada?».

Empezó a publicar sus primeras historietas en la revista 'Le Boy-Scout Belge' y, a partir de 1924, a firmarlas con el seudónimo 'Hergé', pronunciación en francés de las iniciales de su nombre ordenadas al revés: 'R' y 'G'. Cosas de los boy-scout.

En 1925 Hergé empieza a trabajar en el “Le XXème Siècle”, diario católico nacional de doctrina e información' dirigido por el padre Norbert Wallez, ultraconservador. De la mano del religioso, Hergé va prosperando en la redacción del 'Le Vingtième Siècle'y recibe el encargo de poner en marcha el suplemento infantil del periódico. 'Le Petit Vingtième' ve la luz el 1 de noviembre de 1928; Hergé empieza dibujando 'Les aventures de Flup', 'Nénesse', y 'Poussette et Cochonnet' según los guiones de un redactor deportivo del periódico. Descontento, se pone a trabajar en una historieta más innovadora que conecte mejor con el público infantil; con esta idea inventa a Tintín, un periodista aventurero, y a su inseparable foxterrier Milú.

Por encargo de Wallez, la primera aventura lleva a Tíntín a la Unión Soviética con la idea de denunciar las atrocidades del régimen bolchevique. Es un cómic en sepia tremendamente crítico con los alemanes y sobre todo los soviéticos. Hergé utiliza como fuente principal el libro de propaganda antisoviética 'Moscú sin velos' ('Moscou sans voiles', 1928), escrito por el cónsul de Bélgica en Rusia durante el periodo de la Revolución de Octubre, Joseph Douillet. 'Tintín en el país de los soviets' es un éxito tal que 'Le XXème Siècle' escenifica la llegada a Bruselas del personaje con un actor de carne y hueso.

Esta primera historieta fue publicada originalmente entre el 10 de enero de 1929 y el 8 de mayo de 1930 en 'Le Petit Vingtième'. En este  primera aventura del intrépido reportero aparece a un ritmo de unas dos páginas por semana. A pesar de ser la primera, no por ello es la menos peligrosa: Tintín tiene que enfrentarse a los bolcheviques con todas sus fuerzas. Después de su viaje a la Unión Soviética, Tintín partirá al Congo, de donde regresará también triunfal .aunque con actual polémica, para comenzar así su proyección internacional.

Como sabemos Tintín no está solo. Además de su inseparable Milou, se le agrega el día 29 de marzo de 1941 apareció por primera vez el capitán Haddock en ese título de la larga serie de aventuras Con su carácter malhumorado, sus palabras fuertes y malsonantes, su poblada barba y su inseparable pipa y gorra de capitán, Haddock se hacía famoso en todo el orbe. Y es que el impulsivo y borracho, sin diminutivos, Haddock acabaría convirtiéndose en aliado y amigo más fiel de Tintín, aparte de su can. Más tarde, se unirán otros: Tornasol, Hernández y Fernández, la Castafiore, Néstor, Rastapoulos, Serafín Latón, General Alcázar, el profesor Alambique, etc... Vamos una gran familia.

¿Quién no recuerda los paseos de Haddock por el jardín de su residencia, el suntuoso castillo de Moulinsart, cuando no está en alguna aventura por el mundo? ¿O sus apariciones en 'El tesoro de Rackham el rojo' (1945) o en 'Tintín y los pícaros' (1976)? ¿O sus expresiones "¡Troglodita!¡Ectoplasma!"? Son algunas de las frases célebres del capitán Haddock, el entrañable personaje gruñón creado por Georges Rémi.

Y es que mientras en 'El cangrejo de las pinzas de oro', Haddock aparecía como un mero personaje secundario, poco a poco Hergé (1907- 1983) le fue otorgando mayor protagonismo, hasta colocarle casi en el mismo nivel que a Tintín.

Amante del buen whisky, de ánimo irascible y siempre dispuesto a lanzar alguna invectiva contra sus enemigos, y alguna crítica ácida incluso contra sus amigos, Haddock es -en el fondo- un ser entrañable y bonachón, sólo hace falta que su dulzura, escondida tras la piel de un viejo y curtido "lobo de mar", aflore a la superficie.

Pero ¿cómo nació el personaje? En aquellos años, Bélgica estaba sumergida en plena Segunda Guerra mundial y Hergé no fue ajeno a la dificultad del momento: en mayo de 1940, más de un millón y medio de belgas huían de la invasión nazi y encontraban refugio en Francia.

Hergé era uno de ellos. Marie-France Sébileau, periodista amiga del artista, lo aloja hasta que Phillipe Pétain firma el armisticio. El 30 de junio de ese año, Hergé regresa a Bruselas pero se topa con una desagradable sorpresa: el periódico 'El Siglo XX' y su suplemento 'Le Petit Vingtième', en cuyas páginas nació Tintín, ha sido proscrito por el ocupante nazi.

Es entonces cuando Hergé decide proseguir con las "aventuras de Tintín" desde las páginas del rotativo 'Le Soir', precisamente con el título 'El cangrejo de las pinzas de oro', según informa este martes el propio periódico francófono.

El 15 de octubre de 1941, Hergé se convierte en redactor jefe del nuevo suplemento juvenil del periódico, denominado 'Le Soir Jeunesse' con una estricta consigna: nada de política, solo cómics intrascendentes, para evitar las garras de la 'Propaganda Abteilung' (el aparato censor de los ocupantes alemanes).

En una de las cartas que uno de los amigos más queridos de Hergé, Robert Moulin, le envía en esa época, queda claro cuál era el espíritu de la nueva publicación: "Seguimos con pasión en 'Le Soir' las proezas de Tintín y cada semana (eran entregas semanales), obviamos a propósito las páginas de política para sumergirnos con avidez en la sección infantil y juvenil", afirma.

Pero ¿en qué o en quién se inspiró Hergé para crear a Haddock? Según los datos de 'Le Soir', la idea le viene después de leer las páginas de "sucesos" en la prensa y en concreto un hecho real que le conmocionó.

En ese año, un capitán de barco alcohólico había fallecido encerrado en su camarote debido a que su exceso de nivel etílico y aturdimiento le impidieron escapar y salvarse durante una tormenta en alta mar.

Así que las raíces del capitán Haddock están, precisamente, en un personaje atormentado, a la deriva, sin horizonte y sumergido en la bebida: algunos de los rasgos que -al menos colateralmente- están presentes en el personaje del cómic.

De esta manera, Hergé cree haber encontrado en Haddock al contrapunto perfecto: Tintín el equilibrado, racional y sereno reportero, frente al atávico y colérico capitán. El anverso y el reverso de la moneda. Son algo así como el Quijote y el Sancho Panza de Bélgica, aunque de espíritus diferentes. Al fin y al cabo son las cosas que ocurren cuando los mitos son inmortales.

En este año de homenajes diversos ha intervenido el genial Steven Spielberg, que nos regaló una joya del cine con su versión de “Las Aventuras de Tintín: el Secreto del Unicornio”, película que en diciembre nos hizo disfrutar de lo lindo - no a todos como por ejemplo a Carlos Boyero- y que combinaba los dos universos: el de Hergé y el de Spielberg. El papel de un Tintín digitalizado fue interpretado por Jamie Bell, mientras que el papel de malvado era asumido por Daniel Craig. Es la primera de las tres películas basadas en Tintín. Como ha ocurrido en la primera entrega se utilizará el sistema 3D Motion Capture. El guión es de Steven Moffat, Edgar Wright y Joe Cornisa. La producción quedó en manos de Steven Spielberg, Peter Jackson y Kathleen Kennedy.

El diario "El mundo" rindió en enero de 2009 en extenso y completo homenaje al personaje y al autor con sus 80 años de Tintín. Nosotros rendiremos otro sentido homenaje a este reportero viendo el "Cetro de Ottokar" paseando por Syldavia.

Escrito por recursosghaverroes el 25/01/2011 09:21 | Comentarios (0)

Otro ladrillo en el muro

¿Quién con más de 40 años no conozca a Pink Floyd es que ha vivido en otro mundo? ¿Cuántos de éstos no han escuchado tarareado  alguna vez "Another Brick in the Wall"? La entrada va de esto. Ayer noche rebusqué en el baúl de los recuerdos y me propuse ver una película con base musical. Elegí  The Wall, inspirado en el mismo disco de Pink Floyd es un filme británico del año 1982.

Pink Floyd The Wall es uno de los discos más intrigantes e imaginativos de la historia de la música rock. Desde el lanzamiento del nuevo álbum de estudio en 1979, la gira de 1980-81, y la película posterior de 1982, el Muro se ha convertido en sinónimo de "disco conceptual". Auditivamente es una obra rompedora, sorprendentemente complejo en el escenario, y visualmente explosivo en la pantalla, el Muro de las huellas de la vida de la protagonista de ficción, Pink Floyd, desde sus días de infancia tras el fin de la  segunda guerra mundial y su aislamiento autoimpuesto como un mundo de fama estrella de rock, que lleva a un clímax que es tan catártico como destructiva.

Escrito por recursosghaverroes el 24/01/2011 18:13 | Comentarios (0)

El viejo y sucio oeste

Ayer terminé de ver definitivamente la magnífica serie sobre el viejo oeste te tiene como título Deadwood. Como ya dije anteriormente me ha encantado el papel de Al Swearangen. Pero el resto de personajes no se queda atrás. Entre los habitantes del campamento que son dignos de destacar destaca el honorable e implacable sheriff Seth Bullock, un sheriff ya retirado que pretende abrir una ferretería junto a su socio el judio Sol Star, son las circunstancias las que le obligan a asumir nuevamente su papel como protector de la ley; el Wild Bill Hickok, legendario pistolero que viaja en compañía de sus inseparables amigos Charlie Utter y Calamity Jane, y que protagoniza la primera temporada; el repulsivo empresario hotelero y futuro alcalde EB Farnunn; los Garrett, un matrimonio adinerado de Nueva York que pretende incrementar su fortuna gracias a la extracción de oro, en la que la señora Garrett jugará un fuerte protagonismo, o personas sin límite a su ambición representada por George Hearst, gran protagonista de esta tercera y última temporada. Por salir en la serie sale el mismísimo Wyatt Earp, en esta última temporada. Pero lo más destacable es que existen muchos más personajes, inicialmente secundarios como el doctor, un periodista, muchas prostitutas, una tullida, tahures asesinos como Jack McCall, un par de yonkis, un reverendo, varios niños, un buen puñado de variopintos bastardos e incluso algún indio, y algún negro, una comunidad china presidida por Wu, o actores ambulantes como el auténtico Langrishe, y todos pululan por el argumento de “Deadwood” con una naturalidad pasmosa, como si narrar las vidas de los habitantes de un pueblo fuera un juego de niños para unos guionistas que hacen de los diálogos uno de los puntos fuertes de la serie.

Escrito por recursosghaverroes el 23/01/2011 11:34 | Comentarios (0)

Típico día de sesión de tarde

Hoy nos hemos dedicado a ver dos películas muy apropiadas para un sábado por la tarde. La primera la hemos visto en la sexta, “El planeta rojo”. La segunda un clásico del entretenimiento desde los noventa, Beethoven, uno más en la familia.

Planeta rojo es una película de ciencia ficción de 2000, dirigida por Anthony Hoffman y protagonizada por Val Kilmer. La película parte de las dificultades de la Tierra para el año2050, se encuentra en un estado de crisis debido a la severa contaminación y a la superpoblación. Misiones automatizadas han sembrado en Marte algas productoras de oxígeno como la primera etapa para habilitar el planeta. Doce años más tarde, cuando la cantidad de oxígeno producido por las algas desciende inexplicablemente, la tripulación de la misión Marte-1 debe descubrir el porqué de esta situación y continuar la misión de hacer el planeta rojo adecuado para la colonización humana.

En el camino a Marte, la tripulación se va conociendo. Algunas discusiones notables acerca de ciencia y espiritualidad discurren entre los protagonistas. Quinn Burchenal (Tom Sizemore), el experto genético, es un firme ateo, mientras que el anciano científico y cirujano Bud Chantillas (Terence Stamp) es más filosófico, habiéndose dado cuenta mucho tiempo atrás que «la ciencia no puede responder las preguntas realmente importantes». El Ingeniero de Sistemas Mecánicos y «conserje espacial» Robby Gallagher (Val Kilmer) actúa como el protegido de Chantillas, mientras coquetea con la comandante de la nave, Kate Bowman (Carrie-Anne Moss).

La nave llega a Marte, pero una erupción solar daña varios sistemas claves. Esto compromete la órbita de la nave y obliga a Bowman a permanecer en ella y a hacer reparaciones mientras los otros descienden a Marte. Su primer objetivo es localizar un hábitat automatizado enviado años atrás para almacenar comida y oxígeno para la llegada de la tripulación.

La nave de aterrizaje sufre daños en su entrada a la atmósfera marciana, lo que obliga a variar su trayectoria y a aterrizar bastante lejos del lugar cerca del hábitat en que pretendían hacerlo. Durante el proceso pierden a AMEE (Autonomous Mapping Exploration and Evasion) un robot multifuncional en préstamo de los marines que sirve como su «navegador de la superficie de Marte». Las dificultades de los que inician la investigación sobre el terreno se inician y se complican con la desconfiguración de Amee. Al final, dos supervivientes: chico- chica.

Un café para Swearengen

Ayer noche empecé a ver la tercera temporada de Deadwood. Se trata de una serie norteamericana, un western hiperrealista sobre el nacimiento de una ciudad en las Colinas Negras, un territorio del que acaban de ser expulsados los indios. Deadwood, al inicio de la serie, es una población no integrada todavía en ningún estado en la frontera oeste. La recién fundada ciudad ofertará servicios básicos para ese ingente número de colonos que diariamente se acercan buscando fortuna principalmente en las unas entrañas de la tierra repletas de oro. La codicia requiere cada vez de más servicios, que progresivamente irán aumentando en su oferta para esta población en ascenso. Los servicios se vinculan al alcohol, la prostitución, el alojamiento, el juego y la ferretería. Entre los pioneros fundadores de la ciudad y esos nuevos colonos que arriban habrá una auténtica lucha por el poder.